The 20th century presented a radical change from the classical influences of the 19th century Renaissance, not only artistically but politically and socialmente.

>

A Primeira e Segunda Guerras Mundiais marcaram um clima depressivo, a Crise Europeia e o Grande Crash chocaram a sociedade no seu núcleo. A revolução industrial seguiu-se com o surgimento de novas ideias, teorias, símbolos e técnicas. Ela moldou muitos movimentos artísticos que conhecemos hoje – Expressionismo e Expressionismo Abstracto, Cubismo, Fauvismo, Dadaismo, Surrealismo e Arte Pop, entre outros. Vejamos as obras de arte que definiram o século XX.

Scott Tyler, Dread, 1989

>

Em 1989, Scott Tyler era apenas um estudante do ensino médio do Instituto de Arte de Chicago. Lá, ele apresentou seu primeiro trabalho de arte intitulado Qual é a maneira apropriada de exibir a bandeira americana? A bandeira americana foi exposta deitada no chão. Foi colocada de uma forma estratégica para que os clientes que quisessem ler o manual do enforcamento tivessem que pisar na bandeira.

Visitas de Genebra foram presas por ultraje e, claro, o próprio artista. Ele estava a violar a Emenda da Profanação da Bandeira. Até o Presidente Bush criticou a obra de arte como vergonhosa, como muitos outros. No entanto, havia opiniões de todos os tipos. Com este trabalho, Scott Tyler quis demonstrar a fraqueza de um importante direito humano: A liberdade de expressão.

Andy Warhol, Campbell’s Soup Cans, 1962

>

Quem não se lembra destas famosas latas latas de sopa Campbell’s? Andy Warhol, talvez um dos mais proeminentes artistas e figuras extravagantes do século 20. Ele era um comprador compulsivo e um coleccionador. O vício poderia ter sido o início da Pop Art, um movimento artístico colorido e provocativo que surgiu em meados dos anos 50.

Quem pensou que uma simples lata de sopa poderia ser uma obra de arte? Apenas Andy Warhol poderia fazer um feito tão audacioso. Ele próprio comeu esta sopa diariamente durante 20 anos e depois incorporou-a na história da arte. Foi assim tão simples? Na verdade, os críticos estavam a ficar loucos. Como poderia um artista reduzir um campo institucionalizado como a arte a uma simples visita ao supermercado? Porém, a Pop Art foi além desses objetos comuns e incluiu os temas da cultura de massa, aqueles que se alinhavam com a realidade da sociedade de consumo.

Robert Rauschenberg, Erased De Kooning, 1953

Sim, esta é uma obra de arte, e foi feita pelo artista americano Robert Rauschenberg. Era o ano de 1953 e o artista holandês americano De Kooning era uma lenda. Ele foi um dos maiores pintores do movimento do Expressionismo Abstrato daquela época, seu nome gerou tanto confiança quanto medo. Um dia, Robert Rauschenberg pediu a De Kooning para ter um dos seus quadros De Kooning não se sentiu muito entusiasmado no início, mas depois concordou e deu-lhe uma das suas obras de arte mais importantes.

Após alguns meses, Robert Rauschenberg apagou o quadro e chamou-lhe o seu próprio, Erased De Kooning. Sim, estava em branco. Mas, era arte? Como Picasso disse, “Cada acto de criação é primeiro um acto de destruição.” Os críticos estavam confusos, obviamente. A intenção de Rauschenberg era atacar o expressionismo abstrato e dar valor artístico à destruição de uma de suas obras de arte. A obra de arte está agora alojada no Museu de Arte Moderna de São Francisco.

Pablo Picasso, Les Demoiselles d’Avignon, 1907

Imagine-se em 1907 olhando para as cinco figuras femininas nuas retratadas nesta pintura. É em contraste com a era das mulheres arredondadas e sensuais. Picasso mostra-nos, cinco prostitutas nuas, em duas dimensões a partir de um bordel em Barcelona. Uma ideia que não foi bem recebida durante a sua exposição em Paris.

Com a sua geometrização da forma, esta pintura tornou-se a origem do movimento cubista. Após a exposição, a peça foi esquecida no atelier de Picasso durante anos. Foi depois exposta no início dos anos 20 por Jacques Doucet (um famoso coleccionador de arte francês). Atualmente, você pode ver Les Demoiselles d’Avignon no Museu de Arte Moderna de Nova York.

Richard Serra, Arco Inclinado, 1981

Richard Serra é um escultor americano de renome e o criador de uma das obras mais controversas do século XX: Arco Inclinado. Esta escultura maciça foi instalada em 1982 no Foley Federal Plaza, em Nova York. Seu tamanho exagerado: uma parede de aço Corten, de 12 pés de altura por 120 pés de comprimento, dividiu o quadrado em duas partes. A obra foi construída dentro da estrutura do local e foi concebida por Serra como uma peça crítica para ‘redefinir’ a praça, e não apenas como um objeto decorativo.

