„Arta de dragul artei” este interpretarea obișnuită în limba engleză a unui slogan francez, „l’art pour l’art'”, care a fost inventat la începutul secolului al XIX-lea de către filosoful francez Victor Cousin și a devenit un slogan boem în secolul al XIX-lea. Deși Théophile Gautier (1811 – 1872) nu a folosit cuvintele propriu-zise, prefața romanului său Mademoiselle de Maupin (1835) a fost cel mai timpuriu manifest al ideii că arta este valoroasă ca artă, că activitățile artistice au propria lor justificare și că arta nu are nevoie de o justificare morală și că este chiar permisă să fie subversivă din punct de vedere moral.

Conceptul a fost adoptat de o serie de scriitori și artiști francezi, britanici și americani, precum și de susținători ai Mișcării Estetice, cum ar fi Walter Pater. A fost o respingere a rolului obișnuit al artei, de la Contrareforma din secolul al XVI-lea, în slujba statului sau a religiei oficiale, și a moralismului din epoca victoriană. A deschis calea pentru libertatea de exprimare artistică în mișcarea impresionistă și în arta modernă. Sloganul a continuat să fie ridicat în dispreț față de cei care, inclusiv John Ruskin și susținătorii comuniști mai recenți ai realismului socialist, considerau că valoarea artei constă în servirea unui scop moral sau didactic. Conceptul de „artă de dragul artei” continuă să fie important în discuțiile contemporane despre cenzură și despre natura și semnificația artei.

Artă de dragul artei

Conceptul că arta nu are nevoie de nicio justificare, că nu trebuie să servească niciun scop și că frumusețea artelor frumoase este un motiv suficient pentru a le urmări a fost adoptat de mulți autori francezi importanți, iar în Anglia de Walter Pater, Oscar Wilde, Samuel Taylor Coleridge și Arthur Symons. Termenul a apărut în lucrările pictorului și criticului de artă francez Benjamin-Constant. Edgar Allan Poe (1809 – 1849), în eseul său „Principiul poetic”, susținea că:

Ne-am băgat în cap că a scrie un poem pur și simplu de dragul poemului și a recunoaște că acesta a fost planul nostru, ar însemna să ne mărturisim pe noi înșine lipsiți în mod radical de adevărata demnitate și forță poetică:-dar simplul fapt este că, dacă ne-am permite să privim în propriile noastre suflete, am descoperi imediat acolo că sub soare nu există și nici nu poate exista vreo operă mai demnă, mai suprem de nobilă decât acest poem, acest poem în sine, acest poem care este un poem și nimic mai mult, acest poem scris doar de dragul poemului.

Pictorul american James McNeill Whistler (1834 – 1903), care se opunea sentimentalismului în pictură, a comentat că,

Arta ar trebui să fie independentă de orice butaforie -ar trebui să fie de sine stătătoare și să facă apel la simțul artistic al ochiului sau al urechii, fără a confunda acest lucru cu emoții cu totul străine de el, cum ar fi devotamentul, mila, dragostea, patriotismul și altele asemenea. (citat în Smithsonian Magazine (apr. 2006): 29)

Mișcarea Estetică Engleză

Sloganul „arta de dragul artei” este asociat în istoria artei și literelor englezești cu donatorul de la Oxford Walter Pater și cu adepții săi din Mișcarea Estetică, care era în mod conștient în rebeliune împotriva moralismului victorian. A apărut pentru prima dată în limba engleză în două lucrări publicate simultan în 1868: recenzia lui Pater despre poezia lui William Morris în Westminster Review și în William Blake de Algernon Charles Swinburne. O formă modificată a recenziei lui Pater a apărut în lucrarea sa Studies in the History of the Renaissance (1873), unul dintre cele mai influente texte ale Mișcării Estetice. În eseurile sale, Pater a declarat că viața trebuie trăită intens, urmărind un ideal de frumusețe.

Artiștii și scriitorii Mișcării Estetice au afirmat că nu există nicio legătură între artă și moralitate și au avut tendința de a susține că artele ar trebui să ofere o plăcere senzuală rafinată, mai degrabă decât să transmită mesaje morale sau sentimentale. Ei nu au acceptat concepția utilitaristă a lui John Ruskin și Matthew Arnold despre artă ca fiind ceva moral sau util. Ei credeau că arta trebuie doar să fie frumoasă și au dezvoltat cultul frumuseții. Viața ar trebui să copieze arta, iar natura era considerată crudă și lipsită de design în comparație cu arta. Principalele caracteristici ale mișcării au fost sugestia mai degrabă decât afirmația, senzualitatea, utilizarea extensivă a simbolurilor și efectele sinestezice (corespondența dintre cuvinte, culori și muzică).

Conceptul de „artă de dragul artei” a jucat un rol major în singurul roman al lui Oscar Wilde, Tabloul lui Dorian Gray.

Arta și revoluția industrială

Conceptul de „artă de dragul artei” a fost o construcție socială europeană și a fost în mare parte un produs al revoluției industriale. În multe culturi, realizarea de imagini artistice era o practică religioasă. În Europa medievală, arta a servit în primul rând la ornamentarea bisericilor și a palatelor, până când ascensiunea clasei de mijloc a creat o cerere de artă decorativă, ilustrații, portrete, peisaje și picturi care documentau cum arătau obiectele. Revoluția industrială a adus schimbări drastice care au creat probleme sociale grave, cum ar fi concentrarea unui număr mare de oameni în mahalalele urbane, ceea ce i-a determinat pe oameni să pună sub semnul întrebării valorile tradiționale și să respingă romantismul.

