Un fagotto della Fox Products. È anche chiamato Fagott in tedesco, fagotto in italiano e basson in francese. Apparso nella sua forma moderna nel 1800, il fagotto fa parte della letteratura orchestrale, della banda da concerto e della musica da camera. È noto per il suo colore di tono distintivo, l’ampia gamma, la varietà di carattere e l’agilità. Un suonatore di fagotto è chiamato “fagottista”.

Sviluppo

Storia antica

Dulcians and racketts, dal Syntagma musicum di Michael Praetorius.

Il fagotto si è sviluppato dal suo precursore, più spesso chiamato dulcian, uno strumento di legno tutto d’un pezzo. Utilizzato e sviluppato notevolmente nel XVI secolo per aggiungere un basso più forte alla banda di fiati che allora consisteva in gran parte di scialli e flauti dolci, le origini del dulciano sono sconosciute. Esistono prove sparse per la sua creazione in vari luoghi e tempi, e pochi primi esempi sopravvivono. C’erano alla fine otto membri della famiglia dulcian di varie dimensioni, dal soprano fino ai bassi. Il primo dulciano aveva molte somiglianze con il fagotto moderno: anche se generalmente costruito con un solo pezzo di legno piuttosto che con sezioni, anch’esso consisteva in una canna conica che si raddoppiava su se stessa nella parte inferiore, con un bastone di metallo curvo che portava dal corpo dello strumento all’ancia. Era, come lo strumento moderno, spesso costruito in acero, con pareti spesse per permettere ai fori per le dita di essere praticati obliquamente, con la campana leggermente svasata all’estremità. Tuttavia, c’erano solo otto fori per le dita e due chiavi. Il dulcian si evolse più tardi nel curtal, che presentava articolazioni separate come un moderno fagotto, e guadagnò una chiave in più.

Alcuni musicologi del XX secolo credevano che a questo strumento, simile a un fascio di bacchette, fosse stato dato il nome che significa tale, “fagotto”, nell’Italia del XVI secolo. Tuttavia, questa etimologia non è corretta: il termine “fagotto” era in uso per il fagotto prima che la parola fosse usata per “fascio di bacchette”; inoltre, quando il termine apparve per la prima volta, la somiglianza non esisteva, poiché lo strumento a quel tempo era ricavato da un blocco di legno continuo (Jansen 1978). L’origine di questo nome è quindi un mistero. (Una danza chiamata anch’essa “fagot” risale a un secolo prima.) Lo strumento era costruito ripiegato su se stesso, come lo è tuttora (dandogli il nome in alcune regioni “curtal”, in quanto si accorciava notevolmente). Il nome inglese di “fagotto” deriva da un termine più generale che si riferisce al registro basso di qualsiasi strumento, ma dopo la richiesta di Henry Purcell di un “fagotto” in Dioclesian (1690) che si riferisce alla doppia ancia di legno, la parola cominciò ad essere usata per riferirsi a questo strumento in particolare.

Anche l’evoluzione del primo dulciano nel fagotto moderno è senza documentazione precisa; il dulciano continuò ad essere usato nel XVIII secolo (e in Spagna, all’inizio del XX). Un dipinto tedesco, “Der Fagottspieler”, nel Museo Suermondt, che gli studiosi datano alla fine del XVII secolo, raffigura il fagotto come appare nella sua forma attuale, e un fagotto a tre chiavi è stato datato al 1699. Fu il costruttore olandese Coenraad Rijkel la cui aggiunta della chiave G per il mignolo della mano destra, subito dopo la fine del XVIII secolo, fissò la posizione della mano allo standard attuale; in precedenza, lo strumento poteva essere suonato con entrambe le mani in alto. Il primo fagotto fiorì nei Paesi Bassi tra la fine del XVII e l’inizio del XVIII secolo, con oltre una mezza dozzina di costruttori di legni importanti che svilupparono lo strumento. Oggi, solo trentatré fagotti di quell’epoca sopravvivono.