Did pessoas como ela? Nem um pouco. Para quem trabalhava e vivia lá, a parede de aço estava bloqueando o caminho e eles o consideravam avassalador e deprimente. De facto, o New York Times descreveu-o como uma das obras de arte públicas mais feias da cidade e algumas pessoas chamaram-lhe o Muro de Berlim da Praça Federal. Assim, depois de muitas controvérsias (inclusive das mais famosas provas de arte da história), a escultura foi cortada em três peças e removida da praça em 1989. Agora, ela está guardada em segurança em um espaço de armazenamento em Maryland.

Balthus, The Guitar Lesson, 1934

Pintor francês controverso Balthasar Klossowski de Rola, conhecido como Balthus, é certamente um dos maiores artistas do século XX. Um amante nostálgico da Era da Inocência, porém, solitário e misterioso.

Neste quadro perturbador, parecendo uma ‘pietà’, vemos uma professora de violão com a sua jovem aluna tocada no colo com a saia levantada e os genitais expostos. A professora toca a aluna como um instrumento musical. Seus dedos tocam as cordas invisíveis da guitarra dentro de suas coxas. A pintura gerou muitas discussões. Será que Balthus tinha más intenções? Esta pintura mudou de mãos muitas vezes, mas agora pertence ao armador grego Stavros Niarchos.

Andres Serrano, Piss Christ, 1987

Pense numa fotografia de Cristo. Um crucifixo. Agora imagine esta imagem inserida em um recipiente cheio de urina do artista. Como você se sentiria? O artista americano Andres Serrano criou esta obra de arte em 1987. A obra criou tanta controvérsia na comunidade artística. Como cristão, ele considerava sua obra de arte uma declaração religiosa, que mostra a relação ambígua entre o sagrado e o profano.

A substância que ele usou não foi escolhida aleatoriamente. Ele tinha suas razões, mas afirmou que ninguém nunca lhe perguntou porquê. O sangue veio de Cristo, mas também a urina da mesma forma, portanto ainda há um componente sagrado na idéia. A arte deve sempre provocar e despertar emoções, e as pessoas não devem ficar indiferentes a ela. De fato, este é um exemplo claro.

Marcus Harvey, Myra, 1995

She é a mulher mais malvada da Grã-Bretanha. O mundo inteiro pôde vê-la na exposição da Royal Academy of London em 1997. Sensation, como a exposição foi intitulada, foi a coleção de Charles Saatchi, que apresentou obras de arte feitas por jovens artistas. Um deles era um grande retrato de Myra, de Marcus Harvey. Uma mulher que, nos anos 60 ao lado do namorado, violou, torturou e assassinou cinco adolescentes, com idades entre 10 e 17 anos. Os seus cadáveres foram enterrados num pântano perto de Manchester. Sem dúvida, esta obra de arte provocou grande indignação no Reino Unido, e no estrangeiro. Na exposição, a pintura sofreu danos pelo público e teve que ser protegida com uma tela.

A história por trás desta peça foi horripilante. A pintura está desfocada e pixelada, mas, em um exame mais atento, esses pixels eram impressões digitais de uma criança. Myra foi considerado um ponto de dor na história britânica, portanto a reação negativa do público foi compreensível. Contudo, será que o horrível também merece atenção?

Chris Ofili, The Holy Virgin Mary, 1996

Esta pintura do artista britânico Chris Ofili apresenta uma Virgem Maria negra rodeada por uma colagem que se assemelha a borboletas, mas são fotografias de genitais femininos. Ele pintou-a usando estrume de elefante, intitulado The Holy Virgin Mary que foi exibido no Brooklyn Museum em 1999.

Foi em Outubro de 1999 e o coleccionador inglês Charles Saatchi promoveu uma exposição em Nova Iorque para o movimento Young British Artists (YBAs). Entre outras obras de arte, o prefeito da cidade na época, Rudy Giuliani, teve a oportunidade de inspecionar esta obra. Naturalmente chocado, ele descreveu o quadro como doente e nojento e tentou retirar a bolsa anual para o Museu do Brooklyn. Entretanto, o museu resistiu e ganhou o caso no tribunal.

Marcel Duchamp, Fountain, 1917

>

>

Este é o urinol que Marcel Duchamp comprou, rabiscando um nome falso ‘R. Mutt’ na borda inferior, colocou-o numa galeria e deu-lhe o nome de Fountain. É considerado a obra de arte mais controversa do século XX porque era apenas um objecto vulgar apresentado como uma obra de arte de prestígio.

Ele enviou a sua obra de arte para o comité de verificação da Sociedade de Artistas Independentes, em Nova Iorque… E adivinhem? Ele não foi rejeitado, mas o urinol foi barrado da exposição. Sem dúvida, a sua obra de arte criticou o sistema e os padrões estabelecidos.