Animuj zdjęcia do wideo: Sekret kinestasis, 2,5D i paralaksy
Film złożony z samych zdjęć? Na początku brzmi to nudno. Albo nudne. 2.5D i paralaksa to sekret, jak animować zdjęcia i tworzyć niezwykle atrakcyjne filmy z nieruchomych obrazów, które mogą konkurować z każdym wideo obrazkowym i produktowym.
Oczywiście, możesz przeciągnąć zdjęcia na oś czasu podczas edycji i stworzyć z nich animowany pokaz slajdów. Ale nie o tym tutaj mówimy! Ten artykuł pokaże Ci, jak tworzyć bardzo atrakcyjne filmy ze zdjęć.
Musisz wiedzieć, że:
- Wejście równa się wyjście. Niezależnie od tego, jak genialnie wdrożysz wskazówki i triki z tego artykułu, nie da się zrobić świetnego filmu z niezadowalających zdjęć.
- Film i wideo zawsze oznaczają ruch. Dlatego nie możesz uniknąć tego faktu, używając zdjęć jako materiału źródłowego – ale wykonujesz ruchy obrazu w inny sposób.
- Profesjonaliści mówią o 2,5D i paralaksie. Powstały rodzaj filmu jest również znany pod technicznym terminem kinestasis.
Dlaczego warto animować zdjęcia?
Istnieje wiele powodów, dla których warto stworzyć wideo lub film produktowy z wykorzystaniem zdjęć. Czy to dlatego, że zdjęcia są już dostępne, czy też, jak w przypadku zdjęć historycznych, nie ma nagrań wideo.
Przykład animacji zdjęć
Albo dlatego, że Twój klient potrzebuje wysokiej jakości zdjęć do swoich celów, co zazwyczaj nie jest możliwe w przypadku nagrań wideo. Nie z powodów technicznych, ale dlatego, że inscenizacja wideo różni się od fotografii.
Ponieważ w przeciwieństwie do filmu, fotograf może skupić się na pojedynczym obrazie – podczas gdy w przypadku filmu, sekwencje ruchu prawie zawsze dominują. Jeśli nie chcesz ruchu, możesz również powiesić zdjęcie w ramce na ścianie.
Oprogramowanie i wiedza jako warunek wstępny
Wskazówki i triki opisane poniżej wymagają dwóch rzeczy
- Po pierwsze, oprogramowania do cyfrowego przetwarzania obrazu, takiego jak to dostępne w firmie Adobe.
- Po drugie, umiejętności użytkownika, które przeciętny fotograf lub montażysta wideo zazwyczaj już posiada.
W szczególności powinieneś posiadać dogłębną podstawową wiedzę na temat programów Photoshop i Adobe After Effects.
Jak animować zdjęcia: Podstawowa zasada
Człowiek żyje i porusza się w przestrzeni trójwymiarowej. Ten fakt jest już uwzględniony przez ruchome obrazy w 2-D. Nie pokazują one głębi przestrzeni w intensywności filmu nakręconego w 3D. Ale już ujęcie dwuwymiarowe, w którym kamera nie jest statyczna, pokazuje przestrzenność.
Przy każdym ruchu kamery pierwszy plan, środek i tło obrazu przesuwają się inaczej. Jeśli kamera mija osobę, tło przesuwa się znacznie wolniej niż osoba na pierwszym planie. Podobna sytuacja ma miejsce przy ruchu kamery w kierunku aktora.
Różne tempa przesuwania tła i pierwszego planu:
Wynika z tego, że jeśli ten „efekt przesunięcia” można zasymulować za pomocą cyfrowego przetwarzania obrazu, zdjęcie nagle staje się obrazem przypominającym film.
Wymagania dotyczące fotograficznego materiału źródłowego dla 2.5D
Zdjęcie o co najmniej takiej liczbie pikseli jak format końcowy planowany dla Twojego filmu jako podstawa do dalszych kroków musi być dla Ciebie oczywistością. Musisz pamiętać, że możesz również chcieć powiększyć zdjęcie. Bez odpowiedniej rozdzielczości obrazu nie jest to możliwe. Jako zasada: zdjęcie, z którego chcesz zrobić wideo, nigdy nie może być wystarczająco duże.
