Nyckhundratalet innebar en radikal förändring jämfört med 1800-talets renässansens klassiska influenser, inte bara konstnärligt utan även politiskt och socialt.

De första och andra världskrigen präglade ett deprimerande klimat, den europeiska krisen och den stora kraschen chockade samhället i dess kärna. Den industriella revolutionen följde med en uppkomst av nya idéer, teorier, symboler och tekniker. Den formade många konstnärliga rörelser som vi känner till idag – expressionism och abstrakt expressionism, kubism, fauvism, dadaism, surrealism och popkonst, med flera. Låt oss ta en titt på de konstverk som definierade 1900-talet.

Scott Tyler, Dread, 1989

År 1989 var Scott Tyler bara en gymnasieelev på Art Institute of Chicago. Där presenterade han sitt första konstverk med titeln What is the appropriate way to display the American flag? Den amerikanska flaggan visades liggande platt på golvet. Den var placerad på ett strategiskt sätt så att beskyddare som ville läsa den hängande manualen skulle behöva trampa på flaggan.

Flera besökare arresterades för upprördhet och naturligtvis konstnären själv. Han bröt mot tillägget om flaggskändning. Till och med president Bush kritiserade konstverket som skamligt, liksom många andra. Det fanns dock åsikter av alla slag. Med detta verk ville Scott Tyler visa på svagheten hos en viktig mänsklig rättighet: Yttrandefriheten.

Andy Warhol, Campbell’s Soup Cans, 1962

Vem minns inte dessa berömda burkar av Campbells soppa? Andy Warhol, kanske en av 1900-talets mest framstående konstnärer och extravaganta figurer. Han var en tvångsmässig shoppare och en hamstrare. Beroendet kan ha varit början på Pop Art, en färgstark och provocerande konströrelse som uppstod i mitten och slutet av 1950-talet.

Vem trodde att en enkel soppburk kunde vara ett konstverk? Endast Andy Warhol kunde lyckas med en sådan djärv bedrift. Han åt själv denna soppa dagligen i 20 år och införlivade den sedan i konsthistorien. Var det så enkelt som det var? Faktum är att kritikerna höll på att bli galna. Hur kunde en konstnär reducera ett institutionaliserat område som konst till ett enkelt besök i snabbköpet? Pop Art gick dock bortom dessa vanliga föremål och inkluderade masskulturens teman, de som stämde överens med konsumtionssamhällets verklighet.

Robert Rauschenberg, Erased De Kooning, 1953

Ja, det här är ett konstverk, och det gjordes av den amerikanske konstnären Robert Rauschenberg. Det var år 1953 och den nederländsk-amerikanska konstnären De Kooning var en legend. Han var en av de största målarna inom den tidens abstrakta expressionistiska rörelse, hans namn väckte både förtroende och rädsla. En dag frågade Robert Rauschenberg De Kooning om han ville ha en av sina målningar De Kooning kände sig först inte särskilt entusiastisk, men sedan gick han med på det och gav honom ett av sina viktigaste konstverk.

Efter några månader raderade Robert Rauschenberg ut målningen och kallade den för sin egen, Erased De Kooning. Ja, den var tom. Men var det konst? Som Picasso berömt konstaterade: ”Varje skapande handling är först en förstörelsehandling”. Kritikerna var uppenbarligen förvirrade. Rauschenbergs avsikt var att angripa den abstrakta expressionismen och ge konstnärligt värde åt förstörelsen av ett av dess konstverk. Konstverket finns nu på Museum of Modern Art i San Francisco.

Pablo Picasso, Les Demoiselles d’Avignon, 1907

Föreställ dig själv att du år 1907 tittade på de fem nakna kvinnofigurerna i denna målning. Den står i kontrast till epoken med rundade och sensuella kvinnor. Picasso visar oss, fem nakna prostituerade, i två dimensioner från en bordell i Barcelona. En idé som inte togs emot väl under utställningen i Paris.

Med sin geometrisering av formen blev denna målning ursprunget till kubismens rörelse. Efter utställningen glömdes verket bort i Picassos ateljé i flera år. Den ställdes senare ut i början av 1920-talet av Jacques Doucet (en berömd fransk konstsamlare). För närvarande kan du se Les Demoiselles d’Avignon på Museum of Modern Art i New York.

Richard Serra, Tilted Arc, 1981

Richard Serra är en känd amerikansk skulptör och skapare av ett av 1900-talets mest kontroversiella verk: Tilted Arc. Denna massiva skulptur installerades 1982 på Foley Federal Plaza i New York. Dess överdrivna storlek: en vägg av cortenstål, 12 fot hög och 120 fot lång, delade torget i två delar. Konstverket byggdes in i platsens struktur och Serra uppfattade det som ett kritiskt verk för att ”omdefiniera” torget, och inte bara som ett dekorativt objekt.

