“Art for art’s sake” é a habitual interpretação inglesa de um slogan francês, “l’art pour l’art”, que foi cunhado no início do século XIX pelo filósofo francês Victor Cousin e tornou-se um slogan boémio durante o século XIX. Embora Théophile Gautier (1811 – 1872) não usasse as palavras actuais, o prefácio do seu romance Mademoiselle de Maupin (1835) foi o mais antigo manifesto da ideia de que a arte era valiosa como arte, que as actividades artísticas eram a sua própria justificação, e que a arte não precisava de justificação moral e era até permitida a ser moralmente subversiva.

O conceito foi adotado por vários escritores e artistas franceses, britânicos e americanos, e por proponentes do Movimento Estético, como Walter Pater. Foi uma rejeição ao papel habitual da arte, desde a Contra-Reforma do século XVI, ao serviço do Estado ou da religião oficial, e do moralismo da era vitoriana. Abriu caminho para a liberdade de expressão artística no movimento impressionista e na arte moderna. O slogan continuou a ser levantado em desafio àqueles, incluindo John Ruskin e os mais recentes defensores do realismo socialista que pensavam que o valor da arte residia em servir algum propósito moral ou didáctico. O conceito de “arte por causa da arte” continua a ser importante nas discussões contemporâneas de censura, e da natureza e significado da arte.

Arte por causa da arte

O conceito de que a arte não precisa de justificação, que não precisa de servir a nenhum propósito, e que a beleza das belas artes é razão suficiente para as perseguir foi adotado por muitos autores franceses importantes e na Inglaterra por Walter Pater, Oscar Wilde, Samuel Taylor Coleridge e Arthur Symons. O termo apareceu nas obras do pintor e crítico de arte francês Benjamin-Constant. Edgar Allan Poe (1809 – 1849), em seu ensaio “The Poetic Principle”, argumentou que:

Levamos na cabeça que escrever um poema simplesmente por causa do poema e reconhecer que este foi o nosso desígnio, seria confessarmo-nos radicalmente querendo na verdadeira dignidade poética e força:-mas o simples facto é que, se nos permitirmos olhar para as nossas almas, devemos imediatamente descobrir que debaixo do sol não existe nem pode existir nenhuma obra mais digna, mais supremamente nobre do que este poema, este poema em si, este poema que é um poema e nada mais, este poema escrito apenas por causa do poema.

O pintor americano James McNeill Whistler (1834 – 1903), que era avesso ao sentimentalismo na pintura, comentou que,

A arte deveria ser independente de toda a claptrap – deveria ficar sozinha e apelar ao sentido artístico do olho ou do ouvido, sem confundir isso com emoções totalmente estranhas a ele, como devoção, piedade, amor, patriotismo e afins. (citado na revista Smithsonian (Abr. 2006): 29)

Movimento Estético Inglês

O slogan “arte por causa da arte” está associado na história da arte inglesa e das letras com o Oxford don Walter Pater e os seus seguidores no Movimento Estético, que se rebelou conscientemente contra o moralismo vitoriano. Apareceu pela primeira vez em inglês em duas obras publicadas simultaneamente em 1868: Revisão de Pater da poesia de William Morris na Westminster Review e em William Blake por Algernon Charles Swinburne. Uma forma modificada da resenha de Pater apareceu em seus Studies in the History of the Renaissance (1873), um dos textos mais influentes do Movimento Estético. Em seus ensaios, Pater declarou que a vida tinha que ser vivida intensamente, seguindo um ideal de beleza.

Os artistas e escritores do Movimento Estético afirmaram que não havia conexão entre arte e moralidade, e tendiam a sustentar que as artes deveriam proporcionar prazer sensual refinado, ao invés de transmitir mensagens morais ou sentimentais. Eles não aceitavam a concepção utilitária da arte de John Ruskin e Matthew Arnold como algo moral ou útil. Eles acreditavam que a arte só precisava ser bela, e desenvolveram o culto à beleza. A vida deveria copiar a arte, e a natureza era considerada rude e carente de design quando comparada à arte. As principais características do movimento eram sugestão e não afirmação, sensualidade, uso extensivo de símbolos e efeitos sinestésicos (correspondência entre palavras, cores e música).

O conceito de “arte pela arte” teve um papel importante no único romance de Oscar Wilde, The Picture of Dorian Gray.

Art and the Industrial Revolution

O conceito de “arte pela arte” foi uma construção social européia e foi em grande parte um produto da Revolução Industrial. Em muitas culturas, a produção de imagens artísticas era uma prática religiosa. Na Europa medieval, a arte serviu principalmente para ornamentar igrejas e palácios até que a ascensão de uma classe média criou uma demanda por arte decorativa, ilustrações, retratos, paisagens e pinturas que documentassem como eram os objetos. A Revolução Industrial trouxe mudanças drásticas que criaram sérios problemas sociais, como a concentração de grande número de pessoas em favelas urbanas, o que levou as pessoas a questionar os valores tradicionais e a rejeitar o romantismo.

