Fagot
2007 Szkoły Wybór Wikipedii. Przedmioty pokrewne: Instrumenty muzyczne
A Fox Products bassoon.
Fagot to instrument dęty drewniany w rodzinie stroików podwójnych, który gra w zakresie tenorowym i poniżej. Nazywany jest również Fagott w języku niemieckim, fagotto w języku włoskim i basson w języku francuskim. W swojej nowoczesnej formie fagot pojawił się w 1800 roku i jest częścią literatury orkiestrowej, koncertowej i kameralnej. Jest znany z charakterystycznej barwy dźwięku, szerokiego zakresu, różnorodności charakteru i zwinności. Gracz na fagocie nazywany jest „fagocistą.”
Rozwój
Wczesna historia
Cymbały i rakiety, z Syntagma musicum Michała Praetoriusa.
Fagot rozwinął się ze swojego prekursora, najczęściej określanego jako dulciana, instrumentu drewnianego w całości. Używany i rozwijany w XVI wieku, aby dodać mocniejszy bas do orkiestry dętej składającej się wówczas głównie z szałamai i fletni Pana, początki dulcjanu są nieznane. Rozproszone dowody na jego powstanie istnieją w różnych miejscach i czasie, a niewiele wczesnych przykładów przetrwało. Ostatecznie było ośmiu członków rodziny dulcyanów o różnej wielkości, od sopranu do basu. Wczesny dulcjan miał wiele podobieństw do współczesnego fagotu: choć zazwyczaj zbudowany był z jednego kawałka drewna, a nie z sekcji, również składał się ze stożkowego otworu, który podwajał się u dołu, z zakrzywionym metalowym kancikiem prowadzącym od korpusu instrumentu do stroika. Podobnie jak współczesny instrument, był on często zbudowany z klonu, z grubymi ściankami umożliwiającymi ukośne nawiercanie otworów na palce, a jego dzwonek był lekko spłaszczony na końcu. Posiadał jednak tylko osiem otworów palcowych i dwa klawisze. Dulcian później ewoluował w curtal, który posiadał oddzielne przeguby, jak współczesny fagot, i zyskał dodatkowy klawisz.
Niektórzy muzykolodzy dwudziestego wieku uważali, że ten instrument, przypominający wiązkę patyków, otrzymał nazwę oznaczającą taki instrument, „fagotto”, w XVI-wiecznych Włoszech. Jednakże ta etymologia jest błędna: termin „fagotto” był w użyciu dla fagotu zanim słowo to zostało użyte dla „wiązki patyków”; ponadto, kiedy termin ten pojawił się po raz pierwszy, podobieństwo nie istniało, jako że instrument w tamtym czasie był wyrzeźbiony z jednego ciągłego bloku drewna (Jansen 1978). Pochodzenie tej nazwy jest więc tajemnicą. (Taniec również nazwany „fagot” datuje się na wiek wcześniej.) Instrument był konstruowany w formie złożonej na siebie, tak jak to jest do dziś (co dało mu nazwę w niektórych regionach „curtal”, jako że została ona znacznie skrócona). Angielska nazwa „bassoon” pochodzi od bardziej ogólnego terminu odnoszącego się do rejestru basowego dowolnego instrumentu, ale po wezwaniu Henry’ego Purcella do „bassoon” w Dioclesian (1690) odnoszącego się do drewnianego podwójnego stroika, słowo to zaczęło być używane w odniesieniu do tego instrumentu w szczególności.
Ewolucja wczesnego dulciana w nowoczesny fagot jest również bez dokładnego zapisu; dulcian był nadal używany do XVIII wieku (a w Hiszpanii do początku XX). Niemiecki obraz „Der Fagottspieler” w Muzeum w Suermondt, który naukowcy datują na koniec XVII wieku, przedstawia fagot w obecnej formie, a fagot z trzema klawiszami datowany jest na rok 1699. To właśnie holenderski budowniczy Coenraad Rijkel, tuż po przełomie XVIII i XVIII wieku, dodał klawisz G dla małego palca prawej ręki, co ustaliło pozycję ręki do obecnego standardu; wcześniej na instrumencie można było grać każdą ręką na wierzchu. Wczesny fagot rozkwitł w Holandii pod koniec XVII i na początku XVIII wieku, gdzie ponad pół tuzina wybitnych producentów instrumentów dętych drewnianych rozwinęło ten instrument. Dziś przetrwały tylko trzydzieści trzy fagoty z tej epoki.
