Il XX secolo ha presentato un cambiamento radicale dalle influenze classiche del Rinascimento del XIX secolo, non solo artisticamente ma politicamente e socialmente.

La prima e la seconda guerra mondiale segnarono un clima deprimente, la crisi europea e il Grande Crash sconvolsero la società nel suo nucleo. La rivoluzione industriale seguì con la nascita di nuove idee, teorie, simboli e tecniche. Ha plasmato molti movimenti artistici che conosciamo oggi – Espressionismo ed Espressionismo Astratto, Cubismo, Fauvismo, Dadaismo, Surrealismo e Pop Art, tra gli altri. Diamo uno sguardo alle opere d’arte che hanno definito il XX secolo.

Scott Tyler, Dread, 1989

Nel 1989, Scott Tyler era solo uno studente delle superiori all’Art Institute di Chicago. Lì presentò la sua prima opera d’arte dal titolo Qual è il modo appropriato di esporre la bandiera americana? La bandiera americana era esposta distesa sul pavimento. Era posizionata in modo strategico in modo che i clienti che volevano leggere il manuale appeso avrebbero dovuto calpestare la bandiera.

Sono stati arrestati diversi visitatori per oltraggio e, naturalmente, l’artista stesso. Stava violando l’emendamento sulla profanazione della bandiera. Persino il presidente Bush criticò l’opera d’arte come vergognosa, come fecero molti altri. Tuttavia, c’erano opinioni di tutti i tipi. Con quest’opera, Scott Tyler voleva dimostrare la debolezza di un importante diritto umano: La libertà di espressione.

Andy Warhol, Campbell’s Soup Cans, 1962

Chi non ricorda queste famose lattine di zuppa Campbell’s? Andy Warhol, forse uno degli artisti più importanti e stravaganti del XX secolo. Era un acquirente compulsivo e un accaparratore. La dipendenza potrebbe essere stata l’inizio della Pop Art, un movimento artistico colorato e provocatorio che è emerso nella metà-fine degli anni ’50.

Chi pensava che una semplice lattina di zuppa potesse essere un’opera d’arte? Solo Andy Warhol poteva compiere un’impresa così audace. Lui stesso ha mangiato questa zuppa ogni giorno per 20 anni e poi l’ha incorporata nella storia dell’arte. Era così semplice? In effetti, i critici stavano impazzendo. Come poteva un artista ridurre un campo istituzionalizzato come l’arte a una semplice visita al supermercato? Tuttavia, la Pop Art andò oltre questi oggetti ordinari e incluse i temi della cultura di massa, quelli che si allineavano con la realtà della società dei consumi.

Robert Rauschenberg, Erased De Kooning, 1953

Sì, questa è un’opera d’arte, ed è stata realizzata dall’artista americano Robert Rauschenberg. Era l’anno 1953 e l’artista olandese americano De Kooning era una leggenda. Era uno dei più grandi pittori del movimento dell’espressionismo astratto di quel tempo, il suo nome generava sia fiducia che paura. Un giorno, Robert Rauschenberg chiese a De Kooning di avere uno dei suoi quadri De Kooning non era molto entusiasta all’inizio, ma poi accettò e gli diede una delle sue opere più importanti.

Dopo alcuni mesi, Robert Rauschenberg cancellò il quadro e lo chiamò suo, Erased De Kooning. Sì, era vuoto. Ma era arte? Come Picasso dichiarò notoriamente: “Ogni atto di creazione è prima un atto di distruzione”. I critici erano confusi, ovviamente. L’intenzione di Rauschenberg era di attaccare l’espressionismo astratto e dare valore artistico alla distruzione di una delle sue opere. L’opera è ora conservata nel Museo d’Arte Moderna di San Francisco.

Pablo Picasso, Les Demoiselles d’Avignon, 1907

Immaginatevi nel 1907 guardando le cinque figure femminili nude ritratte in questo dipinto. È in contrasto con l’epoca delle donne rotonde e sensuali. Picasso ci mostra, in due dimensioni, cinque prostitute nude di un bordello di Barcellona. Un’idea che non fu ben accolta durante la sua esposizione a Parigi.

Con la sua geometrizzazione della forma, questo quadro divenne l’origine del movimento Cubismo. Dopo la mostra, l’opera fu dimenticata nello studio di Picasso per anni. Fu poi esposto nei primi anni 1920 da Jacques Doucet (un famoso collezionista d’arte francese). Attualmente, si può vedere Les Demoiselles d’Avignon al Museum of Modern Art di New York.

Richard Serra, Tilted Arc, 1981

Richard Serra è un famoso scultore americano e il creatore di una delle opere più controverse del XX secolo: Tilted Arc. Questa imponente scultura è stata installata nel 1982 al Foley Federal Plaza di New York. Le sue dimensioni esagerate: un muro di acciaio Corten, alto 12 piedi per 120 piedi di lunghezza, divideva la piazza in due parti. L’opera è stata costruita all’interno della struttura del sito ed è stata concepita da Serra come un pezzo critico per ‘ridefinire’ la piazza, e non solo come un oggetto decorativo.

