O fagote foi desenvolvido a partir do seu precursor, mais frequentemente referido como o dulciano, um instrumento de madeira, tudo numa só peça. Usado e desenvolvido muito no século 16 para adicionar um baixo mais forte à banda de sopro, então consistindo em grande parte de shawms e gravadores, as origens do dulciano são desconhecidas. Existem provas dispersas da sua criação em vários locais e épocas, e poucos exemplos antigos sobrevivem. Havia eventualmente oito membros da família dulciana de tamanho variável, desde os sopranos até às gamas de baixo. Os primeiros dulcianos tinham muitas semelhanças com o fagote moderno: embora geralmente construído apenas com uma única peça de madeira em vez de secções, também consistia num furo cónico que se dobrava sobre si mesmo no fundo, com uma curva de metal que conduzia do corpo do instrumento para a palheta. Era, como o instrumento moderno, frequentemente construído de bordo, com paredes grossas para permitir a perfuração obliqua de furos de dedos, com o sino ligeiramente queimado na extremidade. No entanto, existiam apenas oito buracos de dedos e duas chaves. O dulciano mais tarde evoluiu para o curtal, que apresentava juntas separadas como um fagote moderno, e ganhou uma chave extra.

Alguns musicólogos do século XX acreditaram que este instrumento, parecido com um feixe de paus, recebeu o nome de tal, “fagotto”, na Itália do século XVI. No entanto, esta etimologia é incorrecta: o termo “fagotto” era usado para o fagote antes da palavra ser usada para “feixe de paus”; também, quando o termo apareceu pela primeira vez, a semelhança não existia, uma vez que o instrumento naquela época era esculpido num bloco contínuo de madeira (Jansen 1978). A origem deste nome é, portanto, um mistério. (Uma dança também chamada “fagot” data de um século antes.) O instrumento foi construído dobrado sobre si mesmo, como é até hoje (dando-lhe o nome em algumas regiões “curtal”, pois foi abreviado significativamente). O nome inglês de “fagote” vem de um termo mais geral que se refere ao registro baixo de qualquer instrumento, mas após o apelo de Henry Purcell para um “fagote” em Dioclesiano (1690) referindo-se à palheta dupla de madeira, a palavra começou a ser usada para se referir a este instrumento em particular.

A evolução do dulciano primitivo para o fagote moderno também não tem registro preciso; o dulciano continuou a ser usado no século 18 (e na Espanha, no início do 20). Uma pintura alemã, “Der Fagottspieler”, no Museu Suermondt, que os estudiosos datam do final do século XVII, retrata o fagote tal como aparece na sua forma actual, e um fagote com três teclas foi datado de 1699. Foi o fabricante holandês Coenraad Rijkel cuja adição da chave G para o dedo mindinho da mão direita, logo após a virada do século XVIII, fixou a posição da mão ao padrão atual; anteriormente, o instrumento podia ser tocado com qualquer uma das mãos em cima. O fagote precoce floresceu na Holanda no final do século XVII e início do século XVIII, com mais de meia dúzia de proeminentes fabricantes de sopros de madeira a desenvolver o instrumento. Hoje, apenas trinta e três fagotes dessa época sobrevivem.

História moderna

Exigências crescentes sobre as capacidades dos instrumentos e tocadores nos anos 1800 – especialmente as salas de concerto que requerem tons mais altos e a ascensão de compositores virtuosos – estimularam o refinamento do fagote. O aumento da sofisticação tanto nas técnicas de fabrico como no conhecimento acústico tornou possível grandes melhorias na tocabilidade do instrumento.

O fagote moderno existe em duas formas primárias distintas, o sistema Buffet e o sistema Heckel. O sistema Buffet é tocado principalmente na França, mas também na Bélgica e em partes da América Latina, enquanto o sistema Heckel é tocado na maior parte do mundo.