Historia współczesna
Wzrastające wymagania co do możliwości instrumentów i graczy w 1800 roku – szczególnie sale koncertowe wymagające głośniejszych dźwięków i wzrost liczby wirtuozów-kompozytorów-wykonawców – pobudziły dalsze udoskonalanie fagotu. Zwiększone wyrafinowanie zarówno w technikach produkcji jak i wiedzy akustycznej umożliwiło wielkie ulepszenia w grywalności instrumentu.
Nowożytny fagot istnieje w dwóch odrębnych formach podstawowych, systemie Buffeta i systemie Heckela. System Buffet jest grany głównie we Francji, ale także w Belgii i części Ameryki Łacińskiej, podczas gdy system Heckel jest grany w większości krajów świata.
System Heckela
Fagot systemu Heckela z 1870 roku
Konstrukcja współczesnego fagotu zawdzięcza wiele wykonawcy, nauczycielowi i kompozytorowi Carlowi Almenräderowi, który z pomocą niemieckiego badacza akustyki Gottfrieda Webera opracował 17-klawiszowy fagot, którego zakres obejmował cztery oktawy. Udoskonalanie fagotu przez Almenrädera rozpoczęło się od traktatu z 1823 roku, w którym opisał sposoby poprawy intonacji, reakcji i technicznej łatwości gry poprzez powiększanie i zmianę układu kluczy; kolejne artykuły rozwijały jego pomysły. Praca w fabryce Schotta umożliwiła mu konstruowanie i testowanie instrumentów według tych nowych wzorów, a wyniki tych badań były publikowane w czasopiśmie domowym Schotta „Caecilia”; Almenräder publikował i budował instrumenty aż do śmierci w 1843 roku, a sam Ludwig van Beethoven po zapoznaniu się z referatami zażyczył sobie jeden z nowo wyprodukowanych instrumentów. W 1831 roku Almenräder opuścił firmę Schott i wraz z J.A. Heckelem założył własną fabrykę.
Heckel i dwa pokolenia jego potomków kontynuowały prace nad udoskonalaniem fagotu i to właśnie ich instrumenty stały się standardem dla innych producentów instrumentów. Ze względu na najwyższą jakość śpiewnego tonu (poprawa jednej z głównych wad instrumentów Almenräder), instrumenty Heckela konkurowały o prymat z zreformowanym systemem Wienera, fagotem w stylu Boehm’a oraz całkowicie kluczowym instrumentem opracowanym przez C.J. Sax’a, ojca Adolphe’a Sax’a. Jedna późna próba, z 1893 roku, z logicznie zreformowanym systemem palcowania została wdrożona przez F.W. Kruspe, ale nie znalazła uznania. Inne próby ulepszenia instrumentu obejmowały 24-klawiszowy model i ustnik z pojedynczym trzciną, ale obie miały negatywny wpływ na charakterystyczny ton fagotu i zostały porzucone.
Na początku XX wieku niemiecki model fagotu w stylu Heckela zdominował pole; sam Heckel wykonał ponad 4000 instrumentów na przełomie wieków, a instrumenty angielskich producentów nie były już pożądane dla zmieniających się wymagań wysokościowych orkiestry symfonicznej, pozostając głównie w użyciu w orkiestrach wojskowych.