Alla gente è piaciuta? Neanche un po’. Per coloro che lavoravano e vivevano lì, il muro d’acciaio bloccava il percorso e lo consideravano opprimente e deprimente. Infatti, il New York Times lo descrisse come una delle opere d’arte pubblica più brutte della città e alcuni lo chiamarono il muro di Berlino della Federal Plaza. Così, dopo un sacco di polemiche (incluso uno dei più famosi processi d’arte della storia), la scultura fu tagliata in tre pezzi e fu rimossa dalla piazza nel 1989. Ora, è al sicuro in un deposito nel Maryland.

Balthus, La lezione di chitarra, 1934

Il controverso pittore francese Balthasar Klossowski de Rola, noto come Balthus, è certamente uno dei più grandi artisti del XX secolo. Un amante nostalgico dell’Età dell’Innocenza, tuttavia solitario e misterioso.

In questo inquietante dipinto, che assomiglia a una ‘pietà’, vediamo un’insegnante di chitarra con il suo giovane studente steso sulle ginocchia con la gonna sollevata e i genitali esposti. L’insegnante sta suonando lo studente come uno strumento musicale. Le sue dita strimpellano le corde invisibili della chitarra all’interno delle sue cosce. Il dipinto ha generato molte discussioni. Balthus aveva cattive intenzioni? Questo quadro è passato di mano molte volte ma ora appartiene all’armatore greco Stavros Niarchos.

Andres Serrano, Piss Christ, 1987

Pensa a una fotografia di Cristo. Un crocifisso. Ora immaginate questa immagine inserita in un contenitore pieno di urina dell’artista. Come vi sentireste? L’artista americano Andres Serrano ha creato questa opera d’arte nel 1987. L’opera ha creato una tale controversia nella comunità artistica. Come cristiano, ha considerato la sua opera d’arte una dichiarazione religiosa, che mostra l’ambigua relazione tra il sacro e il profano.

La sostanza che ha usato non è stata scelta a caso. Aveva le sue ragioni, ma sosteneva che nessuno gli aveva mai chiesto il perché. Il sangue veniva da Cristo, ma anche l’urina allo stesso modo, quindi c’è ancora una componente sacra nell’idea. L’arte dovrebbe sempre provocare e suscitare emozioni, e la gente non dovrebbe rimanere indifferente ad essa. Infatti, questo è un chiaro esempio.

Marcus Harvey, Myra, 1995

È la donna più cattiva della Gran Bretagna. Tutto il mondo ha potuto vederla nella mostra alla Royal Academy di Londra nel 1997. Sensation, come si intitolava la mostra, era la collezione di Charles Saatchi, presentava opere d’arte realizzate da giovani artisti. Una di queste era un grande ritratto di Myra, di Marcus Harvey. Una donna che, negli anni ’60, insieme al suo fidanzato, violentò, torturò e uccise cinque adolescenti, di età compresa tra i 10 e i 17 anni. I loro cadaveri furono sepolti in una brughiera vicino a Manchester. Senza dubbio, quest’opera d’arte ha provocato grande indignazione nel Regno Unito e all’estero. Alla mostra, il dipinto ha subito danni da parte del pubblico e ha dovuto essere protetto con uno schermo.

La storia dietro quest’opera è stata orribile. Il dipinto è sfocato e pixelato, ma ad un esame più attento, quei pixel erano impronte di mani di un bambino. Myra era considerata un punto dolente nella storia britannica, quindi la reazione negativa del pubblico era comprensibile. Tuttavia, anche l’orribile è degno di attenzione?

Chris Ofili, The Holy Virgin Mary, 1996

Questo quadro dell’artista britannico Chris Ofili presenta una Vergine Maria nera circondata da un collage che assomiglia a delle farfalle, ma sono fotografie di genitali femminili. L’ha dipinto usando sterco di elefante, intitolandolo The Holy Virgin Mary che è stato esposto al Brooklyn Museum nel 1999.

Era l’ottobre del 1999 e il collezionista inglese Charles Saatchi promosse una mostra a New York per il movimento Young British Artists (YBAs). Tra le altre opere d’arte, il sindaco della città in quel momento, Rudy Giuliani, ebbe l’opportunità di ispezionare quest’opera. Naturalmente scioccato, descrisse il dipinto come malato e disgustoso e cercò di ritirare la sovvenzione annuale al Brooklyn Museum. Tuttavia, il museo resistette e vinse la causa in tribunale.

Marcel Duchamp, Fontana, 1917

Questo è l’orinatoio che Marcel Duchamp comprò, scarabocchiò un nome falso ‘R. Mutt’ sul bordo inferiore, lo mise in una galleria e lo chiamò Fontana. È considerata l’opera d’arte più controversa del XX secolo perché era solo un oggetto ordinario presentato come un’opera d’arte prestigiosa.

Ha inviato la sua opera al comitato di controllo della Società degli Artisti Indipendenti, a New York… E indovinate? Non fu respinto, ma l’orinatoio fu escluso dalla mostra. Senza alcun dubbio, la sua opera d’arte criticava il sistema e gli standard stabiliti.