Sistema Heckel

O design do fagote moderno deve muito ao performer, professor e compositor Carl Almenräder, que, assistido pelo investigador acústico alemão Gottfried Weber, desenvolveu o fagote de 17 teclas cujo alcance abrangeu quatro oitavas. As melhorias de Almenräder no fagote começaram com um tratado de 1823 no qual ele descreveu formas de melhorar a entonação, resposta e facilidade técnica de tocar por meio do aumento e reorganização do trabalho da chave; artigos subseqüentes desenvolveram ainda mais suas idéias. O trabalho na fábrica Schott deu-lhe os meios para construir e testar instrumentos de acordo com estes novos desenhos, cujos resultados foram publicados na Caecilia, a revista da casa de Schott; Almenräder continuou a publicar e a construir instrumentos até à sua morte em 1843, e o próprio Ludwig van Beethoven pediu um dos novos instrumentos depois de ouvir os artigos. Almenräder deixou Schott para iniciar sua própria fábrica junto com o parceiro J.A. Heckel em 1831.

Heckel e duas gerações de descendentes continuaram a refinar o fagote, e é o instrumento deles que se tornou o padrão a ser seguido por outros fabricantes de instrumentos. Devido à sua qualidade superior de tom de canto (uma melhoria sobre um dos principais inconvenientes dos instrumentos Almenräder), os instrumentos da Heckel competiram pelo destaque com o sistema reformado Wiener, um fagote estilo Boehm, e um instrumento completamente chaveado, concebido por C. J. Sax, pai de Adolphe Sax. Uma tentativa tardia, a partir de 1893, com um sistema lógico reformado de dedilhados foi implementado por F.W. Kruspe, mas não conseguiu entender. Outras tentativas para melhorar o instrumento incluíram um modelo de 24 teclas e um bocal de uma só palheta, mas ambos foram considerados como tendo efeitos adversos no tom característico do fagote e foram abandonados.

Com o século 20 o modelo alemão de fagote ao estilo Heckel dominou o campo; o próprio Heckel tinha feito mais de 4000 instrumentos na virada do século, e os instrumentos dos fabricantes ingleses já não eram mais desejáveis para as mudanças de tom da orquestra sinfónica, permanecendo principalmente no uso da banda militar.

Hoje em dia a fábrica Heckel continua a produzir instrumentos (após uma breve conversão em tempo de guerra dos anos 40 para a fabricação de fagotes) e os fagotes Heckel são considerados por muitos os melhores, embora exista uma gama de diferentes fabricantes, todos com diferentes modificações nos seus fagotes. As empresas que fabricam fagotes são (entre outras): Heckel, Yamaha, Fox Products, Schreiber, Püchner, Signet, Moosmann, Kohlert, B.H. Bell. e Guntram Wolf. Há também vários fabricantes de fagotes menores que fabricam instrumentos especiais para atender necessidades especiais. Nos anos 60 o inglês Giles Brindley começou o desenvolvimento preliminar do que ele chamou de fagote “lógico”, que visava melhorar a entonação e a uniformidade do tom através do uso de combinações de teclas ativadas eletricamente que eram muito complexas para a mão humana conseguir.

Sistema Buffet

O fagote do sistema Buffet, que se estabilizou um pouco antes do Heckel, desenvolveu-se de uma forma mais conservadora. Enquanto o desenvolvimento do fagote Heckel pode ser caracterizado como uma revisão completa do instrumento tanto na acústica como no trabalho com chaves, o sistema Buffet concentrou-se principalmente em melhorias incrementais no trabalho com chaves. Essa abordagem menos radical priva o fagote do sistema Buffet da consistência melhorada e, portanto, da facilidade de operação e do aumento de potência, encontrados nos fagotes Heckel, mas o Buffet é considerado por alguns como tendo uma qualidade mais vocal e expressiva. (O Maestro John Foulds em 1934 lamentou o domínio do fagote estilo Heckel, considerando-os demasiado homogéneos no som com a trompa).)

Comparados com o fagote Heckel, os fagotes do sistema Buffet têm um furo mais estreito e um trabalho de chave diferente; os instrumentos Buffet são conhecidos por um som mais reedier e maior facilidade nos registos superiores, atingindo e”’ e f” com muito mais facilidade e menos pressão de ar. Embora especificamente desejável em algumas músicas (os tocadores de sopros de madeira franceses produzem tradicionalmente um som mais leve e mais reedy do que é habitual noutros locais), o som mais reedy tem por vezes atraído críticas por ser demasiado distinto. Como em todos os fagotes, o tom varia substancialmente de instrumento para instrumento e de intérprete para intérprete. O sistema Heckel pode soar bastante fixo e amadeirado, mas os bons músicos esforçam-se e normalmente conseguem produzir um tom de canto quente. O Buffet pode soar reedy, mas muitos bons músicos esforçam-se e normalmente conseguem produzir um som quente e expressivo que não é no mínimo reedy.