Dzisiaj fabryka Heckel kontynuuje produkcję instrumentów (po krótkiej konwersji w czasie wojny w 1940 roku do produkcji na łożyskach kulkowych), a fagoty Heckel są uważane przez wielu za najlepsze, chociaż istnieje szereg różnych producentów, wszyscy z różnymi modyfikacjami do swoich fagotów. Firmy, które produkują fagoty to (między innymi): Heckel, Yamaha, Fox Products, Schreiber, Püchner, Signet, Moosmann, Kohlert, B.H. Bell i Guntram Wolf. Istnieje również kilku mniejszych producentów fagotów, którzy produkują specjalne instrumenty na specjalne potrzeby. W latach 60-tych Anglik Giles Brindley rozpoczął wstępny rozwój tego, co nazwał „logicznym” fagotem, który miał na celu poprawę intonacji i równomierności tonu poprzez użycie elektrycznie aktywowanych kombinacji klawiszy, które były zbyt skomplikowane do opanowania przez ludzką rękę. System Buffeta
Fagot systemu Buffeta, który ustabilizował się nieco wcześniej niż Heckel, rozwinął się w bardziej konserwatywny sposób. Podczas gdy rozwój fagotu Heckela może być scharakteryzowany jako całkowita przebudowa instrumentu zarówno pod względem akustyki jak i budowy klucza, system Buffeta skupiał się głównie na stopniowym ulepszaniu budowy klucza. To mniej radykalne podejście pozbawia fagot systemu Buffeta lepszej konsystencji, a co za tym idzie łatwości obsługi i zwiększonej mocy, którą można znaleźć w fagotach Heckela, ale system Buffeta jest uważany przez niektórych za bardziej wokalny i ekspresyjny. (Dyrygent John Foulds w 1934 roku ubolewał nad dominacją fagotu w stylu Heckel, uważając je za zbyt jednolite w brzmieniu z rogiem.)
W porównaniu z fagotem Heckel, fagoty systemu Buffet mają węższy otwór i różniące się klucze; instrumenty Buffet znane są z bardziej trzcinowego dźwięku i większej łatwości w górnych rejestrach, osiągając e” i f” z dużo większą łatwością i mniejszym ciśnieniem powietrza. Chociaż jest to szczególnie pożądane w niektórych rodzajach muzyki (francuscy muzycy dęci drewniani tradycyjnie wydają jaśniejszy i bardziej reedycyjny dźwięk niż jest to typowe w innych krajach), bardziej reedycyjny dźwięk czasami był krytykowany jako zbyt charakterystyczny. Jak w przypadku wszystkich fagotów, brzmienie różni się znacząco w zależności od instrumentu i wykonawcy. System Heckela może brzmieć raczej sztywno i drzewnie, ale dobrzy gracze starają się i zazwyczaj udaje im się wydobyć ciepły, śpiewny ton. System Buffeta może brzmieć chropowato, ale wielu dobrych muzyków stara się i zazwyczaj udaje im się wydobyć ciepły, ekspresyjny dźwięk, który nie jest w najmniejszym stopniu chropowaty.
Choć system francuski był kiedyś szeroko preferowany w Anglii, instrumenty Buffeta nie są już tam produkowane, a ostatni wybitny angielski gracz systemu francuskiego przeszedł na emeryturę w latach 80-tych. Jednakże, z jego ciągłym użyciem w niektórych regionach i jego charakterystycznym tonem, Buffet nadal ma swoje miejsce w nowoczesnej grze na fagocie, szczególnie we Francji. Fagoty typu Buffet są obecnie produkowane w Paryżu przez firmy Buffet-Crampon i Selmer, a wielu innych producentów wytwarza repliki tych instrumentów. Niektórzy gracze, np. Gerald Corey w Kanadzie, nauczyli się grać na obu typach fagotów i używają ich naprzemiennie w zależności od wykonywanego repertuaru.
Budowa i charakterystyka
Części fagotu
Zakres gry na fagocie
( posłuchaj )
Współczesny fagot jest generalnie wykonany z klonu, przy czym preferowane są gatunki o średniej twardości, takie jak klon jaworowy i klon cukrowy. Mniej kosztowne modele są również wykonane z materiałów takich jak polipropylen i ebonit, głównie do użytku studenckiego i na zewnątrz; metalowe fagoty były wykonane w przeszłości, ale nie były w produkcji przez żadnego głównego producenta od 1889 roku. Otwór instrumentu jest stożkowy, podobnie jak w oboju i saksofonie, a spód instrumentu łączy się z otworem pośrodku za pomocą metalowego łącznika w kształcie litery „u”. Zarówno otwór jak i otwory są precyzyjnie obrobione, a każdy instrument jest wykańczany ręcznie w celu prawidłowego strojenia. Ścianki instrumentu są na tyle grube, że otwory na palce są wywiercone ukośnie, aby ułatwić palcowanie, a drewniane instrumenty są wyłożone twardą gumową okładziną wzdłuż wewnętrznej strony skrzydełek i przegubów, aby zapobiec uszkodzeniom spowodowanym wilgocią przy intensywnej grze; drewniane instrumenty są również bejcowane i lakierowane. Górna część dzwonu jest często zakończona pierścieniem, często wykonanym z tworzywa sztucznego lub kości słoniowej. Połączenia między nimi są owijane korkiem lub sznurkiem, aby ułatwić uszczelnienie przed przeciekami powietrza. Bocal, który jest włożony do górnej części stawu skrzydła i ma jeden koniec owinięty w korku do uszczelnienia, może być w wielu różnych długościach, w zależności od pożądanego tuning.
