Det 20. århundrede var en radikal ændring i forhold til de klassiske påvirkninger fra renæssancen i det 19. århundrede, ikke kun kunstnerisk, men også politisk og socialt.

Første og anden verdenskrig prægede et deprimerende klima, den europæiske krise og det store krak rystede samfundet i sin kerne. Den industrielle revolution fulgte med en opblomstring af nye ideer, teorier, symboler og teknikker. Den formede mange kunstneriske bevægelser, som vi kender i dag – bl.a. ekspressionismen og den abstrakte ekspressionisme, kubismen, fauvismen, dadaismen, surrealismen og pop-art. Lad os tage et kig på de kunstværker, der definerede det 20. århundrede.

Scott Tyler, Dread, 1989

I 1989 var Scott Tyler blot en gymnasieelev på Art Institute of Chicago. Der præsenterede han sit første kunstværk med titlen “What is the appropriate way to display the American flag? Det amerikanske flag blev vist liggende fladt på gulvet. Det var placeret på en strategisk måde, så de gæster, der ønskede at læse den hængende manual, skulle træde på flaget.

Flere besøgende blev arresteret for forargelse og naturligvis også kunstneren selv. Han overtrådte nemlig ændringen om flagskænderi. Selv præsident Bush kritiserede kunstværket som skammeligt, og det samme gjorde mange andre. Der var dog meninger af alle slags. Med dette værk ønskede Scott Tyler at demonstrere svagheden ved en vigtig menneskerettighed: ytringsfriheden.

Andy Warhol, Campbell’s Soup Cans, 1962

Hvem husker ikke disse berømte dåser med Campbell’s suppe? Andy Warhol, måske en af de mest fremtrædende kunstnere og ekstravagante figurer i det 20. århundrede. Han var en tvangsshopper og en hoarder. Denne afhængighed kunne have været begyndelsen til Pop Art, en farverig og provokerende kunstbevægelse, der opstod i midten og slutningen af 1950’erne.

Hvem troede, at en simpel dåse suppe kunne være et kunstværk? Kun Andy Warhol kunne udføre en så dristig bedrift. Han spiste selv denne suppe dagligt i 20 år og indarbejdede den derefter i kunsthistorien. Var det så enkelt som det? Faktisk var kritikerne ved at blive vanvittige. Hvordan kunne en kunstner reducere et institutionaliseret område som kunst til et simpelt besøg i supermarkedet? Pop Art gik imidlertid ud over disse almindelige genstande og inddrog temaer fra massekulturen, temaer, som var i overensstemmelse med forbrugersamfundets virkelighed.

Robert Rauschenberg, Erased De Kooning, 1953

Ja, dette er et kunstværk, og det er lavet af den amerikanske kunstner Robert Rauschenberg. Det var i 1953, og den nederlandsk-amerikanske kunstner De Kooning var en legende. Han var en af de største malere i datidens abstrakte ekspressionistiske bevægelse, og hans navn vakte både tillid og frygt. En dag bad Robert Rauschenberg De Kooning om at få et af sine malerier De Kooning var ikke særlig begejstret i starten, men så gik han med til det og gav ham et af sine vigtigste kunstværker.

Efter et par måneder slettede Robert Rauschenberg maleriet og kaldte det sit eget, Erased De Kooning. Ja, det var tomt. Men, var det kunst? Som Picasso berømt sagde: “Enhver skabelseshandling er først en ødelæggelseshandling”. Kritikerne var naturligvis forvirrede. Rauschenbergs hensigt var at angribe den abstrakte ekspressionisme og give kunstnerisk værdi til ødelæggelsen af et af dens kunstværker. Kunstværket befinder sig nu på Museum of Modern Art i San Francisco.

Pablo Picasso, Les Demoiselles d’Avignon, 1907

Forestil dig selv i 1907, når du ser på de fem nøgne kvindefigurer, der er portrætteret i dette maleri. Det står i kontrast til en tid med runde og sensuelle kvinder. Picasso viser os, fem nøgne prostituerede, i to dimensioner fra et bordel i Barcelona. En idé, der ikke blev godt modtaget under udstillingen i Paris.

Med sin geometrisering af formen blev dette maleri oprindelsen til kubisme-bevægelsen. Efter udstillingen blev værket glemt i Picassos atelier i årevis. Det blev senere udstillet i begyndelsen af 1920’erne af Jacques Doucet (en berømt fransk kunstsamler). I øjeblikket kan du se Les Demoiselles d’Avignon på Museum of Modern Art i New York.

Richard Serra, Tilted Arc, 1981

Richard Serra er en berømt amerikansk billedhugger og skaberen af et af de mest kontroversielle værker i det 20. århundrede: Tilted Arc. Denne massive skulptur blev installeret i 1982 på Foley Federal Plaza i New York. Dens overdrevne størrelse: en væg af cortenstål, 12 fod høj og 120 fod lang, delte pladsen i to dele. Kunstværket blev bygget inden for pladsens struktur, og det blev af Serra opfattet som et kritisk værk, der skulle “redefinere” pladsen og ikke blot som et dekorativt objekt.

