A 20. század nemcsak művészileg, hanem politikailag és társadalmilag is radikális változást jelentett a 19. századi reneszánsz klasszikus hatásaival szemben.

Az első és a második világháború nyomasztó légkört jelentett, az európai válság és a nagy gazdasági összeomlás alapjaiban rázta meg a társadalmat. Ezt követte az ipari forradalom, amely új eszmék, elméletek, szimbólumok és technikák megjelenésével járt együtt. Ez alakított ki számos ma ismert művészeti mozgalmat – többek között az expresszionizmust és az absztrakt expresszionizmust, a kubizmust, a fauvizmust, a dadaizmust, a szürrealizmust és a pop artot. Nézzük meg a 20. századot meghatározó műalkotásokat.

Scott Tyler, Dread, 1989

1989-ben Scott Tyler még csak középiskolás diák volt a Chicagói Művészeti Intézetben. Ott mutatta be első művét, melynek címe: Mi a megfelelő módja az amerikai zászló kitűzésének? Az amerikai zászlót laposan a földön fekve állította ki. Stratégiai szempontból úgy helyezték el, hogy a patrónusoknak, akik el akarták olvasni a kifüggesztett kézikönyvet, rá kellett volna lépniük a zászlóra.

A felháborodás miatt több látogatót letartóztattak, és persze magát a művészt is. Megsértette a zászlógyalázási törvénymódosítást. Még Bush elnök is szégyenletesnek kritizálta a műalkotást, ahogyan sokan mások is. Voltak azonban mindenféle vélemények. Scott Tyler ezzel a művével egy fontos emberi jog gyengeségét akarta demonstrálni: A véleménynyilvánítás szabadságát.

Andy Warhol, Campbell’s Soup Cans, 1962

Ki ne emlékezne ezekre a híres Campbell leveses dobozokra? Andy Warhol, a 20. század talán egyik legkiemelkedőbb művésze és extravagáns figurája. Megrögzött vásárló és gyűjtögető volt. Ez a függőség lehetett a kezdete a pop artnak, az 1950-es évek közepén-végén kialakult színes és provokatív művészeti mozgalomnak.

Ki gondolta volna, hogy egy egyszerű leveses dobozból műalkotás lehet? Ilyen merész mutatványra csak Andy Warhol volt képes. Ő maga 20 éven át naponta megette ezt a levest, majd beépítette a művészettörténetbe. Ennyire egyszerű volt? Valójában a kritikusok megőrültek. Hogyan tudott egy művész egy olyan intézményesített területet, mint a művészet, egy egyszerű szupermarketlátogatásra redukálni? A pop art azonban túllépett ezeken a hétköznapi tárgyakon, és magába foglalta a tömegkultúra témáit, azokat, amelyek igazodtak a fogyasztói társadalom valóságához.

Robert Rauschenberg, Erased De Kooning, 1953

Igen, ez egy műalkotás, és Robert Rauschenberg amerikai művész készítette. 1953-ban jártunk, és a holland-amerikai művész De Kooning legendás volt. Az akkori absztrakt expresszionizmus mozgalom egyik legnagyobb festője volt, neve bizalmat és félelmet is keltett. Egy nap Robert Rauschenberg megkérte De Kooningot, hogy adja neki az egyik festményét De Kooning először nem volt túl lelkes, de aztán beleegyezett, és odaadta neki az egyik legfontosabb művét.

Néhány hónap múlva Robert Rauschenberg letörölte a képet, és sajátjának nevezte el, Erased De Kooning. Igen, üres volt. De vajon művészet volt-e? Ahogy Picasso híres mondása szerint: “Minden alkotói aktus először a pusztítás aktusa”. A kritikusok nyilvánvalóan össze voltak zavarodva. Rauschenberg szándéka az volt, hogy megtámadja az absztrakt expresszionizmust, és művészi értéket adjon az egyik műalkotás megsemmisítésének. A műalkotás ma a San Franciscó-i Modern Művészetek Múzeumában található.

Pablo Picasso, Les Demoiselles d’Avignon, 1907

Képzelje el magát 1907-ben, amint a festményen ábrázolt öt meztelen női alakot nézi. Ez ellentétben áll a kerekded és érzéki nők korával. Picasso egy barcelonai bordélyházból mutat nekünk, öt meztelen prostituáltat, két dimenzióban. Egy olyan elképzelés, amely a párizsi kiállításon nem talált kedvező fogadtatásra.

A formák geometrikusan megrajzolt formáival ez a festmény lett a kubizmus mozgalmának kiindulópontja. A kiállítás után a mű évekig feledésbe merült Picasso műtermében. Később, az 1920-as évek elején Jacques Doucet (híres francia műgyűjtő) állította ki. Jelenleg a Les Demoiselles d’Avignon a New York-i Museum of Modern Artban látható.

Richard Serra, Tilted Arc, 1981

Richard Serra neves amerikai szobrász, a 20. század egyik legvitatottabb művének alkotója: Tilted Arc. Ezt a hatalmas szobrot 1982-ben állították fel a New York-i Foley Federal Plazán. Túlzó mérete: egy 12 láb magas és 120 láb hosszú Corten acélból készült fal osztotta két részre a teret. A műalkotást a hely struktúrájába építették be, és Serra a tér “újradefiniálását” szolgáló kritikus darabként, és nem csupán dekoratív tárgyként fogta fel.