Złożone na siebie, fagot stoi 134 cm (4,4 stopy) wysokości, ale całkowita długość jest 254 cm (około 8,3 stopy). Granie jest ułatwione przez podwojenie rury z powrotem na siebie i przez zamknięcie odległości między szeroko rozmieszczonymi otworami za pomocą skomplikowanego systemu klawiszy, który rozciąga się przez prawie całą długość instrumentu. Istnieją również fagoty o krótkim zasięgu wykonane z myślą o młodych lub drobnych graczach.
Bassooniści muszą nauczyć się trzech różnych kluczy: Bass (przede wszystkim), Tenor, i Treble. Zakres fagotu zaczyna się od B-flat1 (pierwszy poniżej basu staff) i rozciąga się w górę przez trzy oktawy (mniej więcej do G na treble staff). Wyższe dźwięki są możliwe, ale trudne do wykonania i rzadko wywoływane; partie orkiestrowe rzadko sięgają wyżej niż do C lub D, nawet słynne trudne solo otwierające Święto wiosny Strawińskiego wznosi się tylko do D. Niskie A na dole zakresu jest możliwe tylko dzięki specjalnemu rozszerzeniu instrumentu; ponieważ jego użycie uniemożliwia zagranie najniższego B i wpływa na intonację niższych dźwięków, rzadko jest wywoływane. Ostatni akord Kwintetu na instrumenty dęte Carla Nielsena z 1922 roku zawiera opcjonalne niskie A, a Gustav Mahler czasami używa go w swoich symfoniach. Często zamiast specjalnie wykonanej przedłużki stosuje się papierową rurkę lub dzwonek rogu angielskiego umieszczony w dzwonie fagotu. Inną często spotykaną alternatywą jest użycie dzwonka klarnetu. Plastikowy tailpiece od sklepu zaopatrzenia hydraulicznego został również used.
Usage w zespołach
Nowoczesne zespoły
Nowoczesna orkiestra symfoniczna zazwyczaj wzywa do dwóch fagotów, często z trzecim grając contrabassoon. (Pierwszym utworem napisanym z niezależną partią kontrabasu była V Symfonia Beethovena, chociaż Pasja wg św. Jana Bacha i utwór Mozarta wymagały „dużego fagotu” i były napisane poniżej zakresu współczesnego fagotu). Niektóre utwory wymagają udziału czterech lub więcej muzyków. Pierwszy z nich jest często wzywany do wykonywania pasaży solowych. Charakterystyczny ton fagotu nadaje się zarówno do śpiewnych, lirycznych solówek, takich jak w Bolero Ravela, jak i bardziej komicznych, np. temat dziadka w Piotrusiu i wilku. Jego zwinność jest odpowiednia do takich pasaży jak słynna linia biegnąca (podwojona w altówkach) w uwerturze do Wesela Figara. Oprócz roli solowej, fagot jest skutecznym basem dla chóru instrumentów dętych drewnianych, linią basową wraz z wiolonczelami i kontrabasami oraz wsparciem harmonicznym wraz z rogami francuskimi.
Zespół instrumentów dętych zazwyczaj zawiera również dwa fagoty i czasami kontra, każdy z niezależnymi partiami; inne rodzaje koncertowych zespołów instrumentów dętych często mają większe sekcje, z wieloma graczami na każdej z pierwszych lub drugich części; w prostszych aranżacjach będzie tylko jedna partia fagotu i brak kontra. Rola fagotu w orkiestrze dętej jest podobna do jego roli w orkiestrze, chociaż przy gęstej punktacji często nie jest słyszalny ponad instrumentami dętymi blaszanymi, które również znajdują się w jego zakresie. W La Fiesta Mexicana, autorstwa H. Owena Reeda, instrument ten zajmuje poczesne miejsce, podobnie jak w transkrypcji Czterech tańców szkockich Malcolma Arnolda, która stała się podstawą repertuaru orkiestry koncertowej.