Nie mniej ważna jest kompozycja obrazu. Od „płaskiego” zdjęcia, przez co rozumiem takie, gdzie pierwszy plan i tło są po prostu nieobecne, powinieneś trzymać ręce z daleka. Nic dobrego nie może powstać z niczego.
Najprostszym sposobem jest narysowanie znikających linii bezpośrednio na zdjęciu, zanim zaczniesz edytować je za pomocą prowadnic (lub ręcznie na wydruku zdjęcia). Wyobraź sobie, że zdjęcie zostało zrobione w korytarzu. Który punkt jest najbardziej wysunięty do przodu? Co na zdjęciu znajdowałoby się na samym końcu? W ten sposób od razu widać, jak bardzo różnią się płaszczyzny głębi.
Oczywiście zawartość obrazu musi być zgodna z Twoim filmem. Nie trochę, ale tak jakbyś miał do czynienia z prawdziwym filmem. To obejmuje również pytania, czy obraz może być podzielony na wystarczająco dużo ustawień. I czy treść obrazu jest wystarczająco bogata, aby opowiedzieć ją w filmie.
Uczenie się:
- Jeśli masz do dyspozycji tylko zdjęcia, które nie są przekonujące pod względem perspektywy lub których treść obrazu można wyjaśnić w ułamku sekundy, lepiej nie próbuj tworzyć wideo z tych zdjęć.
- Nawet nieruchome zdjęcia, na których od razu widać, że warstwy nigdy nie będą w stanie się później prawidłowo rozdzielić, na przykład z powodu rozmytych krawędzi, nie nadają się do animacji zdjęć.
Animowane zdjęcia: 2.5D i efekt paralaksy
Efekt paralaksy przeżywał swój pierwszy rozkwit w grach wideo. W końcu chodziło i nadal chodzi o to, by dostarczyć graczowi wrażeń jak najbardziej zbliżonych do rzeczywistości w czasie rzeczywistym. Wymaga to komputerowo generowanych obrazów z efektem głębi. Aby optymalnie wykorzystać moc obliczeniową kart graficznych, wymyślono tzw. zasadę 2,5D. Jej nazwa wzięła się stąd, że uzyskany w ten sposób efekt może nie wygląda całkowicie jak obraz trójwymiarowy, ale jest do niego zbliżony.
Filmy wideo ze zdjęć wykorzystują tę samą zasadę. Jednak w przeciwieństwie do gier wideo, warstwy obrazu nie istnieją już oddzielnie jako animacja cyfrowa, więc muszą być najpierw wyodrębnione ze zdjęcia.
Aby to zrobić, wystarczy wyciąć pierwszy plan ze zdjęcia i stworzyć z niego oddzielną warstwę. Najprostszym sposobem jest podzielenie zdjęcia o wysokiej rozdzielczości na pożądane warstwy w Photoshopie, a następnie animowanie ich w Adobe After Effects.
Tutorial wideo (tutaj z pełną edycją w Photoshopie)
Jeśli chcesz, możesz pójść o krok dalej i podzielić zdjęcie na więcej niż tylko pierwszy plan i tło. Im więcej warstw, tym większy i bardziej realistyczny jest efekt głębi uzyskany dzięki cyfrowo zastosowanemu późniejszemu ruchowi.
Oczywiście, to działa tylko wtedy, gdy zawsze i ściśle wyrównujesz warstwy obrazu z punktem znikającym. Co jest na pierwszym planie obrazu nigdy nie należy do tła. W przeciwnym razie otrzymasz niezwykle irytujący obraz, który może służyć jedynie jako ilustracja stanów upojenia alkoholowego.
Jasne: jeśli nie rozdzielisz starannie warstw, czy to z braku czasu, czy wiedzy, zniszczysz iluzję.
Integrowanie zdjęć w wideo: wskazówki i sztuczki
Ważne jest również to, że podczas ruchów aparatu cyfrowego w tle nie są widoczne żadne „dziury”. Rozumiem przez to obszary, z których wyciąłeś pierwszy plan i które teraz nagle stają się widoczne dzięki przesuwaniu warstw.
