Secolul XX a prezentat o schimbare radicală față de influențele clasice ale Renașterii din secolul al XIX-lea, nu doar din punct de vedere artistic, ci și politic și social.

Primul și al Doilea Război Mondial au marcat un climat deprimant, criza europeană și Marele Crash au șocat societatea în esența ei. Revoluția industrială a urmat cu o creștere a noilor idei, teorii, simboluri și tehnici. Aceasta a modelat multe mișcări artistice pe care le cunoaștem astăzi – expresionismul și expresionismul abstract, cubismul, fauvismul, dadaismul, suprarealismul și arta pop, printre altele. Să aruncăm o privire asupra operelor de artă care au definit secolul al XX-lea.

Scott Tyler, Dread, 1989

În 1989, Scott Tyler era doar un elev de liceu la Institutul de Artă din Chicago. Acolo, el și-a prezentat prima sa lucrare intitulată Care este modul adecvat de a expune steagul american? Steagul american era expus întins pe podea. A fost așezat într-un mod strategic, astfel încât patronii care doreau să citească manualul de agățat să fie nevoiți să calce pe steag.

Câțiva vizitatori au fost arestați pentru ultraj și, bineînțeles, artistul însuși. El încălca Amendamentul privind profanarea drapelului. Chiar și președintele Bush a criticat opera de artă ca fiind rușinoasă, la fel ca mulți alții. Cu toate acestea, au existat opinii de toate felurile. Prin această lucrare, Scott Tyler a vrut să demonstreze slăbiciunea unui drept important al omului: Libertatea de exprimare.

Andy Warhol, Campbell’s Soup Cans, 1962

Cine nu-și amintește aceste celebre cutii de supă Campbell’s? Andy Warhol, poate unul dintre cei mai proeminenți artiști și figuri extravagante ale secolului XX. A fost un cumpărător compulsiv și un acumulator. Dependența ar fi putut fi începutul Pop Art, o mișcare artistică colorată și provocatoare care a apărut la mijlocul și sfârșitul anilor 1950.

Cine a crezut că o simplă conservă de supă poate fi o operă de artă? Doar Andy Warhol ar fi putut reuși o asemenea ispravă îndrăzneață. El însuși a mâncat această supă zilnic timp de 20 de ani și apoi a încorporat-o în istoria artei. A fost chiar atât de simplu? De fapt, criticii au înnebunit. Cum putea un artist să reducă un domeniu instituționalizat precum arta la o simplă vizită la supermarket? Cu toate acestea, Pop Art a mers dincolo de aceste obiecte obișnuite și a inclus temele culturii de masă, cele care se aliniau cu realitatea societății de consum.

Robert Rauschenberg, Erased De Kooning, 1953

Da, aceasta este o operă de artă, și a fost realizată de artistul american Robert Rauschenberg. Era anul 1953, iar artistul american de origine olandeză De Kooning era o legendă. Era unul dintre cei mai mari pictori ai mișcării Expresionismului Abstract din acea vreme, numele său generând atât încredere, cât și teamă. Într-o zi, Robert Rauschenberg i-a cerut lui De Kooning unul dintre tablourile sale De Kooning nu s-a simțit foarte entuziasmat la început, dar apoi a fost de acord și i-a dăruit una dintre cele mai importante lucrări ale sale.

După câteva luni, Robert Rauschenberg a șters tabloul și l-a numit al său, Erased De Kooning. Da, era alb. Dar, era artă? După cum a afirmat celebru Picasso, „Orice act de creație este mai întâi un act de distrugere”. Criticii au fost confuzi, evident. Intenția lui Rauschenberg era de a ataca expresionismul abstract și de a da valoare artistică distrugerii uneia dintre operele sale de artă. Opera de artă se află acum în Muzeul de Artă Modernă din San Francisco.

Pablo Picasso, Les Demoiselles d’Avignon, 1907

Imaginați-vă în 1907 privind cele cinci figuri feminine goale portretizate în acest tablou. Este în contrast cu epoca femeilor rotunjite și senzuale. Picasso ne arată, în două dimensiuni, cinci prostituate goale, dintr-un bordel din Barcelona. O idee care nu a fost bine primită în timpul expoziției sale de la Paris.

Cu geometrizarea formei sale, acest tablou a devenit originea mișcării cubiste. După expoziție, lucrarea a fost uitată în atelierul lui Picasso timp de ani de zile. Ulterior, a fost expusă la începutul anilor 1920 de către Jacques Doucet (un celebru colecționar de artă francez). În prezent, puteți vedea Les Demoiselles d’Avignon la Muzeul de Artă Modernă din New York.

Richard Serra, Tilted Arc, 1981

Richard Serra este un renumit sculptor american și creatorul uneia dintre cele mai controversate opere ale secolului XX: Tilted Arc. Această sculptură masivă a fost instalată în 1982 la Foley Federal Plaza din New York. Dimensiunea sa exagerată: un perete din oțel Corten, înalt de 12 picioare și lung de 120 de picioare, a împărțit piața în două părți. Opera de artă a fost construită în structura locului și a fost concepută de Serra ca o piesă critică pentru a „redefini” piața, și nu doar ca un obiect decorativ.