Az embereknek tetszett? Egyáltalán nem. Azok számára, akik ott dolgoztak és éltek, az acélfal elzárta az utat, és nyomasztónak és lehangolónak tartották. A The New York Times valóban a város egyik legrondább köztéri műalkotásaként jellemezte, egyesek pedig a Federal Plaza berlini falának nevezték. Így aztán rengeteg vita (köztük a történelem leghíresebb művészeti pere) után a szobrot három darabra vágták, és 1989-ben eltávolították a térről. Most biztonságban van egy marylandi raktárban.

Balthus, A gitárlecke, 1934

A vitatott francia festő, Balthasar Klossowski de Rola, más néven Balthus minden bizonnyal a 20. század egyik legnagyobb művésze. Az ártatlanság korának nosztalgikus szerelmese, azonban magányos és titokzatos.

A “Pietà”-ra emlékeztető, felkavaró festményen egy gitártanárnőt látunk, akinek fiatal tanítványa felhúzott szoknyával és fedetlen nemi szervekkel az ölében fekszik. A tanárnő úgy játszik a diákon, mint egy hangszeren. Ujjai a combja belsejében lévő láthatatlan gitárhúrokat pengetik. A festmény meglehetősen sok vitát váltott ki. Vajon Balthusnak rossz szándékai voltak? A festmény többször gazdát cserélt, de most Stavros Niarchos görög hajótulajdonos tulajdonában van.

Andres Serrano, Piss Christ, 1987

Gondoljunk csak egy Krisztus-képre. Egy feszületet. Most képzeld el ezt a képet egy, a művész vizeletével teli edénybe helyezve. Mit éreznél? Andres Serrano amerikai művész 1987-ben készítette ezt a műalkotást. A mű nagy vitát váltott ki a művészeti közösségben. Keresztényként vallási nyilatkozatnak tekintette műalkotását, amely a szent és a profán közötti kétértelmű kapcsolatot mutatja be.

A felhasznált anyagot nem véletlenszerűen választotta ki. Megvolt rá az oka, de állítása szerint soha senki nem kérdezte meg tőle, hogy miért. A vér Krisztustól származik, de ugyanígy a vizelet is, így az ötletnek még mindig van egy szent összetevője. A művészetnek mindig provokálnia és érzelmeket kell kiváltania, és az embereknek nem szabad közömbösnek maradniuk iránta. Valóban, ez egy világos példa.

Marcus Harvey, Myra, 1995

Ő a leggonoszabb nő Nagy-Britanniában. Az egész világ láthatta őt a londoni Royal Academy 1997-es kiállításán. A Sensation, ahogy a kiállítás címe volt, Charles Saatchi gyűjteménye volt, fiatal művészek által készített műalkotásokat mutatott be. Ezek egyike volt Myra nagyméretű portréja, amelyet Marcus Harvey készített. Egy nő, aki az 1960-as években barátjával együtt megerőszakolt, megkínzott és meggyilkolt öt, 10 és 17 év közötti tinédzsert. Holttestüket egy Manchester melletti lápvidéken temették el. Kétségtelen, hogy ez a műalkotás nagy felháborodást váltott ki az Egyesült Királyságban és külföldön is. A kiállításon a festményt a közönség megrongálta, és paravánnal kellett védeni.

A mű mögött álló történet borzalmas volt. A festmény elmosódott és pixeles, de közelebbről megvizsgálva ezek a pixelek egy gyermek kézlenyomatai voltak. Myra a brit történelem fájdalmas pontjának számított, így érthető volt a közönség negatív reakciója. Azonban vajon a szörnyűség is megérdemli a figyelmet?

Chris Ofili, The Holy Virgin Mary, 1996

A brit művész, Chris Ofili festményén egy fekete Szűz Mária látható, akit pillangókra emlékeztető kollázs vesz körül, de ezek női nemi szervek fotói. A festményt elefánttrágya felhasználásával festette, és A Szent Szűz Mária címet adta neki, amelyet 1999-ben állítottak ki a Brooklyn Museumban.

1999 októberében volt, és Charles Saatchi angol műgyűjtő a Young British Artists mozgalom (YBAs) számára hirdetett kiállítást New Yorkban. Más műalkotások mellett a város akkori polgármestere, Rudy Giuliani is megtekinthette ezt a művet. Természetesen megdöbbenve, betegesnek és undorítónak minősítette a festményt, és megpróbálta visszavonni a Brooklyn Museumnak nyújtott éves támogatást. A múzeum azonban ellenállt, és megnyerte az ügyet a bíróságon.

Marcel Duchamp, Fountain, 1917

Ezt a piszoárt Marcel Duchamp vásárolta, egy hamis nevet firkált rá ‘R. Mutt’ az alsó peremére, kitette egy galériába, és Fountain-nek nevezte el. A 20. század legvitatottabb műalkotásának tartják, mert ez csak egy közönséges tárgy volt, amelyet tekintélyes műalkotásként mutattak be.

A művét elküldte a Független Művészek Társaságának ellenőrző bizottságához, New Yorkba… És képzeld, mi történt? Nem utasították el, de a piszoárt kizárták a kiállításról. Kétségtelen, hogy műalkotása a rendszert és a bevett normákat kritizálta.”