”Konst för konstens skull” är den vanliga engelska tolkningen av en fransk slogan, ”l’art pour l’art'”, som myntades i början av 1800-talet av den franske filosofen Victor Cousin och som blev en bohemisk slogan under 1800-talet. Även om Théophile Gautier (1811-1872) inte använde de faktiska orden, var förordet till hans roman Mademoiselle de Maupin (1835) det tidigaste manifestet för idén att konst var värdefull som konst, att konstnärliga strävanden var sitt eget rättfärdigande och att konst inte behövde moraliskt rättfärdigande och till och med var tillåten att vara moraliskt omstörtande.

Begreppet anammades av ett antal franska, brittiska och amerikanska författare och konstnärer och av förespråkare för den estetiska rörelsen som Walter Pater. Det var ett förkastande av konstens sedvanliga roll, sedan motreformationen på 1500-talet, i statens eller den officiella religionens tjänst, och av den viktorianska tidens moralism. Den öppnade vägen för konstnärlig yttrandefrihet i den impressionistiska rörelsen och den moderna konsten. Parollen fortsatte att lyftas fram i trots mot dem, däribland John Ruskin och de nyare kommunistiska förespråkarna för socialistisk realism, som ansåg att konstens värde låg i att tjäna något moraliskt eller didaktiskt syfte. Begreppet ”konst för konstens skull” fortsätter att vara viktigt i samtida diskussioner om censur och om konstens natur och betydelse.

Konst för konstens skull

Begreppet att konsten inte behöver någon rättfärdigande motivering, att den inte behöver tjäna något syfte och att skönheten i de fina konsterna är skäl nog för att ägna sig åt dem antogs av många ledande franska författare och i England av Walter Pater, Oscar Wilde, Samuel Taylor Coleridge och Arthur Symons. Uttrycket förekom i den franske målaren och konstkritikern Benjamin-Constant. Edgar Allan Poe (1809 – 1849) hävdade i sin essä ”The Poetic Principle” att:

Vi har tagit till oss att skriva en dikt enbart för diktens skull och erkänna att detta har varit vår avsikt, skulle vara att erkänna att vi radikalt saknar sann poetisk värdighet och kraft:-Men det enkla faktum är att om vi bara tillät oss själva att se in i våra egna själar skulle vi omedelbart upptäcka att det under solen varken existerar eller kan existera något verk som är mer genomgående värdigt, mer ytterst ädelt än just denna dikt, denna dikt i sig själv, denna dikt som är en dikt och inget annat, denna dikt som är skriven enbart för diktens skull.

Den amerikanske målaren James McNeill Whistler (1834-1903), som var ovillig till sentimentalitet i måleriet, kommenterade att,

Konsten bör vara oberoende av all smörja – bör stå för sig själv och vädja till ögats eller örats konstnärliga förnuft, utan att blanda ihop detta med känslor som är helt främmande för det, som hängivenhet, medlidande, kärlek, patriotism och liknande. (citerat i Smithsonian Magazine (Apr. 2006): 29)

English Aesthetic Movement

Slogan ”konst för konstens skull” förknippas i den engelska konst- och litteraturhistorien med Oxford-don Walter Pater och hans anhängare i den estetiska rörelsen, som självmedvetet var ett uppror mot den viktorianska moralismen. Den dök för första gången upp på engelska i två verk som publicerades samtidigt 1868: Pater skrev en recension av William Morris poesi i Westminster Review och Algernon Charles Swinburne skrev William Blake. En modifierad form av Paters recension dök upp i hans Studies in the History of the Renaissance (1873), en av den estetiska rörelsens mest inflytelserika texter. I sina essäer förklarade Pater att livet måste levas intensivt och följa ett skönhetsideal.

Konstnärerna och författarna inom den estetiska rörelsen hävdade att det inte fanns något samband mellan konst och moral, och tenderade att hävda att konsten borde ge raffinerad sinnlig njutning, snarare än att förmedla moraliska eller sentimentala budskap. De accepterade inte John Ruskins och Matthew Arnolds utilitaristiska uppfattning om konst som något moraliskt eller användbart. De ansåg att konsten bara behöver vara vacker och utvecklade skönhetskulten. Livet skulle kopiera konsten, och naturen ansågs grov och utan design i jämförelse med konsten. Rörelsens främsta kännetecken var suggestion snarare än uttalande, sensualitet, omfattande användning av symboler och synestetiska effekter (korrespondens mellan ord, färger och musik).

Begreppet ”konst för konstens skull” spelade en viktig roll i Oscar Wildes enda roman, The Picture of Dorian Gray.

Konst och den industriella revolutionen

Begreppet ”konst för konstens skull” var en europeisk samhällskonstruktion och var till stor del en produkt av den industriella revolutionen. I många kulturer var skapandet av konstnärliga bilder en religiös praktik. I det medeltida Europa tjänade konsten främst till att pryda kyrkor och palats tills uppkomsten av en medelklass skapade en efterfrågan på dekorativ konst, illustrationer, porträtt, landskap och målningar som dokumenterade hur föremålen såg ut. Den industriella revolutionen medförde drastiska förändringar som skapade allvarliga sociala problem, t.ex. koncentrationen av ett stort antal människor i städernas slumområden, vilket fick människor att ifrågasätta traditionella värderingar och förkasta romantiken.

