こうした基本的に大衆向けのショーとは異なり、人形劇は歴史のある時期に非常に流行した娯楽であった。 例えばイギリスでは、1711年から1713年にかけてマーティン・パウエルが演出したロンドンのコベントガーデンのパンチ劇場は、上流社会の人気アトラクションとして、当時の手紙やジャーナリズムに多く取り上げられた。 1770年代から1790年代にかけては、イタリアの劇団がファッショナブルな観客を集め、サミュエル・ジョンソンの称賛を浴びた。 イタリアでは、1708年にローマの首相官邸に壮大な人形劇が作られ、アレッサンドロ・スカルラッティや他の著名な作曲家がそのためにオペラを作曲している。 オーストリア・ハンガリーでは、ヨーゼフ・ハイドンが、1770年頃にエスターハージ公によって建てられた人形劇の専属作曲家として、オペラを作曲した。 フランスでは、1781年には、フランソワ・ドミニク・セラフィンのオンブル・シノワーズが、パリのおしゃれな中心地、パレ・ロワイヤルに設置されていた。 イタリアの舞台美術家アントニオ・ビビエナは、1780年にロンドンで上演されたボローニャの若い王子のマリオネット劇場の舞台美術を担当した。 ロンドンのベスナル・グリーン博物館やニューヨークのクーパー・ヒューイット博物館に保存されている精巧なヴェネチアン・マリオネット劇場は、18世紀のファッショナブルな人形劇の優雅さを示している。 小説家のヘンリー・フィールディングは、1748年にマダム・ド・ラ・ナッシュのペンネームで、風刺的な人形劇を上演した。 苛烈な劇作家で俳優のサミュエル・フートは、1758年に英雄悲劇を、1773年に感傷的な喜劇を、人形を使ってバーレスク化した。 同様に、劇作家のチャールズ・ディブディンは1775年に風刺的な人形劇を上演し、アイルランド人の知恵者たちは1776年から1781年までロンドンでパタゴニアン劇場を運営し、バラードオペラや文学的なバーレスクを上演していた。 フランスでは、19世紀後半に文学者の間で人形劇が大流行した。 1847年にジョルジュ・サンドとその息子モーリスがノアンで作った劇場に始まり、30年の間に100以上の劇が作られたようである。 これらの作品は、純粋に屋敷の客人のためのもので、機知に富み、優雅で、気まぐれなものであった。 1861年、ルイ・デュランティがパリのチュイルリー公園で劇場を開いたが、大衆受けせず、長い間、その形をとどめることはなかった。 翌年、デュランティの実験に触発された文学者や芸術家の友人たちが、小さな私設人形劇場「テアトロン・エロティコン」を設立したが、2年間しか運営されず、招待客を相手に7つの劇を上演しただけだった。

フランスのこれらの文学的な人形劇はすべて手人形を使っていたが、前世紀のイギリスの文学者はマリオネットを使用していた。 1887年、フランスの芸術家アンリ・リヴィエールは、パリのカフェ「シャット・ノワール」で影絵芝居を作り、10年間大きな成功を収めた。リヴィエールにカランダッシュなどが加わり、シルエットの繊細さに、特に作曲された音楽と解説の音声がマッチしている。 1888年、アンリ・シニョレが小劇場を設立し、パリにもう一つの人形が持ち込まれた。この劇場では、舞台下のレールを走る台座に棒状の人形を取り付け、ペダルに取り付けられた紐で手足の動きを制御した。 この劇場では、セルバンテス、アリストファネス、シェークスピアといった古典作家の作品や、フランスの詩人による新作の戯曲が上演された。 小劇場は、19世紀フランスの他の文学的人形劇と同様、ボヘミアン的な雰囲気の中で、小さな観客を相手に頻繁に上演されることはなかった。 日本のシェイクスピアと呼ばれたこの作家は、それまでの日本の粗末な人形劇の形式を、100以上の作品を持つ偉大な芸術形式へと発展させ、その多くは今日も文楽のレパートリーとして残されている。