Storia moderna

Le crescenti richieste sulle capacità degli strumenti e dei giocatori nel 1800 – in particolare le sale da concerto che richiedevano toni più forti e l’aumento dei compositori-esecutori virtuosi – hanno stimolato un ulteriore perfezionamento del fagotto. L’aumento della sofisticazione sia nelle tecniche di fabbricazione che nella conoscenza acustica rese possibili grandi miglioramenti nella suonabilità dello strumento.

Il fagotto moderno esiste in due forme primarie distinte, il sistema Buffet e il sistema Heckel. Il sistema Buffet è suonato principalmente in Francia, ma anche in Belgio e in alcune parti dell’America Latina, mentre il sistema Heckel è suonato nella maggior parte del mondo.

Sistema Heckel

Fagotto sistema Heckel dal 1870

Il design del fagotto moderno deve molto all’esecutore, insegnante e compositore Carl Almenräder, che, assistito dal ricercatore acustico tedesco Gottfried Weber sviluppò il fagotto a 17 tasti la cui gamma copriva quattro ottave. I miglioramenti di Almenräder al fagotto iniziarono con un trattato del 1823 in cui descriveva i modi per migliorare l’intonazione, la risposta e la facilità tecnica di suonare attraverso l’aumento e la riorganizzazione della tastiera; gli articoli successivi svilupparono ulteriormente le sue idee. Lavorare alla fabbrica Schott gli diede i mezzi per costruire e testare strumenti secondo questi nuovi progetti, i cui risultati furono pubblicati su Caecilia, il giornale della casa Schott; Almenräder continuò a pubblicare e costruire strumenti fino alla sua morte nel 1843, e Ludwig van Beethoven stesso richiese uno degli strumenti di nuova fabbricazione dopo aver sentito i documenti. Almenräder lasciò Schott per avviare la propria fabbrica insieme al socio J.A. Heckel nel 1831.

Heckel e due generazioni di discendenti continuarono a perfezionare il fagotto, ed è il loro strumento che è diventato lo standard per altri costruttori di strumenti da seguire. A causa della loro superiore qualità del tono di canto (un miglioramento su uno dei principali svantaggi degli strumenti Almenräder), gli strumenti di Heckel competevano per la prominenza con il sistema riformato di Wiener, un fagotto stile Boehm, e uno strumento completamente a chiave ideato da C. J. Sax, padre di Adolphe Sax. Un tentativo tardivo, dal 1893, con un sistema di diteggiatura logico riformato fu implementato da F.W. Kruspe, ma non ebbe successo. Altri tentativi di migliorare lo strumento includevano un modello a 24 chiavi e un bocchino ad una sola canna, ma entrambi furono trovati ad avere effetti negativi sul tono distintivo del fagotto e furono abbandonati.

Entrando nel XX secolo il modello tedesco di fagotto in stile Heckel dominava il campo; Heckel stesso aveva fatto più di 4000 strumenti alla fine del secolo, e gli strumenti dei costruttori inglesi non erano più desiderabili per le mutevoli esigenze di tonalità dell’orchestra sinfonica, rimanendo principalmente nell’uso della banda militare.

Oggi la fabbrica di Heckel continua a produrre strumenti (dopo una breve conversione bellica del 1940 alla produzione di cuscinetti a sfera) e i fagotti Heckel sono considerati da molti i migliori, anche se esiste una gamma di diversi produttori, tutti con diverse modifiche ai loro fagotti. Le aziende che producono fagotti sono (tra le altre): Heckel, Yamaha, Fox Products, Schreiber, Püchner, Signet, Moosmann, Kohlert, B.H. Bell e Guntram Wolf. Ci sono anche diversi produttori di fagotti più piccoli che fanno strumenti speciali per soddisfare esigenze particolari. Negli anni ’60 l’inglese Giles Brindley iniziò lo sviluppo preliminare di quello che chiamò il fagotto “logico”, che mirava a migliorare l’intonazione e l’uniformità di tono attraverso l’uso di combinazioni di tasti attivate elettricamente che erano troppo complesse da gestire per la mano umana.