Embora o sistema francês já tenha sido amplamente favorecido na Inglaterra, os instrumentos de Buffet já não são feitos lá, e o último proeminente músico inglês do sistema francês reformou-se nos anos 80. No entanto, com seu uso contínuo em algumas regiões e seu tom distinto, o Buffet continua a ter um lugar no fagote moderno tocando, particularmente na França. Os fagotes-modelo Buffet são atualmente produzidos em Paris por Buffet-Crampon e Selmer, com vários outros fabricantes produzindo réplicas de instrumentos. Alguns músicos, por exemplo Gerald Corey no Canadá, aprenderam a tocar os dois tipos e irão alternar entre eles, dependendo do repertório a ser tocado.

Construção e características

O fagote moderno é geralmente feito de ácer, com tipos de dureza média, como o bordo de sicómoro e o bordo de açúcar sendo preferidos. Os modelos menos caros também são feitos de materiais como polipropileno e ebonite, principalmente para uso estudantil e ao ar livre; fagotes metálicos foram feitos no passado, mas não estão em produção por nenhum grande fabricante desde 1889. O furo do instrumento é cônico, como o do oboé e do saxofone, e o fundo do instrumento liga o furo no meio com um conector metálico em forma de U. Tanto o furo como os orifícios são feitos com precisão, e cada instrumento é acabado à mão para uma afinação adequada. As paredes do instrumento são suficientemente grossas para que os furos dos dedos sejam feitos obliquamente para ajudar na digitação, e os instrumentos de madeira são forrados com um revestimento de borracha dura ao longo do interior da asa e das juntas da bota para evitar danos de umidade com o jogo extensivo; os instrumentos de madeira também são manchados e envernizados. O topo da campainha é frequentemente completado com um anel, muitas vezes de plástico ou marfim. As juntas separadas, onde se ligam, são envoltas em cortiça ou cordel, para ajudar a selar contra fugas de ar. O bocal, que é inserido no topo da junta da asa e tem uma extremidade envolta em cortiça para vedação, pode vir em muitos comprimentos diferentes, dependendo da afinação desejada.

Dobrado sobre si mesmo, o fagote tem 134 cm de altura, mas o comprimento total é de 254 cm. A reprodução é facilitada pela duplicação do tubo sobre si mesmo e pelo fechamento da distância entre os furos amplamente espaçados com um sistema complexo de chaveamento, que se estende por quase todo o comprimento do instrumento. Há também fagotes de curto alcance feitos para o benefício de jogadores jovens ou pequenos.

Os jogadores de fagote devem aprender três claves diferentes: Baixo (em primeiro lugar), Tenor, e Agudos. O alcance do fagote começa no B-flat1 (o primeiro abaixo da pauta de baixo) e se estende para cima em três oitavas (aproximadamente até o G na pauta de agudos). As notas mais altas são possíveis mas difíceis de produzir e raramente são necessárias; as partes orquestrais raramente vão mais alto que o Dó ou Ré, com até o famoso solo de abertura difícil de Stravinsky em O Ritmo da Primavera só subindo para o Ré. O A baixo no fundo da gama só é possível com uma extensão especial ao instrumento; como o seu uso torna o B-plat inferior impossível de tocar e afecta a entoação das notas mais baixas, raramente é necessário. O último acorde do Quinteto de Sopros de 1922 de Carl Nielsen inclui um baixo A opcional, e Gustav Mahler utiliza-o ocasionalmente nas suas sinfonias. Frequentemente, é usado um tubo de papel ou um sino de corneta inglesa colocado no sino do fagote, em vez de uma extensão especialmente feita para o efeito. Outra alternativa frequente é o uso do sino de um clarinete. Também tem sido usada uma peça de plástico de uma loja de material de canalização.