ヨーロッパでは、バウハウス（ドイツのデザイン学校）の作家やアーティストによって、人形劇の運動が20世紀まで続けられ、「トータル」または「オーガニック」な劇場を提唱し、大きな影響を与えた。 その最も著名な教師の一人であるスイスの画家パウル・クレーは、家庭用人形劇のために非常に興味深いフィギュアを制作し、また、キュビズムの思想を反映したマリオネットをデザインする者もいた。 イギリスの著名な演劇人ゴードン・クレイグは、芸術家の考えを伝える媒体として人形を精力的に運動させた。 第一次世界大戦と第二次世界大戦の間、そして1950年代から60年代にかけて、多くの芸術家が厳しい経済状況の中で、人形が大人の観客に芸術性の高い娯楽を提供できることを証明しようと努めた。 例えば、ミュンヘンのアート・パペット・シアターのマリオネットは、ドイツの伝統的な深い木彫りの模範となるものであった。 オーストリアでは、ザルツブルクのマリオネット劇場がモーツァルトのオペラを専門に上演し、高い自然主義と技術力を獲得している。 チェコスロバキアでは、ヨゼフ・スクパのマリオネット劇場が、劇場の名前の由来となった2人の人物、早熟な少年フルヴィネクと、頭の鈍い父シュペイブルを紹介するウィットに富んだ風刺的スケッチと、音楽のターンとの間に、優れた人形の伝統を持つ国であることを示した。 フランスでは、画家のフェルナン・レジェをはじめ、「レ・コメディエン・ド・ボワ」のデザインを担当した著名な芸術家たちがいた。 イヴ・ジョリーは、人形を使わず素手で人形劇を演じ、人形の芸術を極限まで突き詰めた。 ロシアの人形師セルゲイ・オブラツォフも、彼が創設した偉大なロッドパペット劇場のものとは全く異なる魅力とウィットに富んだ演技で、同じ効果を達成したのである。 イギリスでは、ランチェスターがマリオネットの復興に重要な役割を果たし、初期のマドリガルオペラ「L’Amfiparnaso」などを上演した。 ヤン・バッセルはホガース人形劇団を率いて、バレエや軽歌劇を上演し、国際的な名声を獲得した。 ロンドンでは、1961年にジョン・ライトによって常設のマリオネット劇場「リトル・エンジェル」が開館した。 1115>

アメリカでは、1916年に「真夏の夜の夢」などを上演したシカゴ小劇場のエレン・ヴァン・フォルケンバーグが、人形劇の復活に大きな影響を与えた。 その後、『リップヴァンウィンクル』『バラと指輪』『不思議の国のアリス』など、大規模な人形劇を上演し、アメリカの人形劇に最も大きな影響を与えたトニー・サーグに演出を依頼した。 エール人形劇団という小さなグループは、ハリウッドにターナバウト・シアターという劇場を作り、客席の反対側に人間と人形のステージを組み合わせ、1941年から1956年まで歌や寸劇でおしゃれな観客を集めていた。 ビル・ベアードは、1967年から数年間、ニューヨークのグリニッチビレッジで人形劇場を運営し、人形劇のあらゆる面で大きな貢献をした。 しかし、東欧では当たり前のように行われている国家補助がないため、アメリカでは大規模な巡回人形劇の展開は不可能であった。 それは、商業的な支援を受けたテレビ向けの大作（下記参照）、巨大な人形を使って政治的・理想的なメッセージを伝える「パンと人形劇」のような社会的なグループ、そしてもう一つは、ブルース・シュワルツのように、自分を隠そうとせずに一体の人形を繊細に扱うアーティストによる親密な卓上プレゼンテーションのメディアとして、である。