Sistema Buffet

Il fagotto sistema Buffet, che si stabilizzò un po’ prima dell’Heckel, si sviluppò in un modo più conservativo. Mentre lo sviluppo del fagotto Heckel può essere caratterizzato come una completa revisione dello strumento sia nell’acustica che nella tastiera, il sistema Buffet si concentrò principalmente su miglioramenti incrementali della tastiera. Questo approccio meno radicale priva il fagotto del sistema Buffet della consistenza migliorata, e quindi della facilità di funzionamento e della maggiore potenza, che si trova nei fagotti Heckel, ma il Buffet è considerato da alcuni come uno strumento più vocale ed espressivo. (Il direttore d’orchestra John Foulds nel 1934 lamentava il predominio del fagotto stile Heckel, considerandoli troppo omogenei nel suono con il corno.)

Rispetto al fagotto Heckel, i fagotti del sistema Buffet hanno un foro più stretto e chiavi diverse; gli strumenti Buffet sono noti per un suono più reedier e una maggiore facilità nei registri superiori, raggiungendo e”’ e f” con molta più facilità e meno pressione dell’aria. Sebbene sia specificamente desiderabile in alcune musiche (i suonatori di legni francesi producono tradizionalmente un tono più leggero e più aspro di quanto non sia usuale altrove) il suono più aspro ha talvolta attirato critiche per essere troppo caratteristico. Come per tutti i fagotti, il tono varia sostanzialmente da strumento a strumento e da interprete a interprete. Il sistema Heckel può suonare piuttosto fisso e legnoso, ma i buoni suonatori si sforzano e di solito riescono a produrre un tono caldo e canoro. Il Buffet può avere un suono stridulo, ma molti buoni suonatori si sforzano e di solito riescono a produrre un suono caldo ed espressivo che non è per nulla stridulo.

Anche se il sistema francese era una volta ampiamente favorito in Inghilterra, gli strumenti Buffet non sono più prodotti lì, e l’ultimo importante suonatore inglese del sistema francese si è ritirato negli anni 80. Tuttavia, con il suo uso continuato in alcune regioni e il suo tono distintivo, il Buffet continua ad avere un posto nel fagotto moderno, in particolare in Francia. I fagotti modello Buffet sono attualmente prodotti a Parigi da Buffet-Crampon e Selmer, con vari altri produttori che producono repliche di strumenti. Alcuni suonatori, per esempio Gerald Corey in Canada, hanno imparato a suonare entrambi i tipi e li alternano a seconda del repertorio da suonare.

Costruzione e caratteristiche

Parti del fagotto

Gamma di suono di un fagotto
( ascolta )

Il fagotto moderno è generalmente fatto di acero, con tipi di media durezza come l’acero sicomoro e l’acero da zucchero che sono preferiti. Modelli meno costosi sono anche realizzati in materiali come il polipropilene e l’ebanite, principalmente per l’uso studentesco e all’aperto; fagotti di metallo sono stati fatti in passato, ma non sono stati in produzione da nessun produttore importante dal 1889. Il foro dello strumento è conico, come quello dell’oboe e del sassofono, e il fondo dello strumento collega il foro al centro con un connettore metallico a forma di U. Sia la canna che i fori sono lavorati con precisione, e ogni strumento è rifinito a mano per una corretta accordatura. Le pareti dello strumento sono sufficientemente spesse che i fori per le dita sono praticati obliquamente per aiutare la diteggiatura, e gli strumenti di legno sono rivestiti con un rivestimento di gomma dura lungo l’interno delle articolazioni dell’ala e dello stivale per prevenire i danni dell’umidità con un’ampia esecuzione; gli strumenti di legno sono anche tinti e verniciati. La parte superiore della campana è spesso completata con un anello, spesso di plastica o avorio. Le giunture separate, dove si collegano, sono avvolte in sughero o corda, per aiutare la sigillatura contro le perdite d’aria. Il bocal, che è inserito nella parte superiore del giunto dell’ala e ha un’estremità avvolta nel sughero per la sigillatura, può venire in molte lunghezze diverse, a seconda dell’accordatura desiderata.