Fagot jest również częścią standardowego instrumentarium kwintetu dętego, wraz z fletem, obojem, klarnetem i rogiem; jest również często łączony na różne sposoby z innymi dętymi drewnianymi. Richard Strauss „Duet-Concertino” pary go z klarnetem jako instrumenty concertante, z orkiestrą smyczkową w support.
Kwartet fagotowy zyskał również przychylność w ostatnich czasach, z Bubonic Bassoon Quartet jest jednym z bardziej godnych uwagi grup. Szeroki zakres fagotu i różnorodność barw dźwięku sprawiają, że idealnie nadaje się on do łączenia w zespoły instrumentów podobnych. Peter Schickele „Last Tango in Bayreuth” (po tematów z Tristan i Izolda) jest popularny utwór; fikcyjne alter ego Schickele P. D. Q. Bach wykorzystuje bardziej humorystyczne aspekty z jego kwartetu „Lip My Reeds”, który w pewnym momencie wzywa graczy do wykonywania na trzcinie alone.
Wcześniejsze zespoły
Zastosowanie fagotu we wczesnej orkiestrze symfonicznej było wyłącznie jako instrument continuo. Barokowy kompozytor Jean-Baptiste Lully i jego Les Petits Violons zawierał oboje i fagoty wraz ze smyczkami w 16-częściowym (później 21-częściowym) zespole, jako jedna z pierwszych orkiestr, które zawierały instrumenty dęte. Antonio Cesti włączył fagot do swojej opery Pomo d’oro z 1668 roku. Jednakże użycie fagotu w orkiestrze koncertowej było sporadyczne aż do końca XVII wieku, kiedy to instrumenty dęte zaczęły wchodzić do standardowego instrumentarium, głównie z powodu ulepszeń w konstrukcji instrumentów dętych, które poprawiły problemy ze strojeniem i dały im większą zdolność do gry chromatycznej (co z łatwością mogły robić smyczki bez strun). Fagot został wprowadzony jako stały członek orkiestry symfonicznej jako część basso continuo wraz z wiolonczelami i altówkami basowymi; uzupełniał również chóry instrumentów dętych w orkiestrach operowych, najpierw we Francji, a następnie we Włoszech. Johann Stamitz i jego symfonie dał dęte nieco więcej niezależności przez scoring je do koloru orkiestry, a nie ścisłego dublowania, ale nadal fagot nie był używany jako niezależny instrument melodyczny.
Antonio Vivaldi przyniósł fagot do znaczenia przez włączenie go w 37 koncertów na instrument. Wczesna orkiestra klasyczna zawierała fagot, to znowu tylko wypełnienie continuo i często nie wspomniane w partyturze. Symfonia na fagoty jako w pełni niezależne partie, a nie tylko dublerzy, pojawiła się dopiero w późniejszym okresie epoki klasycznej. Symfonia Jowiszowa Mozarta jest tego najlepszym przykładem, z jej słynnym fagotowym solo. Fagoty były zazwyczaj sparowane, jak w obecnej praktyce, choć słynna Orkiestra z Mannheim posiadała cztery.
Technika
Fagot jest trzymany ukośnie przed graczem i nie może być łatwo wspierany przez ręce gracza sam. Najbardziej powszechne środki wsparcia są albo paskiem na szyję lub uprzężą na ramię przymocowaną do górnej części przegubu biodrowego, lub paskiem przymocowanym do podstawy przegubu biodrowego, który przypina się do krzesła lub jest podtrzymywany przez ciężar gracza. Bardziej nietypowo, kolec podobny do tych używanych dla wiolonczeli lub klarnetu basowego jest przymocowany do dolnej części przegubu kolanowego.
Fagot systemu Heckela jest grany obiema rękami w pozycji nieruchomej, z sześcioma głównymi otworami palcowymi z przodu instrumentu (niektóre z nich są otwarte, a niektóre z nich są wspomagane przez klucz). Również z przodu instrumentu znajduje się kilka dodatkowych klawiszy, które mogą być kontrolowane przez palce wskazujące każdej ręki. Tył instrumentu posiada kilkanaście klawiszy, które mogą być kontrolowane przez kciuk (dokładna liczba zależy od modelu).
