“Art for art’s sake” is de gebruikelijke Engelse weergave van een Franse slogan, “l’art pour l’art’,” die vroeg in de negentiende eeuw werd bedacht door de Franse filosoof Victor Cousin en in de loop van de negentiende eeuw uitgroeide tot een bohémien slogan. Hoewel Théophile Gautier (1811 – 1872) de eigenlijke woorden niet gebruikte, was het voorwoord bij zijn roman Mademoiselle de Maupin (1835) het vroegste manifest van het idee dat kunst waardevol was als kunst, dat artistieke bezigheden hun eigen rechtvaardiging vormden, en dat kunst geen morele rechtvaardiging nodig had en zelfs moreel subversief mocht zijn.

Het concept werd overgenomen door een aantal Franse, Britse en Amerikaanse schrijvers en kunstenaars, en door voorstanders van de Esthetische Beweging, zoals Walter Pater. Het was een afwijzing van de gebruikelijke rol van de kunst, sinds de Contrareformatie van de zestiende eeuw, in dienst van de staat of de officiële religie, en van het moralisme uit het Victoriaanse tijdperk. Het opende de weg voor artistieke vrijheid van expressie in de impressionistische beweging en de moderne kunst. De slogan bleef in opstand komen tegen diegenen, waaronder John Ruskin en de meer recente communistische voorstanders van het socialistisch realisme, die meenden dat de waarde van kunst lag in het dienen van een of ander moreel of didactisch doel. Het concept “kunst om de kunst” blijft belangrijk in hedendaagse discussies over censuur en over de aard en betekenis van kunst.

Art for Art’s Sake

Het concept dat kunst geen rechtvaardiging behoeft, dat zij geen doel hoeft te dienen, en dat de schoonheid van de schone kunsten reden genoeg is om ze na te streven, werd overgenomen door veel vooraanstaande Franse auteurs en in Engeland door Walter Pater, Oscar Wilde, Samuel Taylor Coleridge en Arthur Symons. De term dook op in het werk van de Franse schilder en kunstcriticus Benjamin-Constant. Edgar Allan Poe (1809 – 1849) betoogde in zijn essay “The Poetic Principle” het volgende:

We hebben het in ons hoofd gehaald dat als we een gedicht schrijven louter en alleen om het gedicht en als we erkennen dat dit ons doel is geweest, we onszelf radicaal tekort doen wat betreft de ware poëtische waardigheid en kracht:-Maar het simpele feit is dat als we onszelf zouden toestaan in onze eigen ziel te kijken, we onmiddellijk zouden ontdekken dat er onder de zon geen werk bestaat of kan bestaan dat waardiger en nobeler is dan dit gedicht, dit gedicht op zich, dit gedicht dat een gedicht is en niets meer, dit gedicht dat uitsluitend omwille van het gedicht is geschreven.

De Amerikaanse schilder James McNeill Whistler (1834 – 1903), die wars was van sentimentaliteit in de schilderkunst, merkte op dat,

kunst onafhankelijk moet zijn van alle prietpraat – op zichzelf moet staan en een beroep moet doen op het artistieke gevoel van oog of oor, zonder dit te verwarren met emoties die er volkomen vreemd aan zijn, zoals devotie, medelijden, liefde, patriottisme en dergelijke. (geciteerd in Smithsonian Magazine (apr. 2006): 29)

Engels esthetische beweging

De slogan “art for art’s sake” wordt in de geschiedenis van de Engelse kunst en letteren geassocieerd met de Oxfordse don Walter Pater en zijn volgelingen in de esthetische beweging, die zelfbewust in opstand kwam tegen het Victoriaanse moralisme. Het verscheen voor het eerst in het Engels in twee werken die gelijktijdig in 1868 werden gepubliceerd: Pater’s recensie van William Morris’ poëzie in de Westminster Review en in William Blake door Algernon Charles Swinburne. Een gewijzigde vorm van Pater’s recensie verscheen in zijn Studies in the History of the Renaissance (1873), een van de meest invloedrijke teksten van de Esthetische Beweging. In zijn essays verklaarde Pater dat het leven intens geleefd moest worden, volgens een ideaal van schoonheid.

De kunstenaars en schrijvers van de Esthetische Beweging beweerden dat er geen verband bestond tussen kunst en moraal, en neigden ertoe te stellen dat de kunsten verfijnd zintuiglijk genot moesten verschaffen, eerder dan morele of sentimentele boodschappen over te brengen. Zij waren het niet eens met de utilitaire opvatting van John Ruskin en Matthew Arnold van kunst als iets moreels of nuttigs. Zij geloofden dat kunst alleen mooi hoefde te zijn, en ontwikkelden de cultus van de schoonheid. Het leven zou de kunst moeten kopiëren, en de natuur werd beschouwd als ruw en gebrekkig in ontwerp in vergelijking met kunst. De belangrijkste kenmerken van de beweging waren suggestie in plaats van statement, sensualiteit, veelvuldig gebruik van symbolen, en synesthetische effecten (overeenkomst tussen woorden, kleuren en muziek).

Het concept van “kunst om de kunst” speelde een belangrijke rol in Oscar Wilde’s enige roman, The Picture of Dorian Gray.

Kunst en de Industriële Revolutie

Het concept van “kunst om de kunst” was een Europese sociale constructie en was grotendeels een product van de Industriële Revolutie. In veel culturen was het maken van artistieke beelden een religieuze praktijk. In middeleeuws Europa diende kunst in de eerste plaats om kerken en paleizen te versieren, totdat de opkomst van een middenklasse een vraag creëerde naar decoratieve kunst, illustraties, portretten, landschappen en schilderijen die documenteerden hoe voorwerpen eruit zagen. De Industriële Revolutie bracht drastische veranderingen teweeg die ernstige sociale problemen veroorzaakten, zoals de concentratie van grote aantallen mensen in stedelijke sloppenwijken, waardoor mensen traditionele waarden in twijfel trokken en de romantiek verwierpen.