Tutaj również profesjonalna realizacja różni się od filmowca wąskotorowego: Wprawny motion designer nie tylko błyskawicznie wyretuszuje te puste obszary, ale już przy wyborze obrazu zwróci uwagę na ten problem.
Limity i ograniczenia animacji zdjęć w filmach
W przeciwieństwie do nagrywania wideo, długość ujęcia jest ograniczona podczas konwersji nieruchomych obrazów na wideo z wykorzystaniem efektu paralaksy. Wynika to po prostu z faktu, że różne warstwy nie mogą być przesuwane w nieskończoność.
Dlatego wiele filmów z animowanymi zdjęciami i efektem 2.5D wykorzystuje spowolnienie ruchu. Z jednej strony zmniejsza to liczbę ustawień (zdjęć), które muszą być edytowane na potrzeby filmu. Z drugiej strony, misternie postprodukowane ujęcia otrzymują w ten sposób więcej czasu na ekranie. Poprawia to stosunek ceny do jakości.
Animowane zdjęcia: Odróżnienie od efektu Kena Burnsa
Efekt paralaksy jest regularnie mylony z co najmniej tak samo znaną zasadą Kena Burnsa. Niemniej jednak, są to dwa zasadniczo różne sposoby wprowadzania ruchu do statycznych zdjęć do filmów!
Kenneth Lauren „Ken” Burns (* 1953) jest amerykańskim filmowcem. Za swoje filmy dokumentalne był nominowany do kilku nagród Emmy i dwóch Oscarów. Trzy z tych nagród filmowych znajdują się obecnie w jego domu.
Dla swoich filmów dokumentalnych Ken Burns szukał prostego sposobu na włączenie historycznych obrazów i fotografii do swoich filmów. Jego rozwiązanie jest równie proste, co niedrogie – i uczyniło go sławnym. Burns po prostu kazał kamerze przesuwać się nad obrazem lub przesuwać się w jego stronę albo od niego oddalać.
Ken Burns wyjaśnia, jak wykorzystuje zdjęcia w filmie do montażu
To, co jest w tym mistrzowskie, to nie fakt, że używa on znanego od dawna kinowego urządzenia stylistycznego, jakim jest przesuwanie i śledzenie ujęć. Chodzi o sposób, w jaki Ken Burns prowadzi oko widza.
Decydującym kryterium zastosowania efektu Kena Burnsa jest fotografia, której treść nadaje się do narracji sekwencyjnej. Tam, gdzie widz na pierwszy rzut oka widzi wszystkie informacje zawarte na zdjęciu, efekt jest narracyjny i do niczego nie prowadzi.
Podstawową różnicą w stosunku do efektu paralaksy jest to, że nie ma potrzeby cyfrowej edycji zdjęcia. Ustawienie klatek kluczowych w Adobe After Effects lub podobnym oprogramowaniu jest wystarczające. Niektóre darmowe programy do produkcji wideo teraz nawet automatycznie nakładają efekt Kena Burnsa na nieruchome obrazy.
I ostatnia uwaga dla fanów precyzyjnego rzemiosła filmowego i krystalicznie czystych definicji terminów technicznych:
Cyfrowo uzyskane ujęcie śledzące (potocznie zwane zoomem) NIE jest tym samym, co ujęcie śledzące. Jedynym wyjątkiem jest jazda w kierunku zdjęcia lub obrazu. W tym przypadku jazda jest zoomem. Dlatego nie ma powodu, aby obracać go poza cyfrowym przetwarzaniem obrazu.
Wideo ze zdjęć: różnica w stosunku do Cinemagraphs
Cinemagraphs (diagramy kinowe) mogą być również tworzone z odpowiednich zdjęć. W tym przypadku są one specjalną formą animacji fotograficznej dla wideo.
Jednakże ich tworzenie jest jeszcze bardziej wymagające. Dzieje się tak, ponieważ cinemagram jest z definicji nieskończoną pętlą.
Ten artykuł został automatycznie przetłumaczony na język angielski przy użyciu AI. Jeśli chciałbyś pomóc nam poprawić jego jakość, będziemy wdzięczni za informację.
.