Pomimo, że instrumenty są skonstruowane tak, aby mieć dokładną wysokość dźwięku w całej skali, gracz ma duży stopień elastyczności w kontroli wysokości dźwięku poprzez użycie wsparcia oddechu i embouchure. Gracze są również w stanie wykorzystać alternatywne palcowanie, aby dostosować wysokość najczęściej granych nut.
Rozszerzone techniki
Wiele rozszerzonych technik może być wykonywanych na fagocie, takich jak multifonia, trzepoczący język, okrężne oddychanie i harmonie.
Stroiki i budowa stroików
Współczesny stroik
Stroiki fagotowe mają zaledwie kilka centymetrów długości i często są owinięte kolorowym sznurkiem.
Stroiki fagotowe, wykonane z trzciny Arundo donax, są zazwyczaj wykonywane przez samych graczy. Stroiki zaczynają się od kawałka trzciny, który został pozostawiony do wyschnięcia. Następnie trzcina jest cięta i żłobiona w gładkie paski, pozostawiając korę. Po namoczeniu, paski trzciny są cięte na pożądaną grubość, czyli profilowane. Można to zrobić ręcznie; częściej robi się to za pomocą maszyny lub narzędzia przeznaczonego do tego celu. Następnie przycina się ją do odpowiedniego konturu, czyli kształtuje. Upewniając się, że trzcina jest dokładnie namoczona, aby uniknąć pęknięć, wyprofilowany i uformowany pasek trzciny jest składany na środku. Zewnętrzne krawędzie, na których po profilowaniu pozostaje kora, zabezpiecza się trzema zwojami drutu w odległości 2 mm i 8 mm od początku ostrza oraz 6 mm od dołu. Płaski kawałek trzciny umieszcza się na długim, cienkim trzpieniu i mocno dociska dookoła, aby uformować go w odpowiedni kształt, aż dno trzciny będzie wystarczająco zaokrąglone, aby bezpiecznie zmieścić się na końcu bocalu.
Po wysuszeniu trzciny, druty są zaciśnięte wokół trzciny, która skurczyła się po wysuszeniu. Dolna część jest uszczelniana (zazwyczaj za pomocą gumowego cementu lub epoksydu), a następnie owijana sznurkiem, aby zapewnić, że powietrze nie wydostanie się na zewnątrz przez dno stroika i że stroik zachowa swój kształt.
Aby wykończyć stroik, najpierw odcina się końcówkę (wcześniej środek paska trzciny), tak aby ostrza nad korą miały około 27 mm długości. Stroik jest następnie skrobany nożem aż do uzyskania właściwego profilu, w którym cienka końcówka prowadzi do grubszej części tylnej, a „kręgosłup” idący wzdłuż środka jest również gruby. Konkretne wymiary różnią się w zależności od gracza i instrumentu. Sam czubek ostrza stroika ma często tylko 0.1 mm grubości.
Jako że styl stroika różni się bardzo w zależności od gracza, większość zaawansowanych graczy będzie robić własne stroiki w celu dostosowania ich do ich indywidualnego stylu gry, i prawie wszyscy będą zaznajomieni z procesem robienia jednego. Jednakże, kilka firm oferuje wstępnie wykonane stroiki, a kilka osób również produkuje stroiki na sprzedaż, niektórzy specjalizują się w tym nad grą.
Wczesny stroik
Niewiele wiadomo o wczesnej konstrukcji stroika fagotowego, ponieważ niewiele przykładów przetrwało, a wiele z tego co wiadomo jest tylko tym co można zebrać z artystycznych przedstawień. Najwcześniejsze znane pisemne instrukcje pochodzą z połowy XVII wieku, opisując stroik jako utrzymywany razem przez drut lub żywiczną nić; najwcześniejsze rzeczywiste stroiki, które przetrwały są o ponad wiek młodsze, kolekcja 21 stroików z końca XVIII wieku hiszpańskiego bajonu.