Piegato su se stesso, il fagotto è alto 134 cm (4,4 piedi), ma la lunghezza totale è 254 cm (circa 8,3 piedi). L’esecuzione è facilitata dal raddoppio del tubo su se stesso e dalla chiusura della distanza tra i fori molto distanziati con un complesso sistema di chiavi, che si estende per quasi tutta la lunghezza dello strumento. Ci sono anche fagotti a corto raggio fatti per il beneficio di giocatori giovani o piccoli.

I fagottisti devono imparare tre diverse chiavi: Basso (prima di tutto), Tenore e Alto. La gamma del fagotto inizia dal Si bemolle1 (il primo sotto il pentagramma basso) e si estende verso l’alto su tre ottave (approssimativamente fino al Sol del pentagramma acuto). Le note più alte sono possibili ma difficili da produrre e raramente richieste; le parti orchestrali raramente vanno più in alto del Do o del Re, e anche il famoso e difficile assolo di apertura di Stravinsky ne La Sagra della Primavera sale solo fino al Re. Il La basso in fondo alla gamma è possibile solo con una speciale estensione dello strumento; poiché il suo uso rende impossibile suonare il Si bemolle inferiore e influenza l’intonazione delle note più basse, è raramente richiesto. L’ultimo accordo del Quintetto per fiati di Carl Nielsen del 1922 include un La basso opzionale, e Gustav Mahler lo usa occasionalmente nelle sue sinfonie. Spesso si usa un tubo di carta o una campana di corno inglese collocata nella campana del fagotto invece di un’estensione fatta apposta. Un’altra alternativa frequente è quella di usare la campana di un clarinetto. È stata usata anche una cordiera di plastica da un negozio di forniture idrauliche.

Uso in ensemble

Ensemble moderni

La moderna orchestra sinfonica richiede tipicamente due fagotti, spesso con un terzo che suona il controfagotto. (La prima opera scritta con una parte di controfagotto indipendente fu la Quinta Sinfonia di Beethoven, anche se la Passione di San Giovanni di Bach e un’opera di Mozart richiedevano un “grande fagotto” ed erano scritte al di sotto della gamma del fagotto moderno). Alcune opere richiedono quattro o più suonatori. Il primo suonatore è spesso chiamato ad eseguire passaggi solistici. Il tono distintivo del fagotto è adatto sia per assoli lirici e lamentosi come il Bolero di Ravel che per quelli più comici, come il tema del nonno in Peter and the Wolf. La sua agilità si adatta a passaggi come la famosa linea di corsa (raddoppiata nelle viole) nell’ouverture de Le nozze di Figaro. Oltre al suo ruolo solistico, il fagotto è un efficace basso per un coro di fiati, una linea di basso insieme ai violoncelli e ai contrabbassi, e un supporto armonico insieme ai corni francesi.

Un ensemble di fiati di solito include anche due fagotti e talvolta contra, ognuno con parti indipendenti; altri tipi di ensemble di fiati da concerto avranno spesso sezioni più grandi, con molti giocatori su ciascuna delle prime o seconde parti; in arrangiamenti più semplici ci sarà solo una parte di fagotto e nessun contra. Il ruolo del fagotto nella banda di fiati è simile al suo ruolo nell’orchestra, anche se quando il punteggio è spesso spesso non può essere sentito sopra gli strumenti di ottone anche nella sua gamma. La Fiesta Mexicana, di H. Owen Reed, presenta lo strumento in modo prominente, così come la trascrizione delle Quattro Danze Scozzesi di Malcolm Arnold che è diventata un punto fermo del repertorio della banda da concerto.

Il fagotto fa anche parte della strumentazione standard dei quintetti di fiati, insieme a flauto, oboe, clarinetto e corno; è anche frequentemente combinato in vari modi con altri fiati. Il “Duetto-Concertino” di Richard Strauss lo accoppia con il clarinetto come strumento concertante, con l’orchestra d’archi a sostegno.

