Klassiskt prejudikatRedigera

Tragiska komiska masker från antik grekisk teater som representeras i mosaiken i Hadrianus villa.

Det finns ingen kortfattad formell definition av tragikomedi från den klassiska tiden. Det verkar som om den grekiske filosofen Aristoteles hade något som liknar renässansens betydelse av begreppet (det vill säga en allvarlig handling med ett lyckligt slut) i åtanke när han i Poetik diskuterar tragedi med dubbelt slut. I detta avseende kan ett antal grekiska och romerska pjäser, till exempel Alcestis, kallas tragikomedier, även om de inte har några bestämda attribut utanför handlingen. Själva ordet härstammar från den romerske komiska dramatikern Plautus, som myntade termen något skämtsamt i prologen till sin pjäs Amphitryon. Karaktären Merkurius, som känner av indecorum av att inkludera både kungar och gudar tillsammans med tjänare i en komedi, förklarar att pjäsen hellre borde vara en ”tragikomedi”:

Jag ska göra det till en blandning: låt det vara en tragikomedi. Jag tror inte att det skulle vara lämpligt att konsekvent göra den till en komedi, när det finns kungar och gudar i den. Vad tycker ni? Eftersom en slav också har en roll i pjäsen, kommer jag att göra den till en tragikomedi…-Plautus, Amphitryon

RenässansrevyerEdit

ItalienEdit

Plautus’ kommentar hade en förmodligen överdriven inverkan på renässansens estetiska teori, som till stor del hade förvandlat Aristoteles’ kommentarer om dramatik till en rigid teori. För ”regelmakare” (termen är Giordano Brunos) var ”blandade” verk som de ovan nämnda, nyare ”romanser” som Orlando Furioso och till och med Odysséen i bästa fall gåtor, i värsta fall misstag. Två personer bidrog till att lyfta upp tragikomedin till status som en regelrätt genre, med vilket menas en genre med en egen uppsättning strikta regler. Giovanni Battista Giraldi Cinthio, i mitten av 1500-talet, både hävdade att tragedin med komiskt slut (tragedia de lieto fin) var mest lämplig för den moderna tiden och producerade sina egna exempel på sådana pjäser. Ännu viktigare var Giovanni Battista Guarini. Guarinis Il Pastor Fido, som publicerades 1590, väckte en häftig kritisk debatt där Guarinis livliga försvar av den generiska innovationen till slut vann. Guarinis tragikomedi erbjöd en modulerad handling som aldrig för långt avvek vare sig mot komedi eller tragedi, manierade karaktärer och en pastoral miljö. Alla dessa tre blev grundpelare i den kontinentala tragikomedin under ett århundrade och mer.

EnglandEdit

I England, där praktiken gick före teorin, var situationen helt annorlunda. På 1500-talet betydde ”tragikomedi” den inhemska sortens romantiska pjäs som bröt mot tidens, platsens och handlingens enhetlighet, som lättvindigt blandade hög- och lågt födda karaktärer och som presenterade fantastiska handlingar. Det var dessa egenskaper som Philip Sidney beklagade i sitt klagomål mot 1580-talets ”mungrell Tragy-comedie”, och som Shakespeares Polonius är ett berömt vittnesbörd om: ”Världens bästa skådespelare, antingen för tragedi, komedi, historia, pastoral, pastoral-komisk, historisk-pastoral, tragisk-historisk, tragisk-komisk-historisk-pastoral, scen individualiserbar eller dikt obegränsad: Seneca kan inte vara för tung eller Plautus för lätt. För författarskap och frihet är dessa de enda männen.” Vissa aspekter av denna romantiska impuls finns kvar även i mer sofistikerade dramatikers verk: Shakespeares sista pjäser, som mycket väl kan kallas tragikomedier, har ofta kallats romaner.