Uso em conjuntos

Conjuntos modernos

A orquestra sinfónica moderna normalmente pede dois fagotes, muitas vezes com um terceiro a tocar o contrafagote. (A primeira obra escrita com uma parte independente do contrafagote foi a Quinta Sinfonia de Beethoven, embora a de São João Paixão de Bach e uma obra de Mozart pedisse um “fagote grande” e foram escritas abaixo do alcance do fagote moderno). Algumas obras chamam por quatro ou mais jogadores. O primeiro jogador é frequentemente chamado para realizar passagens a solo. O tom distinto do fagote se adequa tanto para solos líricos, como o Bolero de Ravel, quanto para solos mais cômicos, como o tema do avô em Pedro e o Lobo. A sua agilidade adapta-se a passagens como a famosa linha de corrida (dobrada nas violas) na abertura para O Casamento de Figaro. Além do seu papel solo, o fagote é um baixo eficaz para um coro de sopros, uma linha de baixo junto com os violoncelos e contrabaixos, e suporte harmónico junto com os cornos franceses.

Um conjunto de sopros normalmente incluirá também dois fagotes e por vezes contra, cada um com partes independentes; outros tipos de conjuntos de sopros de concerto terão frequentemente secções maiores, com muitos músicos em cada uma das primeiras ou segundas partes; em arranjos mais simples haverá apenas uma parte de fagote e não haverá contra. O papel do fagote na banda de sopros é semelhante ao seu papel na orquestra, embora quando a pontuação é grossa muitas vezes não possa ser ouvida acima dos instrumentos de sopro também na sua gama. La Fiesta Mexicana, de H. Owen Reed, apresenta o instrumento com destaque, assim como a transcrição das Quatro Danças Escocesas de Malcolm Arnold, que se tornou um dos elementos básicos do repertório da banda de concerto.

O fagote também faz parte da instrumentação padrão do quinteto de vento, juntamente com a flauta, oboé, clarinete e trompa; também é frequentemente combinado de várias maneiras com outros ventos de madeira. O “Duet-Concertino” de Richard Strauss junta-o ao clarinete como instrumento concertino, com orquestra de cordas em apoio.

O quarteto de fagote também tem vindo a ganhar terreno nos últimos tempos, sendo o Bubonic Bassoon Quartet um dos grupos mais notáveis. A vasta gama e variedade de cores de fagote torna-o ideal para ser agrupado em conjuntos de instrumentos semelhantes. O “Last Tango in Bayreuth” de Peter Schickele (depois de temas de Tristão e Isolda) é uma obra popular; o alter ego fictício de Schickele P. D. Q. Bach explora os aspectos mais humorísticos com o seu quarteto “Lip My Reeds”, que a certa altura exige que os músicos actuem sozinhos na palheta.

Grupos anteriores

O uso do fagote na orquestra sinfónica primitiva era apenas como um instrumento contínuo. O compositor barroco Jean-Baptiste Lully e os seus Les Petits Violons incluíram oboés e fagotes juntamente com as cordas do conjunto de 16 peças (mais tarde 21 peças), como uma das primeiras orquestras a incluir ventos. Antonio Cesti incluiu um fagote na sua ópera Pomo d’oro de 1668. Contudo, o uso do fagote na orquestra de concertos foi esporádico até ao final do século XVII, quando os sopros começaram a entrar na instrumentação padrão, em grande parte devido a melhorias no design dos instrumentos de sopro que corrigiram problemas de afinação e lhes deram maior capacidade de tocar cromaticamente (como as cordas sem freio eram facilmente capazes de fazer). O fagote foi introduzido como membro regular da orquestra sinfónica como parte do fagote continuo juntamente com os violoncelos e as violas de baixo; também encheram os coros de instrumentos de sopro em orquestras de ópera, primeiro em França e depois em Itália. Johann Stamitz e suas sinfonias deram aos sopros um pouco mais de independência ao pontuá-los para a cor da orquestra em vez de dobrá-los estritamente, mas mesmo assim o fagote não foi usado como um instrumento melódico independente.

Antonio Vivaldi deu destaque ao fagote ao apresentá-lo em 37 concertos para o instrumento. A orquestra clássica inicial incluía o fagote, ele estava novamente apenas preenchendo o continuo e muitas vezes não mencionado na partitura. A escrita sinfónica para fagotes como partes totalmente independentes em vez de simples duplas só viria mais tarde, na era Clássica. A sinfonia de Júpiter de Mozart é um excelente exemplo, com seu famoso solo de fagote. Os fagotes eram geralmente emparelhados, como na prática atual, embora a famosa Orquestra de Mannheim ostentasse quatro.