Il quartetto di fagotti ha anche guadagnato favore in tempi recenti, con il Quartetto di Fagotti Bubonico che è uno dei gruppi più notevoli. L’ampia gamma e la varietà di colori tonali del fagotto lo rendono idealmente adatto al raggruppamento in ensemble di strumenti simili. L'”Ultimo tango a Bayreuth” di Peter Schickele (dopo temi da Tristano e Isotta) è un lavoro popolare; l’alter ego fittizio di Schickele, P. D. Q. Bach, sfrutta gli aspetti più umoristici con il suo quartetto “Lip My Reeds”, che a un certo punto chiede ai musicisti di esibirsi sulla sola ancia.

Complessi precedenti

L’uso del fagotto nella prima orchestra sinfonica era esclusivamente come strumento di continuo. Il compositore barocco Jean-Baptiste Lully e i suoi Les Petits Violons includevano oboi e fagotti insieme agli archi nell’ensemble di 16 elementi (poi 21), come una delle prime orchestre ad includere i fiati. Antonio Cesti incluse un fagotto nella sua opera Pomo d’oro del 1668. Tuttavia, l’uso del fagotto nell’orchestra da concerto fu sporadico fino alla fine del XVII secolo, quando i fiati cominciarono a farsi strada nella strumentazione standard, in gran parte a causa dei miglioramenti nella progettazione degli strumenti a fiato che correggevano i problemi di accordatura e davano loro una maggiore capacità di suonare cromaticamente (come gli archi senza tasti erano facilmente in grado di fare). Il fagotto fu introdotto come membro regolare dell’orchestra sinfonica come parte del basso continuo insieme ai violoncelli e alle viole basse; essi riempirono anche i cori di strumenti a fiato nelle orchestre d’opera, prima in Francia e poi in Italia. Johann Stamitz e le sue sinfonie diedero ai fiati un po’ più di indipendenza segnandoli per il colore orchestrale piuttosto che per un rigoroso raddoppio, ma ancora il fagotto non era usato come strumento melodico indipendente.

Antonio Vivaldi portò il fagotto alla ribalta presentandolo in 37 concerti per lo strumento. La prima orchestra classica includeva il fagotto, ma era di nuovo solo a riempire il continuo e spesso non menzionato nella partitura. La scrittura sinfonica per i fagotti come parti completamente indipendenti piuttosto che come semplici doppi non sarebbe arrivata fino alla fine dell’era classica. La sinfonia Jupiter di Mozart è un primo esempio, con il suo famoso assolo di fagotto. I fagotti erano generalmente accoppiati, come nella pratica corrente, anche se la famosa orchestra di Mannheim ne vantava quattro.

Tecnica

Il fagotto è tenuto diagonalmente di fronte al suonatore e non può essere facilmente sostenuto dalle sole mani del suonatore. I mezzi più comuni di sostegno sono o una cinghia per il collo o un’imbracatura per le spalle attaccata alla parte superiore dell’articolazione del calcio, o una cinghia attaccata alla base dell’articolazione del calcio che si imbriglia alla sedia o è sostenuta dal peso del suonatore. Più insolitamente, un chiodo simile a quelli usati per il violoncello o il clarinetto basso è attaccato alla parte inferiore del giunto di testa.

Il fagotto del sistema Heckel è suonato con entrambe le mani in una posizione stazionaria, con sei fori principali per le dita sulla parte anteriore dello strumento (alcuni dei quali sono aperti, e alcuni dei quali sono aiutati dalla tastiera). Sempre sulla parte anteriore dello strumento ci sono diversi tasti aggiuntivi da controllare con il mignolo di ogni mano. La parte posteriore dello strumento ha più di una dozzina di tasti da controllare con il pollice (il numero esatto varia a seconda del modello).

Mentre gli strumenti sono costruiti per avere un’intonazione accurata in tutta la scala, il giocatore ha un grande grado di flessibilità di controllo dell’intonazione attraverso l’uso del supporto del respiro e dell’imboccatura. I giocatori sono anche in grado di utilizzare diteggiature alternative per regolare l’intonazione delle note suonate più spesso.