Gillade folk den? Inte ens ett dugg. För dem som arbetade och bodde där blockerade stålväggen vägen och de ansåg att den var överväldigande och deprimerande. New York Times beskrev den faktiskt som ett av de fulaste offentliga konstverken i staden och vissa kallade den för Berlinmuren på Federal Plaza. Så efter många kontroverser (inklusive en av historiens mest kända konstprocesser) delades skulpturen i tre delar och togs bort från torget 1989. Nu förvaras den säkert i ett förvaringsutrymme i Maryland.

Balthus, The Guitar Lesson, 1934

Den kontroversiella franska målaren Balthasar Klossowski de Rola, känd som Balthus, är säkerligen en av 1900-talets största konstnärer. En nostalgisk älskare av oskuldsåldern, dock ensam och mystisk.

I denna störande målning, som liknar en ”pietà”, ser vi en gitarrlärare med sin unga elev utspänd i knät med kjolen uppdragen och könsorganen blottade. Läraren spelar på eleven som ett musikinstrument. Hennes fingrar spelar på de osynliga gitarrsträngarna innanför hennes lår. Målningen gav upphov till en hel del diskussioner. Hade Balthus dåliga avsikter? Målningen har bytt ägare många gånger men tillhör nu den grekiske redaren Stavros Niarchos.

Andres Serrano, Piss Christ, 1987

Tänk på ett fotografi av Kristus. Ett krucifix. Föreställ dig nu denna bild insatt i en behållare full av konstnärens urin. Hur skulle du känna dig? Den amerikanske konstnären Andres Serrano skapade detta konstverk 1987. Verket skapade en sådan kontrovers i konstvärlden. Som kristen betraktade han sitt konstverk som ett religiöst uttalande som visar det tvetydiga förhållandet mellan det heliga och det profana.

Den substans han använde valdes inte slumpmässigt. Han hade sina skäl, men han hävdade att ingen någonsin frågade honom varför. Blodet kom från Kristus, men även urinen på samma sätt, så det finns fortfarande en helig komponent i idén. Konsten bör alltid provocera och väcka känslor, och människor bör inte förbli likgiltiga inför den. Detta är verkligen ett tydligt exempel.

Marcus Harvey, Myra, 1995

Hon är den ondaste kvinnan i Storbritannien. Hela världen kunde se henne i utställningen på Royal Academy i London 1997. Sensation, som utställningen hette, var Charles Saatchis samling, den presenterade konstverk gjorda av unga konstnärer. Ett av dem var ett stort porträtt av Myra av Marcus Harvey. En kvinna som på 1960-talet tillsammans med sin pojkvän våldtog, torterade och mördade fem tonåringar i åldrarna 10-17 år. Deras kroppar begravdes i ett hedlandskap nära Manchester. Utan tvekan väckte detta konstverk stor upprördhet i Storbritannien och utomlands. Vid utställningen drabbades målningen av skador från allmänheten och den fick skyddas med en skärm.

Historien bakom detta verk var skrämmande. Målningen är suddig och pixlad, men vid närmare granskning var dessa pixlar ett barns handavtryck. Myra ansågs vara en smärtpunkt i den brittiska historien, så allmänhetens negativa reaktion var förståelig. Men är det hemska också värt att uppmärksammas?

Chris Ofili, The Holy Virgin Mary, 1996

Denna målning av den brittiske konstnären Chris Ofili föreställer en svart Jungfru Maria som är omgiven av ett collage som påminner om fjärilar, men de är fotografier av kvinnliga könsorgan. Han målade den med hjälp av elefantdynga och gav den titeln The Holy Virgin Mary som ställdes ut på Brooklyn Museum 1999.

Det var oktober 1999 och den engelske samlaren Charles Saatchi främjade en utställning i New York för rörelsen Young British Artists (YBAs). Bland andra konstverk hade stadens dåvarande borgmästare Rudy Giuliani möjlighet att inspektera detta verk. Naturligtvis chockad beskrev han målningen som sjuk och äcklig och försökte dra in det årliga bidraget till Brooklyn Museum. Museet gjorde dock motstånd och vann målet i domstol.

Marcel Duchamp, Fountain, 1917

Det här är den pissoar som Marcel Duchamp köpte, klottrade in ett falskt namn ’R. Mutt” på den nedre kanten, placerade den i ett galleri och gav den namnet Fountain. Det anses vara 1900-talets mest kontroversiella konstverk eftersom det bara var ett vanligt föremål som presenterades som ett prestigefyllt konstverk.

Han skickade sitt konstverk till granskningskommittén för Society of Independent Artists i New York… Och gissa vad? Han blev inte avvisad, men urinalen blev utestängd från utställningen. Utan tvekan kritiserade hans konstverk systemet och de etablerade normerna.