Técnica

O fagote é segurado diagonalmente na frente do tocador e não pode ser facilmente suportado apenas pelas mãos do tocador. Os meios de apoio mais comuns são ou uma correia para o pescoço ou para o ombro, presa ao topo da articulação do rabo, ou uma correia presa à base da articulação do rabo, que arreia à cadeira ou é suportada pelo peso do jogador. Mais invulgarmente, um espigão semelhante aos usados para o violoncelo ou clarinete baixo é preso à base da articulação do rabo.

O fagote Heckel-system é tocado com ambas as mãos numa posição estacionária, com seis orifícios de dedos principais na frente do instrumento (alguns dos quais estão abertos, e alguns são auxiliados por um trabalho de chave). Também na frente do instrumento estão várias teclas adicionais a serem controladas pelos dedos mindinhos de cada mão. O verso do instrumento tem mais de uma dúzia de teclas a serem controladas pelo polegar (o número exato varia dependendo do modelo).

Embora os instrumentos sejam construídos para ter um tom preciso em toda a escala, o jogador tem um grande grau de flexibilidade de controle de tom através do uso de suporte de respiração e embouchure. Os tocadores também são capazes de usar dedilhados alternativos para ajustar a altura das notas mais tocadas.

Técnicas estendidas

Muitas técnicas estendidas podem ser realizadas no fagote, tais como multifónica, flutter tonguing, respiração circular, e harmónicos.

Pentes e construção de palhetas

A palheta moderna

Pentes de fagote, feitas de cana de Arundo donax, são geralmente feitas pelos próprios jogadores. As palhetas começam com um pedaço de cana que foi deixado a secar. A cana é então cortada e goivada em tiras lisas, deixando a casca presa. Depois de encharcada, a tira de cana é cortada na espessura desejada, ou perfilada. Isto pode ser feito à mão; é mais freqüentemente feito com uma máquina ou ferramenta projetada para a finalidade. Em seguida, é cortada com o contorno correto, ou moldada. Certificando-se que a cana esteja completamente encharcada, para evitar rachaduras, a tira de cana perfilada e moldada é dobrada no meio. As bordas externas, onde a casca permanece após a perfilagem, são fixadas por três bobinas de arame a 2 mm e 8 mm do início da lâmina, e 6 mm do fundo. A peça plana de cana é colocada em um mandril longo e fino e pressionada em volta para formar a forma adequada, até que o fundo da cana seja arredondado o suficiente para caber firmemente na extremidade do bocal.

Após a cana ter secado, os fios são apertados ao redor da cana, que encolheu após a secagem. A parte inferior é selada (geralmente com cimento de borracha ou epóxi) e depois enrolada com fio para garantir que não haja vazamento de ar através do fundo da cana e que a cana mantenha sua forma.

Para terminar a cana, primeiro corta-se a ponta (anteriormente o centro da faixa de cana), de modo que as lâminas acima da casca tenham aproximadamente 27 mm de comprimento. A cana é então raspada com uma faca até ter o perfil adequado, que tem uma ponta fina que leva a uma seção traseira mais grossa, e a “espinha” descendo longitudinalmente pelo centro também grossa. As medidas específicas diferem de tocador para tocador e de instrumento para instrumento. A própria ponta de uma palheta tem frequentemente apenas 0,1 mm de espessura.

Como o estilo de palheta desejado varia muito de jogador para jogador, a maioria dos jogadores avançados farão suas próprias palhetas a fim de personalizá-las ao seu próprio estilo de jogo individual, e quase todos estarão familiarizados com o processo de fazer uma. No entanto, várias empresas oferecem palhetas pré-fabricadas, e vários indivíduos também produzem palhetas para venda, alguns se especializando nisto ao invés de jogar.

A palheta inicial

Sabe-se pouco sobre a construção inicial da palheta de fagote, pois poucos exemplos sobrevivem, e muito do que se conhece é apenas o que pode ser obtido a partir de representações artísticas. As primeiras instruções escritas conhecidas datam de meados do século XVII, descrevendo a palheta como sendo mantida unida por arame ou fio resinado; as primeiras palhetas reais que sobrevivem são mais de um século mais novas, uma colecção de 21 palhetas do bajon espanhol do final do século XVIII.