Tecniche estese

Molte tecniche estese possono essere eseguite sul fagotto, come i multifonici, il flutter tonguing, la respirazione circolare e gli armonici.

Ance e costruzione dell’ancia

L’ancia moderna

Le ance del fagotto sono lunghe solo pochi centimetri e sono spesso avvolte in corde colorate.

Le ance del fagotto, fatte di canna di Arundo donax, sono generalmente fatte dagli stessi suonatori. Le ance iniziano con un pezzo di canna che è stato lasciato asciugare. La canna viene poi tagliata e sgorbiata in strisce lisce, lasciando la corteccia attaccata. Dopo l’ammollo, la striscia di canna viene tagliata nello spessore desiderato, o profilata. Questo può essere fatto a mano; è più frequentemente fatto con una macchina o uno strumento progettato per lo scopo. Viene poi tagliata al profilo corretto, o sagomata. Assicurandosi che la canna sia ben imbevuta, per evitare la rottura, la striscia di canna profilata e sagomata viene ripiegata al centro. I bordi esterni, dove rimane la corteccia dopo la profilatura, sono assicurati da tre bobine di filo a 2 mm e 8 mm dall’inizio della lama, e 6 mm dal fondo. Il pezzo piatto di canna viene posto su un mandrino lungo e sottile e premuto con forza intorno ad esso per dargli la forma giusta, fino a quando la parte inferiore della canna è abbastanza arrotondata per adattarsi saldamente all’estremità del bocal.

Dopo che la canna si è asciugata, i fili vengono stretti intorno alla canna, che si è ristretta dopo l’asciugatura. La parte inferiore viene sigillata (generalmente con cemento di gomma o epossidico) e poi avvolta con dello spago per assicurare sia che non esca aria dal fondo dell’ancia sia che l’ancia mantenga la sua forma.

Per finire l’ancia, prima si taglia la punta (precedentemente il centro della striscia di canna), in modo che le lame sopra la corteccia siano lunghe circa 27 mm. L’ancia viene poi raschiata con un coltello fino ad ottenere il profilo appropriato, che ha una punta sottile che porta ad una sezione posteriore più spessa, e la “spina dorsale” che scende lungo il centro, anch’essa spessa. Le misure specifiche differiscono da giocatore a giocatore e da strumento a strumento. La punta stessa di un’ancia è spesso solo 0,1 mm di spessore.

Poiché lo stile dell’ancia desiderata varia molto da giocatore a giocatore, la maggior parte dei giocatori avanzati si costruisce le proprie ance per personalizzarle al proprio stile individuale, e quasi tutti hanno familiarità con il processo di fabbricazione. Tuttavia, diverse aziende offrono ance pre-fatte, e diversi individui producono anche ance per la vendita, alcuni specializzati in questo tipo di gioco.

La prima ancia

Si sa poco della prima costruzione dell’ancia per fagotto, poiché pochi esempi sopravvivono, e molto di ciò che si sa è solo ciò che può essere raccolto da rappresentazioni artistiche. Le prime istruzioni scritte conosciute risalgono alla metà del XVII secolo e descrivono l’ancia come se fosse tenuta insieme da filo metallico o filo resinato; le prime ance effettive che sopravvivono sono più di un secolo più giovani, una collezione di 21 ance dal bajon spagnolo della fine del XVIII secolo.

Il fagotto nel jazz

Il fagotto è usato raramente come strumento jazz e raramente visto in un ensemble jazz. Cominciò ad apparire per la prima volta negli anni ’20, con chiamate specifiche per il suo uso nel gruppo di Paul Whiteman e qualche altra apparizione in sessione. I decenni successivi videro lo strumento usato solo sporadicamente, poiché il jazz sinfonico cadde in disgrazia, ma gli anni ’60 videro artisti come Yusef Lateef e Chick Corea incorporare il fagotto nelle loro registrazioni; la strumentazione varia ed eclettica di Lateef vide il fagotto come un’aggiunta naturale, mentre Corea impiegò il fagotto in combinazione con il flautista Hubert Laws. Più recentemente, Illinois Jacquet e Frank Tiberi hanno entrambi raddoppiato il fagotto in aggiunta alle loro solite performance al sassofono. La fagottista Karen Borca, esecutrice di free jazz, è uno dei pochi musicisti jazz a suonare solo fagotto; Michael Rabinowitz, il fagottista spagnolo Javier Abad, e James Lassen, un americano residente a Bergen, Norvegia, sono altri. Lindsay Cooper, Paul Hanson e Daniel Smith usano attualmente il fagotto nel jazz. I fagottisti francesi Jean-Jacques Decreux e Alexandre Ouzounoff hanno entrambi registrato jazz, sfruttando la flessibilità dello strumento del sistema Buffet con buoni risultati.