Men medan 1800-talets akademiska målare kände sig skyldiga att förbättra samhället genom att presentera bilder som reflekterade konservativa moraliska värderingar, exempel på dygdigt beteende och kristna känslor, krävde modernisterna frihet att själva välja motiv och stil i sitt måleri. De var kritiska till politiska och religiösa institutioner som de ansåg inskränkte den individuella friheten. Konstnärerna sökte i allt högre grad frihet inte bara från den akademiska konstens regler utan också från allmänhetens krav, och hävdade att konst inte skulle produceras för allmänhetens skull utan för sin egen skull. Begreppet ”konst för konstens skull” var också en utmaning mot konservativa medelklassvärderingar, som fortfarande krävde att konsten skulle ha en mening eller ett syfte, t.ex. att instruera, moralisera eller glädja betraktaren. Dessa progressiva modernister intog en antagonistisk attityd gentemot samhället och kom att karaktäriseras som avantgardister, de som stod i spetsen för en ny konst- och kulturålder.

Postmodernism och konst för konstens skull

Första världskriget innebar ett misslyckande för traditionen, och visade också att vetenskapliga och tekniska framsteg inte automatiskt skulle skapa en bättre värld. En ny kulturell rörelse, dadaismen, började i Zürich i Schweiz under första världskriget och nådde sin höjdpunkt 1916-1920. Dadaisterna förklarade att även den modernistiska konsten hade misslyckats och förkastade alla rådande konstnärliga normer genom antikonstnärliga kulturella verk. Den dadaistiska rörelsen omfattade offentliga sammankomster, demonstrationer och publicering av konst- och litterära tidskrifter och påverkade senare konstnärliga stilar och rörelser som surrealism, popkonst och Fluxus.

Begreppet ”konst för konstens skull” förblir viktigt i samtida diskussioner om censur och om konstens natur och betydelse. Konsten har i allt högre grad blivit en del av det offentliga livet, i form av reklam och tryckta och filmiska medier som är tillgängliga för alla samhällsmedlemmar. Datoranimationer, grafiska programvaror och annan ny teknik gör det möjligt att producera konst som, även om den fortfarande är originell, produceras mekaniskt snarare än manuellt av konstnären. Performancekonst innebär att publiken deltar och bidrar och ligger utanför den enskilda konstnärens kontroll. Denna utveckling har utlöst debatter om definitionen av och kraven på ”konst” och om konstnärens roll i samhället.

Patronering av konsten ligger i allt större utsträckning i händerna på statliga eller civila institutioner som har en skyldighet gentemot det samhälle de tjänar, och som kontrolleras av tjänstemän och politiker som inte nödvändigtvis kan uppskatta konst själva, eller som kanske är konservativa. Detta väcker frågor om huruvida regeringen har ”rätt” att införa restriktioner för konstnärliga uttryck eller att upprätthålla specifika moraliska värderingar. Om konstnärlig frihet kräver ekonomiskt oberoende, är den då ett privilegium för de rika?

Den latinska versionen av slagordet, ”ars gratia artis”, används som slogan av Metro-Goldwyn-Mayer och förekommer i ovalen runt lejonet Leos rytande huvud i deras filmlogotyp.

Se även

• Kritisk teori
• Walter Benjamin

Noter

• Bell-Villada, Gene H. 1996. Art for art’s sake & literary life: how politics and markets helped shape the ideology & culture of aestheticism, 1790-1990. Lincoln: University of Nebraska Press. ISBN 0803212607
• Brookner, Anita. 2000. Romanticism and its discontents. New York: Farrar, Straus and Giroux. ISBN 0374251592
• Ellmann, Richard. 1969. Oscar Wilde; en samling kritiska essäer. Englewood Cliffs, NJ: Prentice-Hall. ISBN 0139594787
• Pater, Walter och Donald L. Hill. 1980. Renässansen: studier i konst och poesi: texten från 1893. Berkeley: University of California Press. ISBN 0520033256
• Prideaux, Tom. 1970. Whistlers värld, 1834-1903. New York: Time-Life Books.
• Prettejohn, Elizabeth. 1999. After the Pre-Raphaelites: Art and aestheticism in Victorian England. New Brunswick, NJ: Rutgers University Press. ISBN 0813527503
• Prettejohn, Elizabeth. 2007. Art for art’s sake: aestheticism in Victorian painting. New Haven: Yale University Press. ISBN 9780300135497
• Seiler, R. M. 1980. Walter Pater, det kritiska arvet. London: Routledge & Kegan Paul. ISBN 0710003803

Extern länk

Alla länkar hämtade 15 april 2016.

• Internet Encyclopedia of Philosophy poster:
  • Ethical Criticism of Art.
  • Konst och epistemologi.

Allmänna filosofikällor

• Stanford Encyclopedia of Philosophy.
• The Internet Encyclopedia of Philosophy.
• Paideia Project Online.
• Project Gutenberg.