O fagote no jazz

O fagote é pouco usado como instrumento de jazz e raramente visto num conjunto de jazz. Começou a aparecer pela primeira vez na década de 1920, incluindo chamadas específicas para o seu uso no grupo de Paul Whiteman e algumas outras aparições em sessões. Nas décadas seguintes, o instrumento foi usado apenas esporadicamente, já que o jazz sinfónico caiu em desuso, mas nos anos 60 artistas como Yusef Lateef e Chick Corea incorporaram o fagote nas suas gravações; os instrumentos diversos e ecléticos de Lateef viram o fagote como uma adição natural, enquanto Corea empregou o fagote em combinação com as leis flautistas de Hubert. Mais recentemente, Illinois Jacquet e Frank Tiberi dobraram o fagote, além das suas habituais apresentações de saxofone. A fagotista Karen Borca, uma intérprete de jazz livre, é uma das poucas músicas de jazz a tocar apenas fagote; Michael Rabinowitz, o fagotista espanhol Javier Abad, e James Lassen, um americano residente em Bergen, Noruega, são outros. Lindsay Cooper, Paul Hanson e Daniel Smith também estão atualmente usando o fagote no jazz. Os fagotistas franceses Jean-Jacques Decreux e Alexandre Ouzounoff têm ambos gravado jazz, explorando a flexibilidade do instrumento do sistema Buffet para um bom efeito.

O fagote na arte e literatura

Muito da história inicial do fagote é conhecida através da sua representação na pintura; a única fonte de descrição para a palheta do fagote inicial, por exemplo, está nas pinturas do final da Espanha do século XVI.

Existiu também uma pintura feita por Edgar Degas em 1870, chamada “L’orqueste de l’opéra” (“A Orquestra da Ópera”, também conhecida como “No Fosso da Orquestra”), que apresenta um fagotista na orquestra entre vários outros membros da orquestra.

Concerti e outra literatura orquestral

Barroco

• Antonio Vivaldi escreveu 37 concerti para fagote
• Georg Philipp Telemann Sonata em Fá menor

Clássico

• Johann Christian Bach, Concerto de fagote em B flat, Concerto de fagote em E-flat major
• Johann Nepomuk Hummel, Concerto Fagote em Fá, W75
• Wolfgang Amadeus Mozart, Concerto Fagote em B flat, K191
• Carl Stamitz, Concerto Fagote em Fá Maior
• Johann Baptist Vanhal, Fagote em Dó Maior, Concerto em Fá Maior para duas fagotes e orquestra

Romântico

• Carl Maria von Weber, Andante e rondo ungarese em Dó Menor, op. 35; Concerto fagote em Fá, op. 75
• Camille Saint-Saëns, Sonata para fagote e piano em Fá Maior, op. 168

Contemporâneo

• Luciano Berio, Sequenza XII para fagote (1995)
• Edward Elgar, Romance para fagote e orquestra, op. 62
• Alvin Etler, Sonata para Fagote e Piano
• Hindemith, Sonata para Fagote e Piano (1938)
• Gordon Jacob, Concerto para Fagote, Cordas e Percussão, Quatro Esboços para Fagote, Partita para Fagote
• Francesco Mignone, Sonata para Fagote Duplo, 14 valses para fagote
• Willson Osborne, Rhapsody for Bassoon
• John Steinmetz, Sonata for Bassoon and Piano
• Richard Strauss, Duet Concertino para clarinete e fagote com cordas e harpa (1948)
• John Williams, The Five Sacred Trees: Concerto para Fagote e Orquestra (1997)
• Richard Wilson, Profound Utterances (1984) e Concerto para Fagote (1983)