Il fagotto nell’arte e nella letteratura

L’orchestre de l’opéra, dipinto di Edgar Degas, 1870

Molto della storia antica del fagotto è conosciuta attraverso la sua rappresentazione nella pittura; l’unica fonte di descrizione della prima canna di fagotto, per esempio, è nei dipinti della Spagna del tardo XVI secolo.

C’era anche un dipinto fatto da Edgar Degas nel 1870, chiamato “L’orcheste de l’opéra” (“L’orchestra dell’opera”, noto anche come “Nella fossa dell’orchestra”), presenta un fagottista nell’orchestra tra diversi altri membri dell’orchestra.

Concerti e altra letteratura orchestrale

Barocco

• Antonio Vivaldi ha scritto 37 concerti per fagotto
• Georg Philipp Telemann Sonata in fa minore

Classico

• Johann Christian Bach, Concerto per fagotto in si bemolle, Concerto per fagotto in mi bemolle maggiore
• Johann Nepomuk Hummel, Concerto per fagotto in fa, W75
• Wolfgang Amadeus Mozart, Concerto per fagotto in si bemolle, K191
• Carl Stamitz, Concerto per fagotto in fa maggiore
• Johann Baptist Vanhal, Fagotto in do maggiore, Concerto in fa maggiore per due fagotti e orchestra

Romantico

• Carl Maria von Weber, Andante e rondo ungarese in do minore, op. 35; Concerto per fagotto in fa, op. 75
• Camille Saint-Saëns, Sonata per fagotto e pianoforte in sol maggiore, op. 168

Contemporaneo

• Luciano Berio, Sequenza XII per fagotto (1995)
• Edward Elgar, Romance for Bassoon and Orchestra, op. 62
• Alvin Etler, Sonata per fagotto e pianoforte
• Hindemith, Sonata per fagotto e pianoforte (1938)
• Gordon Jacob, Concerto per fagotto, archi e percussione, Quattro schizzi per fagotto, Partita per fagotto
• Francesco Mignone, Sonata per doppio fagotto, 14 valses per fagotto
• Willson Osborne, Rapsodia per fagotto
• John Steinmetz, Sonata per fagotto e pianoforte
• Richard Strauss, Concertino per clarinetto e fagotto con archi e arpa (1948)
• John Williams, I cinque alberi sacri: Concerto per fagotto e orchestra (1997)
• Richard Wilson, Profound Utterances (1984) e Concerto per fagotto (1983)

