20. století představovalo radikální změnu oproti klasickým vlivům renesance 19. století, a to nejen z uměleckého, ale i politického a společenského hlediska.

První a druhá světová válka znamenaly depresivní atmosféru, evropská krize a velký krach otřásly společností v základech. Následovala průmyslová revoluce a s ní vznik nových myšlenek, teorií, symbolů a technik. Formovala mnoho uměleckých směrů, které známe dnes – mimo jiné expresionismus a abstraktní expresionismus, kubismus, fauvismus, dadaismus, surrealismus a pop-art. Podívejme se na umělecká díla, která definovala 20. století.

Scott Tyler, Dread, 1989

V roce 1989 byl Scott Tyler pouhým studentem střední školy na Institutu umění v Chicagu. Tam představil své první umělecké dílo s názvem Jaký je vhodný způsob vyvěšování americké vlajky? Americká vlajka byla vystavena naležato na podlaze. Byla umístěna strategicky tak, že návštěvníci, kteří si chtěli přečíst vyvěšený manuál, museli na vlajku šlápnout.

Několik návštěvníků bylo pro pohoršení zatčeno a samozřejmě i sám umělec. Porušoval totiž dodatek o znesvěcení vlajky. Dokonce i prezident Bush dílo kritizoval jako hanebné, stejně jako mnoho dalších. Objevovaly se však názory všeho druhu. Scott Tyler chtěl tímto dílem demonstrovat slabost jednoho důležitého lidského práva: svobody projevu.

Andy Warhol, Campbellovy polévkové konzervy, 1962

Kdo by si nepamatoval tyto slavné plechovky Campbellovy polévky? Andy Warhol, možná jeden z nejvýraznějších umělců a extravagantních osobností 20. století. Byl to kompulzivní nakupovač a sběratel. Tato závislost mohla být počátkem pop-artu, barevného a provokativního uměleckého směru, který se objevil v polovině až na konci 50. let 20. století.

Koho by napadlo, že obyčejná plechovka od polévky může být uměleckým dílem? Tak odvážný kousek dokázal jen Andy Warhol. On sám tuto polévku jedl denně po dobu 20 let a poté ji začlenil do dějin umění. Bylo to tak jednoduché? Ve skutečnosti kritici šíleli. Jak mohl umělec zredukovat institucionalizovaný obor, jako je umění, na prostou návštěvu supermarketu? Pop-art však tyto obyčejné předměty přesáhl a zahrnul do nich témata masové kultury, ta, která se shodovala s realitou konzumní společnosti.

Robert Rauschenberg, Erased De Kooning, 1953

Ano, toto je umělecké dílo a jeho autorem je americký umělec Robert Rauschenberg. Psal se rok 1953 a holandský americký umělec De Kooning byl legendou. Byl jedním z největších malířů tehdejšího hnutí abstraktního expresionismu, jeho jméno vzbuzovalo důvěru i strach. Jednoho dne Robert Rauschenberg požádal De Kooninga o jeden ze svých obrazů De Kooning se zpočátku necítil příliš nadšený, ale pak souhlasil a věnoval mu jedno ze svých nejvýznamnějších děl.

Po několika měsících Robert Rauschenberg obraz vymazal a nazval ho svým vlastním, Vymazaný De Kooning. Ano, byl prázdný. Ale bylo to umění? Jak slavně prohlásil Picasso: „Každý akt tvorby je nejprve aktem destrukce“. Kritici byli samozřejmě zmateni. Rauschenbergův záměr byl napadnout abstraktní expresionismus a dát uměleckou hodnotu destrukci jednoho z jeho děl. Dílo je nyní umístěno v Muzeu moderního umění v San Francisku.

Pablo Picasso, Les Demoiselles d’Avignon, 1907

Představte si sami sebe v roce 1907 při pohledu na pět nahých ženských postav zobrazených na tomto obraze. Je to kontrast k době zaoblených a smyslných žen. Picasso nám ve dvou rozměrech ukazuje pět nahých prostitutek z nevěstince v Barceloně. Myšlenka, která se během jeho výstavy v Paříži nesetkala s příznivým přijetím.

Svojí geometrizací tvaru se tento obraz stal počátkem hnutí kubismu. Po výstavě bylo dílo na dlouhá léta zapomenuto v Picassově ateliéru. Později jej na počátku 20. let 20. století vystavil Jacques Doucet (slavný francouzský sběratel umění). V současné době můžete Les Demoiselles d’Avignon vidět v Muzeu moderního umění v New Yorku.

Richard Serra, Nakloněný oblouk, 1981

Richard Serra je známý americký sochař a tvůrce jednoho z nejkontroverznějších děl 20. století: Skloněný oblouk. Tato mohutná socha byla instalována v roce 1982 na Foley Federal Plaza v New Yorku. Její přehnané rozměry: stěna z Cortenovy oceli o výšce 12 stop a délce 120 stop rozdělila náměstí na dvě části. Umělecké dílo bylo zabudováno do struktury místa a Serra ho koncipoval jako kritické dílo, které má „redefinovat“ náměstí, a ne jen jako dekorativní objekt.