Famosas passagens orquestrais

• Béla Bartók, Concerto para Orquestra; o segundo movimento apresenta instrumentos de sopro de madeira em pares, começando com as fagotes, e a recapitulação do seu dueto acrescenta um terceiro instrumento tocando um contra-melodia de staccato.
• Ludwig van Beethoven, Sinfonia 4 em Bb maior
• Ludwig van Beethoven, Sinfonia 9 em D menor, último movimento
• Hector Berlioz, Symphonie Fantastique (No quarto movimento, há várias passagens a solo e tutti fagote com fagote. Esta peça pede quatro fagotes.)
• Paul Dukas, O Aprendiz de Feiticeiro, amplamente reconhecido como usado no filme Fantasia
• Edvard Grieg, No Salão do Rei da Montanha
• Carl Orff, Carmina Burana
• Sergei Prokofiev, Pedro e o Lobo (possivelmente o tema mais reconhecido do fagote, a parte do avô)
• Maurice Ravel, Rapsodie Espagnole (apresenta uma cadência dupla rápida e longa no final do primeiro movimento)
• Maurice Ravel, Boléro (o fagote tem uma passagem solo descendente alta perto do início)
• Maurice Ravel, Concerto para Piano em G Maior
• Nikolai Rimsky-Korsakov, Scheherazade, segundo movimento
• Dmitri Shostakovich, várias sinfonias incluindo #1, 4, 5, 8, & 9
• Jean Sibelius, Sinfonia 2 em D maior
• Jean Sibelius, Sinfonia 5 em Eb maior
• Igor Stravinsky, O Rito da Primavera (abre com um famoso solo de fagote pouco ortodoxo)
• Igor Stravinsky, canção de embalar do The Firebird
• Igor Stravinsky, Symphonies of Wind Instruments (menos conhecido mas tão alto e difícil como The Rite of Spring)
• Pyotr Ilyich Tchaikovsky, Symphony 4 in F minor
• Pyotr Ilyich Tchaikovsky, Sinfonia 5 em E menor
• Pyotr Ilyich Tchaikovsky, Sinfonia 6 em B menor

Fagoteiros notáveis

• Etienne Ozi (1754-1813): compositor, pedagogo
• Carl Almenräder (1786-1843): designer de instrumentos, compositor
• Louis Marie Eugène Jancourt (1815-1900): compositor, pedagogo, designer de instrumentos
• Julius Weissenborn (1837-1888): compositor, pedagogo
• Archie Camden (1888-1979): pedagogo
• Simon Kovar (1890-1970): arranjador, pedagogo
• Sol Schoenbach (1915-1999): pedagogo, diretor da Orquestra Filadélfia antes de Bernard Garfield
• Leonard Sharrow (1915-2004): pedagogo, diretor da Orquestra Sinfônica de Chicago, 1951-1964
• Maurice Allard (1923-): arranjador
• Sherman Walt (1923-1989): pedagogo, diretor da Orquestra Sinfônica de Boston, 1951-1989.
• Mordechai Rechtman (1925-): pedagogo, arranjador, maestro, diretor da Filarmônica de Israel por 45 anos
• Bernard Garfield (1928-): pedagogo, diretor da Orquestra Filadélfia 1957-2000.
• William Waterhouse (1931-): pedagogo, Royal Northern College of Music, e diretor em várias orquestras de Londres no período 1955-1975
• Walter Ritchie (1936-): pedagogo, Los Angeles Philharmonic Orchestra
• Judith LeClair (1958-): pedagogo, New York Philharmonic principal
• Benjamin Kamins: pedagogo, diretor da Houston Symphony 1981-2003
• David McGill: diretor da Chicago Symphony Orchestra, diretor da Cleveland Orchestra 1988-1997
• Frank Morelli: diretor da New York Opera Orpheus Chamber Orchestra do compositor americano Brooklyn Philharmonic Orchestra, toca em Windscape, professor da The Juilliard School SUNY Stonybrook Yale The Manhattan School of Music
• Christopher Millard: pedagogo, solista, professor da Universidade de Ottawa, Orquestra do Centro Nacional de Artes, anteriormente no CBC Vancouver Orchestra
• Klaus Thunemann pedagogo, solista, Orquestra Sinfônica da Rádio Alemã do Norte, antigo diretor
• Dag Jensen (1964-) pedagogo, solista, Orquestra Sinfônica da RDA de Colônia, antigo diretor
• Sergio Azzolini pedagogo, solista, fagotista barroco, maestro
• Christopher Weait pedagogo, professor The Ohio State University (1984-2006), ex-diretor da Orquestra Sinfônica de Toronto
• Arthur Weisberg pedagogo, professor da Jacobs School of Music
• Norman Harvey Herzberg (1916-) pedagogo, desenvolvedor de equipamentos para fabricação de palhetas. Campeão de composições de Paul Hindemith
• Fernando Traba professor, diretor da Florida West Coast Symphony