一方、人形劇は、大衆の観客に楽しい娯楽を提供できることを示すために、それほど高尚でない段階でも続けられていた。 1870年代以降、イギリスの人形劇団はその技術を非常に高いレベルにまで高め、一連の世界ツアーによってその影響はヨーロッパ、アジア、アメリカに広く及んでいた。 手足がバラバラになり、再び一つになる「解剖骸骨」、手足が落ち、体が子供たちの母親になる「グランドターク」、風船になる「クリノリンレディ」、三つの頭を持つ「スカラムーチ」、曲芸師やアクロバットなど、そのパフォーマンスは大きな特色を備えていた。 この伝統的な人形劇の最後の劇場は、ヴィットリオ・ポドレッカの「小人劇場」で、ピアニストや胸の大きなソプラノ歌手が登場し、それ以来、広く模倣されるようになった。 19世紀半ば、バイエルンの宮廷人であったフランツ・ポッチ伯爵は、ミュンヘンのパパ・シュミッドという伝統的な人形劇団のために多くの児童劇を書き、この発展を最初に促した一人であった。 また、1920年代から50年代にかけて、ドイツのカスパーシアターの伝統的な民俗劇のレパートリーを、現代の子ども向け娯楽にふさわしいものに発展させたマックス・ヤコブも重要な存在であった。 1115>

このように、さまざまな国や文化圏におけるさまざまなスタイルの人形劇を調査してみると、異なる形式の多くに共通する特徴があることがわかる。 例えば、多くの人形劇では、台詞は人形の口から発せられるのではなく、人形劇の舞台の外に立って観客との橋渡しをする人が物語を朗読したり説明したりする。 この手法はエリザベス朝時代のイギリスでは確かに使われており、人形の「通訳」が頻繁に言及される。このキャラクターはベン・ジョンソンの『バーソロミュー・フェア』によく表れており、人形の一体がブースから身を乗り出して（手人形だった）、通訳の語り方が気に入らないので頭をたたくというシーンがある。 日本の文楽でも、朗読者のテクニックは同じである。文楽では、朗読者はその効果に多大な貢献をしており、実際、劇団のスターの一人とみなされている。 この手法は、フランスのシャット・ノワールの影絵芝居や、その模倣・後継劇団にも見られ、シャンソニエに大きく依存している。 最近の人形劇でも、この技法が多く使われている。 その他、ジャワ島、ギリシャ、シチリア島などの伝統的な人形劇では、話すのはすべて操り手である。 劇はナレーションとセリフの混合で構成され、演者の声は登場人物によって異なるが、必然的に全体が統一され、人形劇の最も貴重な特質の1つとなっている。 ジャワのワヤン劇に伴うガムラン・ゴングとシンバル・オーケストラは、雰囲気を作り出し、人形の動きに拍子を与え、主要なアクションの間に休息を与えるなど、ショーの重要な部分を担っている。 同様に、日本の三味線は、チャンターを支え、引き立たせる。 18世紀ローマのオペラ人形劇では、スカルラッティの洗練された楽譜と、当時のオペラの堅苦しいしきたりや長い間守られてきた身振りが、棒人形のゆっくりとした、工夫された、しかし不思議なほど印象深い動きと見事にマッチしていたのだろう。 1662年にサミュエル・ペピスがイギリスで初めて『パンチ』を上演した劇場を訪れた際、彼は有名な日記に「ここで初めて、フィドラーたちの間でダルシマーが弦を叩いて棒で演奏されているのを見たが、とてもきれいだ」と記している。 昔ながらのパンチ・アンド・ジュディーのショーでも、序曲としてドラムとパンパイプが演奏されていました。 音楽のない人形劇は、ややもするとはげしい印象を与える。 かつて蓄音機は人形遣いに広く使われていたが、最近ではテープレコーダーが、人形劇に音楽や効果音を添えるための、より適応性の高い手段となっている。

照明効果も人形制作で重要な役割を果たすことがある。 ジャワのワヤンのゆらめくオイルランプは、スクリーン上の人物の影を強調します。古くは1781年に、情景画家のフィリップ・ジェイムズ・ド・ルーテルブールが、ランプで実現できる照明効果の範囲を示すために、「Eidophusikon」という大きな模型劇場を使いました。 1115>