În timp ce pictorii academici din secolul al XIX-lea au simțit obligația de a îmbunătăți societatea prin prezentarea unor imagini care reflectau valori morale conservatoare, exemple de comportament virtuos și sentimente creștine, moderniștii au cerut libertatea de a-și alege subiectul și stilul de pictură. Aceștia criticau instituțiile politice și religioase care, în opinia lor, limitau libertatea individuală. Din ce în ce mai mult, artiștii căutau să se elibereze nu doar de regulile artei academice, ci și de cerințele publicului și susțineau că arta nu ar trebui să fie produsă de dragul publicului, ci de dragul ei. Conceptul de „artă de dragul artei” era, de asemenea, o provocare pentru valorile conservatoare ale clasei de mijloc, care încă mai cerea ca arta să aibă un sens sau un scop, cum ar fi să instruiască, să moralizeze sau să încânte privitorul. Acești moderniști progresiști au adoptat o atitudine antagonistă față de societate și au ajuns să fie caracterizați drept avangardiști, cei care se aflau în fruntea unei noi ere a artei și culturii.

Postmodernismul și arta de dragul artei

Primul Război Mondial a însemnat un eșec al tradiției și a demonstrat, de asemenea, că progresul științific și tehnologic nu va crea automat o lume mai bună. O nouă mișcare culturală, dadaismul, a început în Zürich, Elveția, în timpul Primului Război Mondial și a atins apogeul între 1916 și 1920. Dadaiștii au declarat că și arta modernistă a eșuat și au respins toate standardele artistice predominante prin intermediul unor opere culturale anti-arte. Mișcarea dadaistă a inclus adunări publice, demonstrații și publicarea de reviste de artă și literare și a influențat stiluri și mișcări artistice ulterioare, cum ar fi suprarealismul, Pop Art și Fluxus.

Conceptul de „artă de dragul artei” rămâne important în discuțiile contemporane despre cenzură și despre natura și semnificația artei. Arta a devenit din ce în ce mai mult o parte a vieții publice, sub forma publicității și a presei scrise și cinematografice care este disponibilă tuturor membrilor societății. Animația pe calculator, programele de arte grafice și alte tehnologii noi permit producerea de artă care, deși rămâne originală, este produsă mai degrabă mecanic decât manual de către artist. Arta spectacolului implică participarea și contribuția unui public și scapă de sub controlul unui artist individual. Aceste evoluții au declanșat dezbateri cu privire la definiția și cerințele „artei” și la rolul artistului în societate.

Patronajul artelor este din ce în ce mai mult în mâinile guvernului sau ale instituțiilor civice care au o obligație față de societatea pe care o servesc și care sunt controlate de funcționari și politicieni care nu sunt neapărat capabili să aprecieze ei înșiși arta, sau care pot fi conservatori. Acest lucru ridică întrebări cu privire la faptul dacă guvernul are „dreptul” de a impune restricții asupra expresiei artistice sau de a impune valori morale specifice. Dacă libertatea artistică necesită independență economică, este aceasta un privilegiu al celor bogați?

Versiunea latină a sloganului, „ars gratia artis”, este folosită ca slogan de Metro-Goldwyn-Mayer și apare în ovalul din jurul capului răgușit al Leului Leo în logo-ul lor cinematografic.

Vezi și

• Teorie critică
• Walter Benjamin

Note

• Bell-Villada, Gene H. 1996. Arta de dragul artei & viața literară: cum politica și piețele au ajutat la modelarea ideologiei & culturale a estetismului, 1790-1990. Lincoln: University of Nebraska Press. ISBN 0803212607
• Brookner, Anita. 2000. Romantismul și nemulțumirile sale. New York: Farrar, Straus și Giroux. ISBN 037425151592
• Ellmann, Richard. 1969. Oscar Wilde; o colecție de eseuri critice. Englewood Cliffs, NJ: Prentice-Hall. ISBN 0139594787
• Pater, Walter, și Donald L. Hill. 1980. The Renaissance: studies in art and poetry: the 1893 text. Berkeley: University of California Press. ISBN 0520033256
• Prideaux, Tom. 1970. Lumea lui Whistler, 1834-1903. New York: Time-Life Books.
• Prettejohn, Elizabeth. 1999. After the Pre-Raphaelites: art and aestheticism in Victorian England (După prerafaeliți: artă și estetism în Anglia victoriană). New Brunswick, NJ: Rutgers University Press. ISBN 0813527503
• Prettejohn, Elizabeth. 2007. Arta de dragul artei: estetismul în pictura victoriană. New Haven: Yale University Press. ISBN 9780300135135497
• Seiler, R. M. 1980. Walter Pater, moștenirea critică. Londra: Routledge & Kegan Paul. ISBN 0710003803

Legătură externă

Toate legăturile recuperate la 15 aprilie 2016.

• Internet Encyclopedia of Philosophy entries:
  • Ethical Criticism of Art.
  • Art and Epistemology.

General Philosophy Sources

• Stanford Encyclopedia of Philosophy.
• The Internet Encyclopedia of Philosophy.
• Paideia Project Online.
• Project Gutenberg.