Terwijl de academische schilders van de negentiende eeuw zich verplicht voelden de samenleving te verbeteren door beelden te presenteren die conservatieve morele waarden, voorbeelden van deugdzaam gedrag en christelijke sentimenten weerspiegelden, eisten de modernisten vrijheid om hun onderwerp en schilderstijl te kiezen. Zij stonden kritisch tegenover politieke en religieuze instellingen die volgens hen de individuele vrijheid beperkten. In toenemende mate zochten kunstenaars niet alleen vrijheid van de regels van de academische kunst, maar ook van de eisen van het publiek, en beweerden dat kunst niet moest worden gemaakt omwille van het publiek, maar omwille van zichzelf. Het concept van “kunst omwille van de kunst” was ook een uitdaging voor de conservatieve waarden van de middenklasse, die nog steeds eiste dat kunst een betekenis of een doel had, zoals instrueren, moraliseren of de toeschouwer bekoren. Deze progressieve modernisten namen een antagonistische houding aan ten opzichte van de maatschappij en werden gekarakteriseerd als de avant-garde, zij die in de voorhoede stonden van een nieuw tijdperk van kunst en cultuur.

Post-Modernisme en kunst omwille van de kunst

De Eerste Wereldoorlog betekende een mislukking van de traditie, en toonde ook aan dat wetenschappelijke en technologische vooruitgang niet automatisch een betere wereld zou scheppen. Een nieuwe culturele beweging, het dadaïsme, begon in Zürich, Zwitserland, tijdens de Eerste Wereldoorlog en bereikte zijn hoogtepunt van 1916 tot 1920. Dadaïsten verklaarden dat ook de modernistische kunst had gefaald, en verwierpen alle heersende artistieke normen door middel van anti-kunst cultuurwerken. De dadaïstische beweging omvatte openbare bijeenkomsten, demonstraties en de publicatie van kunst- en literaire tijdschriften, en beïnvloedde latere artistieke stijlen en bewegingen zoals surrealisme, pop-art en fluxus.

Het concept van “kunst om de kunst” blijft belangrijk in hedendaagse discussies over censuur en de aard en betekenis van kunst. Kunst is steeds meer een onderdeel van het openbare leven geworden, in de vorm van reclame en van gedrukte en gefilmde media die voor alle leden van de samenleving beschikbaar zijn. Computeranimatie, grafische software en andere nieuwe technologieën maken de produktie mogelijk van kunst die, hoewel nog steeds origineel, mechanisch in plaats van door de kunstenaar met de hand wordt vervaardigd. Performancekunst impliceert de deelname en inbreng van een publiek en valt buiten de controle van een individuele kunstenaar. Deze ontwikkelingen hebben discussies op gang gebracht over de definitie van en de eisen aan “kunst”, en over de rol van de kunstenaar in de samenleving.

Patronaat van de kunsten is in toenemende mate in handen van overheids- of burgerinstellingen die een verplichting hebben tegenover de samenleving die zij dienen, en die worden gecontroleerd door ambtenaren en politici die niet noodzakelijk in staat zijn om kunst zelf te waarderen, of die conservatief kunnen zijn. Dit roept de vraag op of de overheid het “recht” heeft om beperkingen op te leggen aan artistieke expressie, of om specifieke morele waarden af te dwingen. Als artistieke vrijheid economische onafhankelijkheid vereist, is het dan een voorrecht van de rijken?

De Latijnse versie van de slogan, “ars gratia artis,” wordt door Metro-Goldwyn-Mayer als slogan gebruikt en komt voor in het ovaal rond het brullende hoofd van Leo de Leeuw in hun speelfilmlogo.

Zie ook

• Kritische theorie
• Walter Benjamin

Noten

• Bell-Villada, Gene H. 1996. Art for art’s sake & literary life: how politics and markets helped shape the ideology & culture of aestheticism, 1790-1990. Lincoln: University of Nebraska Press. ISBN 0803212607
• Brookner, Anita. 2000. Romantiek en haar ongenoegens. New York: Farrar, Straus and Giroux. ISBN 0374251592
• Ellmann, Richard. 1969. Oscar Wilde; een verzameling kritische essays. Englewood Cliffs, NJ: Prentice-Hall. ISBN 0139594787
• Pater, Walter, and Donald L. Hill. 1980. De Renaissance: studies in kunst en poëzie: de tekst van 1893. Berkeley: University of California Press. ISBN 0520033256
• Prideaux, Tom. 1970. De wereld van Whistler, 1834-1903. New York: Time-Life Books.
• Prettejohn, Elizabeth. 1999. After the Pre-Raphaelites: art and aestheticism in Victorian England. New Brunswick, NJ: Rutgers University Press. ISBN 0813527503
• Prettejohn, Elizabeth. 2007. Art for art’s sake: Estheticism in Victorian painting. New Haven: Yale University Press. ISBN 9780300135497
• Seiler, R. M. 1980. Walter Pater, de kritische erfenis. London: Routledge & Kegan Paul. ISBN 0710003803

Externe link

Alle links opgehaald 15 april 2016.

• Internet Encyclopedia of Philosophy entries:
  • Ethical Criticism of Art.
  • Art and Epistemology.

General Philosophy Sources

• Stanford Encyclopedia of Philosophy.
• The Internet Encyclopedia of Philosophy.
• Paideia Project Online.
• Project Gutenberg.