I början av Stuartperioden hade vissa engelska dramatiker tagit till sig lärdomarna från Guarini-kontroversen. John Fletchers The Faithful Shepherdess, en bearbetning av Guarinis pjäs, sattes upp 1608. I den tryckta utgåvan erbjöd Fletcher en intressant definition av begreppet, som är värd att citera utförligt: ”En tragi-komedi kallas inte så med hänsyn till glädje och dödande, utan med hänsyn till att den vill ha dödsfall, vilket är tillräckligt för att den inte ska vara en tragedi, men den har några nya dödsfall, vilket är tillräckligt för att den inte ska vara en komedi.” Fletchers definition fokuserar i första hand på händelser: en pjäs genre bestäms av om människor dör i den eller inte, och i andra hand av hur nära handlingen kommer ett dödsfall. Men, som Eugene Waith visade, hade den tragikomedi som Fletcher utvecklade under det följande decenniet också förenande stilistiska drag: plötsliga och oväntade avslöjanden, udda intriger, avlägsna platser och ett ihållande fokus på utarbetad, artificiell retorik.

En del av Fletchers samtida, särskilt Philip Massinger och James Shirley, skrev populära tragikomedier. Richard Brome försökte sig också på formen, men med mindre framgång. Och många av deras samtida författare, från John Ford till Lodowick Carlell och Sir Aston Cockayne, gjorde försök i genren.

Tragikomedin förblev tämligen populär fram till stängningen av teatrarna 1642, och Fletchers verk var populära även under restaurationen. De gamla stilarna kastades åt sidan när smaken förändrades på 1700-talet; ”tragedin med ett lyckligt slut” utvecklades så småningom till melodrama, i vilken form den fortfarande blomstrar.

Landgartha (1640) av Henry Burnell, den första pjäsen av en irländsk dramatiker som spelades på en irländsk teater, beskrevs uttryckligen av sin författare som en tragikomedi. Kritikernas reaktion på pjäsen var allmänt fientlig, delvis verkar det som om det berodde på att slutet varken var lyckligt eller olyckligt. Burnell angrep i sin inledning till den tryckta upplagan av pjäsen sina kritiker för deras okunnighet och påpekade att många pjäser, vilket de borde veta mycket väl, varken är tragedier eller komedier utan ”något däremellan”.

Senare utvecklingRedigera

Den kritik som utvecklades efter renässansen betonade de tematiska och formella aspekterna av tragikomedin, snarare än handlingen. Gotthold Ephraim Lessing definierade den som en blandning av känslor där ”allvar stimulerar skratt och smärta njutning”. Tragikomedins affinitet med satir och ”mörk” komedi har antytt en tragikomisk impuls i den moderna teatern med Luigi Pirandello som påverkade många dramatiker inklusive Samuel Beckett och Tom Stoppard. Den kan också ses i absurdistisk dramatik. Friedrich Dürrenmatt, den schweiziske dramatikern, föreslog att tragikomedi var den oundvikliga genren för 1900-talet; han beskriver sin pjäs Besöket (1956) som en tragikomedi. Tragikomedi är en vanlig genre i den brittiska teatern efter andra världskriget, och så olika författare som Samuel Beckett, Tom Stoppard, John Arden, Alan Ayckbourn och Harold Pinter har skrivit i denna genre. Vladimir Nabokovs postmoderna fiktion Pale Fire är en tragikomedi som är upptagen av det elisabetanska dramat

Postmodern tragikomedi i USAEdit

Amerikanska författare inom de metamodernistiska och postmodernistiska rörelserna har använt sig av tragikomedi och/eller galghumor. Ett anmärkningsvärt exempel på en metamodernistisk tragikomedi är David Foster Wallaces magnum opus Infinite Jest från 1996. Wallace skriver om de komiska inslagen av att bo i ett halvvägshus (dvs. ”vissa människor ser verkligen ut som gnagare”), en plats som är genomsyrad av mänsklig tragedi och mänskligt lidande.