Enquanto os pintores acadêmicos do século XIX sentiam a obrigação de melhorar a sociedade, apresentando imagens que refletissem valores morais conservadores, exemplos de comportamento virtuoso e sentimentos cristãos, os modernistas exigiam liberdade para escolher seu tema e estilo de pintura. Eram críticos das instituições políticas e religiosas, que sentiam restringir a liberdade individual. Cada vez mais, os artistas buscavam a liberdade não apenas das regras da arte acadêmica, mas das exigências do público, e reivindicavam que a arte não deveria ser produzida para o bem do público, mas para o seu próprio bem. O conceito de “arte pela arte” era também um desafio aos valores conservadores da classe média, que ainda exigiam que a arte tivesse um significado ou um propósito, como instruir, moralizar ou encantar o espectador. Esses modernistas progressistas adotaram uma atitude antagônica em relação à sociedade e passaram a ser caracterizados como vanguardistas, aqueles que estavam na vanguarda de uma nova era de arte e cultura.

Pós-Modernismo e Arte por Amor à Arte

A Primeira Guerra Mundial significou um fracasso da tradição, e também demonstrou que o progresso científico e tecnológico não iria criar automaticamente um mundo melhor. Um novo movimento cultural, o Dadaismo, começou em Zurique, Suíça, durante a Primeira Guerra Mundial e atingiu o seu auge de 1916 a 1920. Os dadaístas declararam que a arte modernista também tinha falhado, e rejeitaram todos os padrões artísticos predominantes através de obras culturais anti-arte. O movimento dadaísta incluiu reuniões públicas, manifestações e a publicação de revistas de arte e literárias, e influenciou estilos e movimentos artísticos posteriores, tais como Surrealismo, Pop Art e Fluxus.

O conceito de “arte pela arte” continua a ser importante nas discussões contemporâneas sobre a censura e a natureza e significado da arte. A arte tem se tornado cada vez mais uma parte da vida pública, na forma de publicidade e de mídia impressa e cinematográfica que está disponível para todos os membros da sociedade. A animação por computador, o software de artes gráficas e outras novas tecnologias permitem a produção de arte que, embora ainda original, é produzida mecanicamente e não manualmente pelo artista. A arte performativa envolve a participação e a entrada de um público e está além do controle de um artista individual. Estes desenvolvimentos têm desencadeado debates sobre a definição e as exigências da “arte”, e o papel do artista na sociedade.

Patronagem das artes está cada vez mais nas mãos de instituições governamentais ou cívicas que têm uma obrigação para com a sociedade que servem, e que são controladas por funcionários e políticos que não são necessariamente capazes de apreciar a arte por si próprios, ou que podem ser conservadores. Isto levanta questões sobre se o governo tem o “direito” de impor restrições à expressão artística, ou de impor valores morais específicos. Se a liberdade artística requer independência econômica, é um privilégio dos ricos?

A versão latina do slogan, “ars gratia artis”, é usado como um slogan pela Metro-Goldwyn-Mayer e aparece na oval ao redor da cabeça rugindo de Leão, o Leão, em seu logotipo do filme.

Veja também

• Teoria crítica
• Walter Benjamin

Notas

• Bell-Villada, Gene H. 1996. Arte pela arte & vida literária: como a política e os mercados ajudaram a moldar a ideologia & cultura do esteticismo, 1790-1990. Lincoln: University of Nebraska Press. ISBN 0803212607
• Brookner, Anita. 2000. O romantismo e seus descontentamentos. Nova York: Farrar, Straus e Giroux. ISBN 0374251592
• Ellmann, Richard. 1969. Oscar Wilde; uma coleção de ensaios críticos. Englewood Cliffs, NJ: Prentice-Hall. ISBN 0139594787
• Pater, Walter, e Donald L. Hill. 1980. The Renaissance: studies in art and poetry: the 1893 text. Berkeley: Imprensa da Universidade da Califórnia. ISBN 0520033256
• Prideaux, Tom. 1970. O mundo de Whistler, 1834-1903. New York: Time-Life Books.

>

• Prettejohn, Elizabeth. 1999. After the Pre-Raphaelites: art and aestheticism in Victorian England. New Brunswick, NJ: Rutgers University Press. ISBN 0813527503
• Prettejohn, Elizabeth. 2007. Art for art’s sake: aestheticism in Victorian painting. New Haven: Imprensa da Universidade de Yale. ISBN 9780300135497
• Seiler, R. M. 1980. Walter Pater, a herança crítica. Londres: Routledge & Kegan Paul. ISBN 0710003803

Ligação externa

Todos os links recuperados a 15 de Abril de 2016.

>
• Encyclopedia Internet de entradas de Filosofia:
  • Crítica Ética da Arte.
  • Arte e Epistemologia.

Reciclopédia Geral de Filosofia

• Enciclopédia Stanford de Filosofia.
• A Enciclopédia de Filosofia da Internet.
• Projecto Paideia Online.
• Projecto Gutenberg.