Líbilo se lidem? Ani trochu. Těm, kteří tam pracovali a žili, ocelová zeď blokovala cestu a považovali ji za ohromující a deprimující. Deník The New York Times ji skutečně označil za jedno z nejošklivějších veřejných uměleckých děl ve městě a někteří lidé ji nazývali Berlínskou zdí na Federálním náměstí. Po mnoha kontroverzích (včetně nejslavnějších uměleckých procesů v historii) byla tedy socha rozřezána na tři části a v roce 1989 z náměstí odstraněna. Nyní je bezpečně uložena ve skladu v Marylandu.

Balthus, Lekce hry na kytaru, 1934

Kontroverzní francouzský malíř Balthasar Klossowski de Rola, známý jako Balthus, patří bezesporu k největším umělcům 20. století. Nostalgický milovník věku nevinnosti, avšak osamělý a tajemný.

Na tomto znepokojivém obraze, připomínajícím „pietu“, vidíme učitelku hry na kytaru s mladým žákem rozkročeným na jejím klíně, s vyhrnutou sukní a odhalenými genitáliemi. Učitelka hraje na studenta jako na hudební nástroj. Její prsty brnkají na neviditelné kytarové struny uvnitř jejích stehen. Obraz vyvolal poměrně hodně diskusí. Měl Balthus špatné úmysly? Obraz mnohokrát změnil majitele, ale nyní patří řeckému rejdaři Stavrosu Niarchosovi.

Andres Serrano, Piss Christ, 1987

Přemýšlejte o fotografii Krista. Kříže. Nyní si představte tento obraz vložený do nádoby plné umělcovy moči. Jak byste se cítili? Americký umělec Andres Serrano vytvořil toto dílo v roce 1987. Dílo vyvolalo v umělecké komunitě takovou kontroverzi. Jako křesťan považoval své dílo za náboženskou výpověď, která ukazuje nejednoznačný vztah mezi posvátným a profánním.

Látka, kterou použil, nebyla vybrána náhodně. Měl k tomu své důvody, ale tvrdil, že se ho nikdo nikdy neptal proč. Krev pocházela od Krista, ale stejně tak i moč, takže v myšlence je stále přítomna posvátná složka. Umění by mělo vždy provokovat a vzbuzovat emoce a lidé by k němu neměli zůstávat lhostejní. Tohle je skutečně jasný příklad.

Marcus Harvey, Myra, 1995

Je to nejhorší žena v Británii. Celý svět ji mohl vidět na výstavě v Královské akademii v Londýně v roce 1997. Sensation, jak se výstava jmenovala, byla sbírkou Charlese Saatchiho, představovala umělecká díla vytvořená mladými umělci. Jedním z nich byl velký portrét Myry od Marcuse Harveyho. Ženy, která v 60. letech spolu se svým přítelem znásilnila, mučila a zavraždila pět teenagerů ve věku od 10 do 17 let. Jejich mrtvoly byly pohřbeny v rašeliništi nedaleko Manchesteru. Toto dílo bezpochyby vyvolalo ve Spojeném království i v zahraničí velké pobouření. Na výstavě obraz utrpěl škody od veřejnosti a musel být chráněn zástěnou.

Příběh tohoto díla byl děsivý. Obraz je rozmazaný a rozpixelovaný, ale při bližším zkoumání se ukázalo, že tyto pixely byly otisky rukou dítěte. Myra byla považována za bolavé místo britských dějin, takže negativní reakce veřejnosti byla pochopitelná. Zaslouží si však pozornost i ta hrůzná?

Chris Ofili, Svatá Panna Maria, 1996

Tento obraz britského umělce Chrise Ofiliho představuje černou Pannu Marii obklopenou koláží, která připomíná motýly, ale jsou to fotografie ženských genitálií. Namaloval ho pomocí sloního trusu a nazval ho Svatá Panna Marie, který byl vystaven v Brooklynském muzeu v roce 1999.

Psal se říjen roku 1999 a anglický sběratel Charles Saatchi propagoval v New Yorku výstavu hnutí Young British Artists (YBA). Kromě jiných uměleckých děl měl tehdejší starosta města Rudy Giuliani možnost prohlédnout si i toto dílo. Přirozeně šokován označil obraz za zvrácený a nechutný a pokusil se Brooklynskému muzeu odebrat roční grant. Muzeum se však vzepřelo a spor u soudu vyhrálo.

Marcel Duchamp, Fontána, 1917

Tento pisoár, který si Marcel Duchamp koupil, načmáral falešným jménem „R. Duchamp“. Mutt‘ na spodní okraj, umístil ho do galerie a pojmenoval ho Fontána. Je považován za nejkontroverznější umělecké dílo 20. století, protože šlo o obyčejný předmět vydávaný za prestižní umělecké dílo.

Poslal své dílo k prověření komisi Společnosti nezávislých umělců v New Yorku… A hádejte co? Nebyl odmítnut, ale pisoár byl z výstavy vyloučen. Jeho dílo bezpochyby kritizovalo systém a zavedené normy.

.