Fagot w jazzie
Fagot jest rzadko używany jako instrument jazzowy i rzadko widziany w zespole jazzowym. Po raz pierwszy zaczął pojawiać się w ogóle w latach 20-tych, w tym konkretne wezwania do jego wykorzystania w grupie Paula Whitemana i kilka innych występów sesyjnych. W następnych dekadach instrument ten był używany sporadycznie, ponieważ jazz symfoniczny wypadł z łask, ale w latach 60. artyści tacy jak Yusef Lateef i Chick Corea włączyli fagot do swoich nagrań; różnorodne i eklektyczne instrumentarium Lateefa widziało fagot jako naturalny dodatek, podczas gdy Corea używał fagotu w połączeniu z flecistą Hubertem Lawsem. Niedawno Illinois Jacquet i Frank Tiberi, poza swoimi zwykłymi występami na saksofonie, podwoili swoje umiejętności gry na fagocie. Fagocistka Karen Borca, wykonawczyni free jazzu, jest jednym z niewielu muzyków jazzowych, którzy grają wyłącznie na fagocie; Michael Rabinowitz, hiszpański fagocista Javier Abad i James Lassen, Amerykanin mieszkający w Bergen w Norwegii, to inni. Lindsay Cooper, Paul Hanson i Daniel Smith również używają obecnie fagotu w jazzie. Francuscy fagociści Jean-Jacques Decreux i Alexandre Ouzounoff nagrywali jazz, wykorzystując elastyczność instrumentu systemu Buffet do dobrego efektu.
Fagot w sztuce i literaturze
L’orchestre de l’opéra, obraz Edgara Degasa, 1870
Wiele z wczesnej historii fagotu jest znanych dzięki jego reprezentacji w malarstwie; jedyne źródło opisu wczesnego stroika fagotowego, na przykład, znajduje się na obrazach z późnej XVI-wiecznej Hiszpanii.
Był również obraz wykonany przez Edgara Degas w 1870 roku, zwany „L’orcheste de l’opéra” („The Orchestra of the Opera”, znany również jako „In the Orchestra Pit”), przedstawia fagocistę w orkiestrze wśród kilku innych członków orkiestry.
Koncerty i inna literatura orkiestrowa
Barok
- Antonio Vivaldi napisał 37 koncertów na fagot
- Georg Philipp Telemann Sonata f-moll
Klasyczna
- Johann Christian Bach, Koncert fagotowy B-dur, Koncert fagotowy Es-dur
- Johann Nepomuk Hummel, Koncert fagotowy F, W75
- Wolfgang Amadeus Mozart, Koncert fagotowy B-dur, K191
- Carl Stamitz, Koncert fagotowy F-dur
- Johann Baptist Vanhal, Fagot C-dur, Koncert F-dur na dwa fagoty i orkiestrę
Romantyczny
- Carl Maria von Weber, Andante e rondo ungarese c-moll, op. 35; Koncert fagotowy in F, op. 75
- Camille Saint-Saëns, Sonata na fagot i fortepian G-dur, op. 168
Współczesny
- Luciano Berio, Sequenza XII na fagot (1995)
- Edward Elgar, Romance for Bassoon and Orchestra, op. 62
- Alvin Etler, Sonata na fagot i fortepian
- Hindemith, Sonata na fagot i fortepian (1938)
- Gordon Jacob, Concerto for Bassoon, Strings and Percussion, Four Sketches for Bassoon, Partita for Bassoon
- Francesco Mignone, Double Bassoon Sonata, 14 valses for Bassoon
- Willson Osborne, Rhapsody for Bassoon
- John Steinmetz, Sonata for Bassoon and Piano
- Richard Strauss, Duet Concertino for Clarinet and Bassoon with strings and harp (1948)
- John Williams, The Five Sacred Trees: Koncert na fagot i orkiestrę (1997)
- Richard Wilson, Profound Utterances (1984) i Koncert fagotowy (1983)
Słynne fragmenty orkiestrowe
- Béla Bartók, Koncert na orkiestrę; w drugiej części instrumenty dęte drewniane występują w parach, poczynając od fagotów, a rekapitulacja ich duetu dodaje trzeci instrument grający kontrmelodię staccato.
- Ludwig van Beethoven, IV Symfonia Bb-dur
- Ludwig van Beethoven, IX Symfonia d-moll, ostatnia część
- Hector Berlioz, Symphonie Fantastique (W czwartej części znajduje się kilka solowych i tutti fagotowych pasaży. Ten utwór wymaga czterech fagotów.)