Passaggi orchestrali famosi

• Béla Bartók, Concerto per orchestra; il secondo movimento presenta strumenti a fiato in coppia, a cominciare dai fagotti, e la ricapitolazione del loro duetto aggiunge un terzo strumento che suona una contro-melodia in staccato.
• Ludwig van Beethoven, Sinfonia 4 in Sib maggiore
• Ludwig van Beethoven, Sinfonia 9 in Re minore, ultimo movimento
• Hector Berlioz, Symphonie Fantastique (Nel quarto movimento, ci sono diversi passaggi solistici e tutti di fagotto. Questo pezzo richiede quattro fagotti.)
• Paul Dukas, L’apprendista stregone, ampiamente riconosciuto come usato nel film Fantasia
• Edvard Grieg, Nella sala del re della montagna
• Carl Orff, Carmina Burana
• Sergei Prokofiev, Pietro e il lupo (probabilmente il tema di fagotto più conosciuto, la parte del nonno)
• Maurice Ravel, Rapsodie Espagnole (presenta una veloce e lunga doppia cadenza alla fine del primo movimento)
• Maurice Ravel, Boléro (il fagotto ha un alto passaggio solistico discendente verso l’inizio)
• Maurice Ravel, Concerto per pianoforte in Sol Maggiore
• Nikolai Rimsky-Korsakov, Scheherazade, secondo movimento
• Dmitri Shostakovich, diverse sinfonie tra cui #1, 4, 5, 8, & 9
• Jean Sibelius, Sinfonia 2 in Re maggiore
• Jean Sibelius, Sinfonia 5 in Eb maggiore
• Igor Stravinsky, La Sagra della Primavera (si apre con un famoso assolo di fagotto poco ortodosso)
• Igor Stravinsky, ninnananna da L’uccello di fuoco
• Igor Stravinsky, Sinfonie di strumenti a fiato (meno conosciuta ma altrettanto alta e difficile come La Sagra della Primavera)
• Pëtr Il’ič Čajkovskij, Sinfonia 4 in fa minore
• Pëtr Il’ič Čajkovskij, Sinfonia 5 in mi minore
• Pëtr Il’ič Čajkovskij, Sinfonia 6 in si minore

Notevoli fagottisti

• Etienne Ozi (1754-1813): compositore, pedagogo
• Carl Almenräder (1786-1843): progettista di strumenti, compositore
• Louis Marie Eugène Jancourt (1815-1900): compositore, pedagogo, progettista di strumenti
• Julius Weissenborn (1837-1888): compositore, pedagogo
• Archie Camden (1888-1979): pedagogo
• Simon Kovar (1890-1970): arrangiatore, pedagogo
• Sol Schoenbach (1915-1999): pedagogo, direttore della Philadelphia Orchestra prima di Bernard Garfield
• Leonard Sharrow (1915-2004): pedagogo, direttore della Chicago Symphony Orchestra, 1951-1964
• Maurice Allard (1923-): arrangiatore
• Sherman Walt (1923-1989): pedagogo, direttore della Boston Symphony Orchestra 1951-1989.
• Mordechai Rechtman (1925-): pedagogo, arrangiatore, direttore d’orchestra, direttore della Israel Philharmonic per 45 anni
• Bernard Garfield (1928-): pedagogo, direttore della Philadelphia Orchestra 1957-2000.
• William Waterhouse (1931-): pedagogo, Royal Northern College of Music, e principale in varie orchestre di Londra nel periodo 1955-1975
• Walter Ritchie (1936-): pedagogo, Los Angeles Philharmonic Orchestra
• Judith LeClair (1958-): pedagogo, New York Philharmonic principale
• Benjamin Kamins: pedagogo, Houston Symphony principale 1981-2003
• David McGill: Chicago Symphony Orchestra principale, Cleveland Orchestra principale 1988-1997
• Frank Morelli: New York City Opera Orpheus Chamber Orchestra American Composer’s Orchestra Brooklyn Philharmonic principale, suona in Windscape, insegnante The Juilliard School SUNY Stonybrook Yale The Manhattan School of Music
• Christopher Millard: pedagogo, solista, insegnante Ottawa University, National Arts Centre Orchestra, precedentemente nella CBC Vancouver Orchestra
• Klaus Thunemann pedagogo, solista, North German Radio Symphony Orchestra, ex principale
• Dag Jensen (1964-) pedagogo, solista, WDR Symphony Orchestra Cologne, ex principale
• Sergio Azzolini pedagogista, solista, fagottista barocco, direttore d’orchestra
• Christopher Weait pedagogo, insegnante Ohio State University (1984-2006), ex principale Toronto Symphony Orchestra
• Arthur Weisberg pedagogo, insegnante Jacobs School of Music
• Norman Harvey Herzberg (1916-) Noto pedagogo, sviluppatore di attrezzature per la produzione di ance. Campione delle composizioni di Paul Hindemith
• Fernando Traba insegnante, direttore della Florida West Coast Symphony