Precedente clássicoEditar

Máscaras cómicas trágicas do teatro grego antigo representadas no mosaico de Hadrian’s Villa.

Não há uma definição formal concisa de tragicomédia da época clássica. Parece que o filósofo grego Aristóteles tinha algo como o significado renascentista do termo (ou seja, uma ação séria com um final feliz) em mente quando, em Poética, ele discute a tragédia com um final duplo. Neste sentido, várias peças gregas e romanas, por exemplo Alcestis, podem ser chamadas de tragicomédias, embora sem atributos definidos fora do enredo. A palavra em si tem origem no dramaturgo romano Plautus, que cunhou o termo de forma um tanto ou quanto facciosa no prólogo da sua peça Amphitryon. O personagem Mercúrio, sentindo o indecorum da inclusão tanto de reis como deuses ao lado de servos numa comédia, declara que é melhor que a peça seja uma “tragicomoedia”:

Faço dela uma mistura: que seja uma tragicomédia. Eu não acho que seria apropriado fazer consistentemente uma comédia, quando há reis e deuses nela. O que você acha? Como um escravo também tem um papel na peça, farei dela uma tragicomédia…-Plautus, Amphitryon

RevivalsEdit

ItalyEdit

O comentário de Plautus teve um impacto indiscutivelmente excessivo na teoria estética renascentista, o que transformou em grande parte os comentários de Aristóteles sobre o drama em uma teoria rígida. Para os “mestiços das regras” (o termo é de Giordano Bruno), obras “mistas” como as mencionadas acima, “romances” mais recentes como Orlando Furioso, e até mesmo A Odisséia foram, na melhor das hipóteses, enigmas; na pior das hipóteses, erros. Duas figuras ajudaram a elevar a tragicomédia ao status de um gênero regular, o que significa uma com seu próprio conjunto de regras rígidas. Giovanni Battista Giraldi Cinthio, em meados do século XVI, ambos argumentavam que a tragédia com fim econômico (tragedia de lieto fin) era a mais apropriada aos tempos modernos e produziam seus próprios exemplos de tais peças. Ainda mais importante foi Giovanni Battista Guarini. Il Pastor Fido, de Guarini, publicado em 1590, provocou um feroz debate crítico no qual a defesa espirituosa da inovação genérica de Guarini acabou levando o dia. A tragicomédia de Guarini ofereceu uma ação modulada que nunca foi longe demais nem para a comédia nem para a tragédia, personagens maneirados e um cenário pastoral. Todos os três se tornaram grampos da tragicomédia continental por um século e mais.

EnglandEdit

Na Inglaterra, onde a prática correu à frente da teoria, a situação era bem diferente. No século XVI, “tragicomédia” significava o tipo de jogo romântico nativo que violava as unidades de tempo, lugar e ação, que misturava de forma fluida personagens altos e baixos, e que apresentava ações fantásticas. Estas foram as características que Philip Sidney deplorou na sua queixa contra o “mungrell Tragy-comedie” dos anos 1580, e do qual o Polonius de Shakespeare oferece um famoso testemunho: “Os melhores actores do mundo, seja pela tragédia, comédia, história, pastoral, pastoral-cómico, histórico-histórico, trágico-histórico-pastoral, cena individuável, ou poema ilimitado: Séneca não pode ser demasiado pesada, nem Plautus demasiado leve. Para a lei da escrita e da liberdade, estes são os únicos homens”. Alguns aspectos deste impulso romântico permanecem mesmo no trabalho de dramaturgos mais sofisticados: As últimas peças de Shakespeare, que podem muito bem ser chamadas tragicomédias, têm sido muitas vezes chamadas romances.

No início do período Stuart, alguns dramaturgos ingleses tinham absorvido as lições da controvérsia Guarini. The Faithful Shepherdess de John Fletcher, uma adaptação da peça de teatro dos Guarini, foi produzida em 1608. Na edição impressa, Fletcher ofereceu uma definição interessante do termo, que vale a pena citar longamente: “Uma tragicomédia não é assim chamada em relação à alegria e à matança, mas em relação à morte, o que é suficiente para que não seja uma tragédia, mas traz alguma coisa de novo, o que é suficiente para que não seja uma comédia.” A definição de Fletcher se concentra principalmente nos acontecimentos: o gênero de uma peça é determinado pelo fato de as pessoas morrerem ou não nela e, de forma secundária, pelo quão próxima a ação chega a uma morte. Mas, como Eugene Waith mostrou, a tragicomédia que Fletcher desenvolveu na década seguinte também tinha características estilísticas unificadoras: revelações repentinas e inesperadas, enredos outré, locais distantes, e um foco persistente em retórica elaborada e artificial.

alguns contemporâneos de Fletcher, nomeadamente Philip Massinger e James Shirley, escreveram tragicomédias populares. Richard Brome também ensaiava a forma, mas com menos sucesso. E muitos de seus escritores contemporâneos, desde John Ford a Lodowick Carlell e Sir Aston Cockayne, fizeram tentativas no gênero.

Tragicomédia permaneceu bastante popular até o fechamento dos teatros em 1642, e as obras de Fletcher também foram populares na Restauração. Os estilos antigos foram postos de lado à medida que os gostos mudavam no século XVIII; a “tragédia com um final feliz” acabou por evoluir para melodrama, cuja forma ainda floresce.

Landgartha (1640) de Henry Burnell, a primeira peça de um dramaturgo irlandês a ser representada num teatro irlandês, foi explicitamente descrita pelo seu autor como uma tragicomédia. A reacção crítica à peça foi universalmente hostil, em parte porque o final não foi nem feliz nem infeliz. Burnell, em sua introdução à edição impressa da peça, atacou seus críticos por sua ignorância, apontando que, como eles devem saber perfeitamente, muitas peças não são tragédia nem comédia, mas “algo entre”.

Desenvolvimentos posterioresEditar

Crítica que se desenvolveu após o Renascimento enfatizou os aspectos temáticos e formais da tragicomédia, ao invés de enredo. Gotthold Ephraim Lessing definiu-a como uma mistura de emoções em que “a seriedade estimula o riso, e a dor o prazer”. A afinidade da tragicomédia com a sátira e a comédia “escura” sugeriram um impulso tragicómico no teatro moderno com Luigi Pirandello que influenciou muitos dramaturgos, incluindo Samuel Beckett e Tom Stoppard. Também pode ser visto em drama absurdista. Friedrich Dürrenmatt, o dramaturgo suíço, sugeriu que a tragicomédia era o gênero inevitável para o século XX; ele descreve a sua peça A Visita (1956) como uma tragicomédia. Tragicomédia é um gênero comum no teatro britânico pós Segunda Guerra Mundial, com autores tão variados como Samuel Beckett, Tom Stoppard, John Arden, Alan Ayckbourn e Harold Pinter escrevendo neste gênero. A ficção pós-moderna de Vladimir Nabokov Pale Fire é uma tragicomédia preocupada com o drama de Elizabethan

Tragicomédia pós-moderna nos Estados UnidosEdit

Escritores americanos dos movimentos metamodernistas e pós-modernistas têm feito uso do humor tragicomédico e/ou da forca. Um exemplo notável de uma tragicomédia metamodernista é a magnum opus de David Foster Wallace de 1996, Infinite Jest. Wallace escreve sobre elementos cómicos de viver numa casa de passagem (ou seja, “algumas pessoas parecem mesmo roedores), um lugar mergulhado na tragédia e sofrimento humano.