- Paul Dukas, The Sorcerer’s Apprentice, powszechnie uznany za wykorzystany w filmie Fantazja
- Edvard Grieg, In the Hall of the Mountain King
- Carl Orff, Carmina Burana
- Siergiej Prokofiew, Piotruś i Wilk (prawdopodobnie najbardziej rozpoznawalny temat fagotu, partia dziadka)
- Maurice Ravel, Rapsodie Espagnole (zawiera szybką, długą podwójną kadencję pod koniec pierwszej części)
- Maurice Ravel, Boléro (fagot ma wysoki opadający pasaż solowy w pobliżu początku)
- Maurice Ravel, Koncert fortepianowy G-dur
- Nikołaj Rimski-Korsakow, Scheherazade, druga część
- Dmitrij Szostakowicz, kilka symfonii, w tym nr 1, 4, 5, 8, & 9
- Jean Sibelius, II Symfonia D-dur
- Jean Sibelius, V Symfonia Eb-dur
- Igor Strawiński, Święto wiosny (otwiera je słynne, niekonwencjonalne solo fagotu)
- Igor Strawiński, kołysanka z Ognistego ptaka
- Igor Strawiński, Symfonie instrumentów dętych (mniej znana, ale równie wysoka i trudna jak Święto wiosny)
- Piotr Iljicz Czajkowski, IV Symfonia f-moll
- Piotr Iljicz Czajkowski, V Symfonia e-moll
- Pyotr Ilyich Tchaikovsky, VI Symfonia h-moll
Notable bassoonists
- Etienne Ozi (1754-1813): kompozytor, pedagog
- Carl Almenräder (1786-1843): konstruktor instrumentów, kompozytor
- Louis Marie Eugène Jancourt (1815-1900): kompozytor, pedagog, konstruktor instrumentów
- Julius Weissenborn (1837-1888): kompozytor, pedagog
- Archie Camden (1888-1979): pedagog
- Simon Kovar (1890-1970): aranżer, pedagog
- Sol Schoenbach (1915-1999): pedagog, dyrektor Philadelphia Orchestra poprzedzający Bernarda Garfielda
- Leonard Sharrow (1915-2004): pedagog, dyrektor Chicago Symphony Orchestra, 1951-1964
- Maurice Allard (1923-): aranżer
- Sherman Walt (1923-1989): pedagog, dyrektor Boston Symphony Orchestra 1951-1989.
- Mordechai Rechtman (1925-): pedagog, aranżer, dyrygent, dyrektor Israel Philharmonic przez 45 lat
- Bernard Garfield (1928-): pedagog, dyrektor Philadelphia Orchestra 1957-2000.
- William Waterhouse (1931-): pedagog, Royal Northern College of Music, oraz dyrektor różnych orkiestr londyńskich w latach 1955-1975
- Walter Ritchie (1936-): pedagog, Los Angeles Philharmonic Orchestra
- Judith LeClair (1958-): pedagog, New York Philharmonic principal
- Benjamin Kamins: pedagog, Houston Symphony principal 1981-2003
- David McGill: Chicago Symphony Orchestra principal, Cleveland Orchestra principal 1988-1997
- Frank Morelli: New York City Opera Orpheus Chamber Orchestra American Composer’s Orchestra Brooklyn Philharmonic principal, gra w Windscape, nauczyciel The Juilliard School SUNY Stonybrook Yale The Manhattan School of Music
- Christopher Millard: pedagog, solista, nauczyciel Ottawa University, National Arts Centre Orchestra, wcześniej w CBC Vancouver Orchestra
- Klaus Thunemann pedagog, solista, Orkiestra Symfoniczna Radia Północnoniemieckiego, były główny
- Dag Jensen (1964-) pedagog, solista, Orkiestra Symfoniczna WDR w Kolonii, były główny
- Sergio Azzolini pedagog, solista, fagocista barokowy, dyrygent
- Christopher Weait pedagog, nauczyciel The Ohio State University (1984-2006), były dyrektor Toronto Symphony Orchestra
- Arthur Weisberg pedagog, nauczyciel Jacobs School of Music
- Norman Harvey Herzberg (1916-) Wybitny pedagog, konstruktor urządzeń do produkcji stroików. Mistrz kompozycji Paula Hindemitha
- Fernando Traba nauczyciel, dyrektor Florida West Coast Symphony