A plăcut oamenilor? Nici măcar un pic. Pentru cei care lucrau și locuiau acolo, zidul de oțel le bloca calea și îl considerau copleșitor și deprimant. Într-adevăr, The New York Times l-a descris ca fiind una dintre cele mai urâte opere de artă publică din oraș, iar unii oameni l-au numit Zidul Berlinului din Federal Plaza. Astfel, după o mulțime de controverse (inclusiv unul dintre cele mai faimoase procese de artă din istorie), sculptura a fost tăiată în trei bucăți și a fost îndepărtată din piață în 1989. Acum, este păstrată în siguranță într-un spațiu de depozitare din Maryland.

Balthus, The Guitar Lesson, 1934

Controversatul pictor francez Balthasar Klossowski de Rola, cunoscut sub numele de Balthus, este cu siguranță unul dintre cei mai mari artiști ai secolului XX. Un iubitor nostalgic al Vârstei Inocenței, însă, singuratic și misterios.

În acest tablou tulburător, asemănător cu o „pietà”, vedem o profesoară de chitară cu tânărul ei elev întins pe genunchi, cu fusta ridicată și organele genitale expuse. Profesoara cântă la elev ca la un instrument muzical. Degetele ei zgâlțâie corzile invizibile ale chitarei în interiorul coapselor ei. Pictura a generat numeroase discuții. A avut Balthus intenții rele? Acest tablou a schimbat mâinile de mai multe ori, dar acum aparține armatorului grec Stavros Niarchos.

Andres Serrano, Piss Christ, 1987

Gândiți-vă la o fotografie a lui Hristos. Un crucifix. Acum imaginați-vă această imagine inserată într-un recipient plin cu urina artistului. Cum v-ați simți? Artistul american Andres Serrano a creat această operă de artă în 1987. Lucrarea a creat o mare controversă în comunitatea artistică. În calitate de creștin, el a considerat opera sa de artă o declarație religioasă, care arată relația ambiguă dintre sacru și profan.

Substanța pe care a folosit-o nu a fost aleasă la întâmplare. A avut motivele sale, dar a afirmat că nimeni nu l-a întrebat vreodată de ce. Sângele provenea de la Hristos, dar și urina în același mod, deci există încă o componentă sfântă în această idee. Arta ar trebui întotdeauna să provoace și să trezească emoții, iar oamenii nu ar trebui să rămână indiferenți la ea. Într-adevăr, acesta este un exemplu clar.

Marcus Harvey, Myra, 1995

Este cea mai rea femeie din Marea Britanie. Întreaga lume a putut să o vadă în expoziția de la Academia Regală din Londra în 1997. Sensation, așa cum a fost intitulată expoziția, a fost colecția lui Charles Saatchi, a prezentat lucrări de artă realizate de tineri artiști. Una dintre ele a fost un portret de mari dimensiuni al Myrei, realizat de Marcus Harvey. O femeie care, în anii 1960, alături de prietenul ei, a violat, torturat și ucis cinci adolescenți, cu vârste cuprinse între 10 și 17 ani. Cadavrele lor au fost îngropate într-o mlaștină de lângă Manchester. Fără îndoială, această operă de artă a provocat o mare indignare în Regatul Unit, dar și în străinătate. La expoziție, tabloul a suferit daune din partea publicului și a trebuit să fie protejat cu un paravan.

Povestea din spatele acestei opere a fost îngrozitoare. Pictura este neclară și pixelată, dar la o examinare mai atentă, acei pixeli erau amprentele de mână ale unui copil. Myra era considerată a fi un punct dureros în istoria Marii Britanii, așa că reacția negativă a publicului a fost de înțeles. Cu toate acestea, este oare și oribilul demn de atenție?

Chris Ofili, Sfânta Fecioară Maria, 1996

Acest tablou al artistului britanic Chris Ofili prezintă o Fecioară Maria de culoare neagră înconjurată de un colaj care seamănă cu fluturi, dar aceștia sunt fotografii ale organelor genitale feminine. El a pictat-o folosind balegă de elefant și a intitulat-o The Holy Virgin Mary (Sfânta Fecioară Maria), care a fost expusă la Muzeul Brooklyn în 1999.

Era luna octombrie a anului 1999 și colecționarul englez Charles Saatchi promova o expoziție la New York pentru mișcarea Young British Artists (YBA). Printre alte opere de artă, primarul orașului de la acea vreme, Rudy Giuliani, a avut ocazia să inspecteze această lucrare. Firește șocat, el a descris pictura ca fiind bolnavă și dezgustătoare și a încercat să retragă subvenția anuală acordată Muzeului Brooklyn. Cu toate acestea, muzeul a rezistat și a avut câștig de cauză în instanță.

Marcel Duchamp, Fountain, 1917

Acesta este urinarul pe care Marcel Duchamp l-a cumpărat, a mâzgălit un nume fals ‘R. Mutt’ pe marginea inferioară, l-a pus într-o galerie și l-a numit Fântâna. Este considerată cea mai controversată operă de artă a secolului XX, deoarece era doar un obiect obișnuit prezentat ca o operă de artă de prestigiu.

Și-a trimis opera de artă la comitetul de verificare al Societății Artiștilor Independenți, din New York… Și ghiciți ce? Nu a fost respins, dar urinarul a fost exclus din expoziție. Fără nici o îndoială, opera sa de artă a criticat sistemul și standardele stabilite.

.