Kunne folk lide det? Ikke engang en smule. For dem, der arbejdede og boede der, spærrede stålmuren vejen, og de fandt den overvældende og deprimerende. The New York Times beskrev den faktisk som et af de grimmeste offentlige kunstværker i byen, og nogle mennesker kaldte den for Berlinmuren på Federal Plaza. Så efter en masse kontroverser (herunder en af de mest berømte kunstprocesser i historien) blev skulpturen skåret i tre stykker og fjernet fra pladsen i 1989. Nu er den sikkert opbevaret i et lagerrum i Maryland.

Balthus, The Guitar Lesson, 1934

Den kontroversielle franske maler Balthasar Klossowski de Rola, kendt som Balthus, er helt sikkert en af de største kunstnere i det 20. århundrede. En nostalgisk elsker af uskyldens tidsalder, men ensom og mystisk.

I dette foruroligende maleri, der ligner en “pietà”, ser vi en guitarlærer med sin unge elev spredt ud over skødet med kjolen løftet og kønsdelene blottet. Læreren spiller på eleven som på et musikinstrument. Hendes fingre spiller på de usynlige guitarstrenge inde på hendes lår. Maleriet gav anledning til en hel del diskussioner. Havde Balthus dårlige intentioner? Maleriet har skiftet ejer mange gange, men tilhører nu den græske skibsreder Stavros Niarchos.

Andres Serrano, Piss Christ, 1987

Tænk på et fotografi af Kristus. Et krucifiks. Forestil dig nu dette billede indsat i en beholder fyldt med kunstnerens urin. Hvordan ville du føle dig? Den amerikanske kunstner Andres Serrano skabte dette kunstværk i 1987. Værket skabte stor polemik i kunstmiljøet. Som kristen betragtede han sit kunstværk som et religiøst udsagn, der viser det tvetydige forhold mellem det hellige og det profane.

Den substans, han brugte, blev ikke valgt tilfældigt. Han havde sine grunde, men han hævdede, at ingen nogensinde spurgte ham om hvorfor. Blodet kom fra Kristus, men også urinen på samme måde, så der er stadig en hellig komponent i ideen. Kunst bør altid provokere og vække følelser, og folk bør ikke være ligeglade med den. Dette er faktisk et tydeligt eksempel.

Marcus Harvey, Myra, 1995

Hun er den mest onde kvinde i Storbritannien. Hele verden kunne se hende på udstillingen på Royal Academy i London i 1997. Sensation, som udstillingen havde fået titlen, var Charles Saatchis samling, den præsenterede kunstværker lavet af unge kunstnere. Et af dem var et stort portræt af Myra, af Marcus Harvey. En kvinde, der i 1960’erne sammen med sin kæreste voldtog, torturerede og myrdede fem teenagere på mellem 10 og 17 år. Deres lig blev begravet i et hedeområde nær Manchester. Dette kunstværk har uden tvivl vakt stor forargelse i Det Forenede Kongerige og i udlandet. På udstillingen blev maleriet beskadiget af publikum, og det måtte beskyttes med en skærm.

Historien bag dette værk var gruopvækkende. Maleriet er sløret og pixeleret, men ved nærmere eftersyn var disse pixels håndaftryk fra et barn. Myra blev anset for at være et smertepunkt i den britiske historie, så den negative reaktion fra offentligheden var forståelig. Men er det forfærdelige også værd at være opmærksom på?

Chris Ofili, The Holy Virgin Mary, 1996

Dette maleri af den britiske kunstner Chris Ofili viser en sort Jomfru Maria omgivet af en collage, der ligner sommerfugle, men det er fotografier af kvindelige kønsorganer. Han malede det ved hjælp af elefantgødning og gav det titlen The Holy Virgin Mary, som blev udstillet på Brooklyn Museum i 1999.

Det var i oktober 1999, og den engelske samler Charles Saatchi promoverede en udstilling i New York for Young British Artists-bevægelsen (YBA’erne). Blandt andre kunstværker fik byens daværende borgmester, Rudy Giuliani, lejlighed til at besigtige dette værk. Han var naturligvis chokeret og beskrev maleriet som sygt og ulækkert og forsøgte at trække det årlige tilskud til Brooklyn Museum tilbage. Museet gjorde dog modstand og vandt sagen i retten.

Marcel Duchamp, Fountain, 1917

Dette er det urinal, som Marcel Duchamp købte, klistrede et falsk navn ‘R. Mutt’ på den nederste kant, satte det i et galleri og kaldte det Fountain. Det anses for at være det 20. århundredes mest kontroversielle kunstværk, fordi det blot var en almindelig genstand, der blev præsenteret som et prestigefyldt kunstværk.

Han sendte sit kunstværk til kontrolkomitéen for Society of Independent Artists i New York … Og gæt hvad? Han blev ikke afvist, men urinalet blev udelukket fra udstillingen. Uden tvivl kritiserede hans kunstværk systemet og de etablerede standarder.