Damien Hirsts „Treasures From the Wreck of the Unbelievable“ im Palazzo Grassi

Immer angetrieben von kalkulierter Beleidigung, ist Damien Hirsts Kunst im Laufe der Jahre geronnen, während er reicher, mächtiger und weithin lächerlich gemacht wurde. Es scheint, dass er begonnen hat, sein Publikum nicht mehr als Freund zu betrachten, den es zu adeln gilt, sondern als käuflichen, infantilen Feind, den es zu erniedrigen gilt – zumindest nimmt man das von seiner vergifteten „Gib-den-Leuten-was-sie-wollen“-Extravaganz in Venedig in diesem Jahr mit.

Der Film ist ein Wunderwerk der Vorstellungskraft, bei dem die hochwertige Ausführung und Umsetzung der albernen „Die Legenden sind real“-Prämisse eine große Anziehungskraft ausübt, aber er präsentiert auch einen sehr spezifischen Stil des „Realismus“, der aus den übertriebenen, Lust befriedigenden Fantasie-Genres der Comics und der Pornografie stammt. Und es sind nicht nur die vielen goldenen Kugeln, die versteinerten Cartoon-Figuren und die High-Tech-Displays, die sich wie eine billige Anbiederung anfühlen.

Es reicht nicht aus, dass Hirst eine Ersatzbüste der Nofretete schafft – er muss auch ihre Brüste zeigen. Und es reicht nicht aus, die Horrorgeschichte vom Raub der Opfermädchen durch den Minotaurus nachzuerzählen – er muss zeigen, wie das Ungeheuer eine schöne (und schreiende) nackte Frau vergewaltigt.

Auch einer Statue einer toten Frau, die auf einem Steinpodest aufgebahrt ist, wird nicht die Feierlichkeit des Themas zugestanden. Stattdessen wird das Marmortuch, das die Leiche bedeckt, heruntergezogen, um ihre Brüste zu entblößen, und so drapiert, dass ihre Genitalien durchsichtig sind. Es ist gruselig.

In diesem Zeitalter des Relativismus sind einige Dinge gut und einige Dinge wirklich schlecht (im doppelten Sinne), und dies ist das Schlimmste, was ich das ganze Jahr über gesehen habe.

-Andrew Goldstein

Marta Minujíns Performance Payment of Greek Debt to Germany with Olives and Art (2017) auf der documenta 14 in Athen

Die argentinische Künstlerin Marta Minujín hat sicherlich eine beeindruckende Karriere hinter sich, aber ihr neckisches Performance-Stück auf der documenta 14 war eine ignorante Übervereinfachung eines zutiefst komplizierten Themas. Ihr Werk stand im Mittelpunkt des Foyers des Nationalen Museums für zeitgenössische Kunst in Athen. Dort fand man einen quadratischen Bottich mit saftigen Oliven, die von der Künstlerin vorgeschlagene Summe für Griechenlands Schuldenrückzahlung. Es war schlecht, aber nicht anstößig.

Dann aber kam die Performance. In dem Stück drehten sich der punkige Glam-Künstler (der drinnen eine reflektierende Sonnenbrille trug) und ein Angela-Merkel-Imitator unbeholfen auf Bürostühlen um den Olivenkübel, bevor die Merkel-Doppelgängerin eine schnelle Rede hielt und dem Schuldenerlass für Griechenland zustimmte. Der Künstler und Merkel schüttelten sich unbeholfen die Hände, bevor Minujín ihr eine Handvoll Oliven in die Hand gab.

Das war’s. Subversion und komische Überschreitung sind in diesem Debakel durchaus erwünscht, aber dieser Auftritt hat beides verfehlt. Es war viel zu selbstverständlich und ohne jede Poesie.

-Kate Brown

Kristen Visbals Fearless Girl (2017) Statue auf der Wall Street

Das ist eine schwierige Frage. Als die Menschen am 8. März, dem Internationalen Frauentag, auf die Straße gingen, hatte die virale Sensation des Fearless Girl etwas unbestreitbar Inspirierendes an sich, denn ihre winzige Figur stand dem Charging Bull gegenüber, einem leuchtenden Symbol für die schlimmste Gier der Wall Street. Aber schon von Anfang an hatte ich einen winzigen Zweifel.

Ich wusste, dass Arturo Di Modica seinen massiven Bronzestier als Guerilla-Kunstwerk geschaffen hatte, das er 1989 im Schutze der Nacht illegal aufstellte, als Symbol für die Widerstandsfähigkeit der amerikanischen Wirtschaft, die sich damals noch von dem Crash von 1987 erholte. Und je mehr ich las, desto klarer wurde, dass Fearless Girl kein authentisches Wohlfühlsymbol der Selbstbestimmung war, sondern eine kalkulierte Werbekampagne eines Finanzunternehmens, das für einen börsengehandelten Fonds werben wollte, der sich auf Unternehmen mit „größerer Geschlechtervielfalt“ konzentriert.

Di Modica beklagte eine Urheberrechtsverletzung, und die beiden Unternehmen, die das Kunstwerk in Auftrag gegeben hatten, McCann und State Street Global Advisors, wurden geoutet, weil sie nur 27 bzw. 18 Prozent weibliche Führungskräfte haben. Um dem Ganzen noch die Krone aufzusetzen, wurden betrunkene Wall Street-Brüder dabei beobachtet, wie sie die Statue trocken rangenommen haben, denn Wall Street-Brüder sind die schlimmsten.

Das Todesurteil kam im Oktober, als das wahre Ausmaß des Zynismus des Publicity-Gags aufgedeckt wurde: Die Muttergesellschaft von State Street zahlte 5 Millionen Dollar, um einen massiven Rechtsstreit beizulegen, in dem behauptet wurde, dass ihre weiblichen und schwarzen Angestellten schlechter bezahlt wurden als weiße Männer in vergleichbaren Positionen. Traurigerweise hat Fearless Girl ihren feministischen Zauber völlig verloren, falls sie ihn überhaupt jemals hatte.

-Sarah Cascone

Ai Weiwei, Jacques Herzog und Pierre de Meurons „Hansel & Gretel“ (2017) in der Park Avenue Armory

In einem Jahr, in dem sich George Orwells 1984 weniger fiktiv anfühlte als je zuvor, fühlte sich diese Installation, die über die Allgegenwart von Überwachung nachdachte, eher wie ein Selfie-Generator im Stil von Dance Dance Revolution an. Die ehrenwerte Mission des Künstlers, den Betrachter zum Nachdenken darüber anzuregen, wie Technologie für schändliche Zwecke eingesetzt wird, wurde durch die Dummheit der Übung in den Schatten gestellt.

-Caroline Goldstein

„Marc Quinn: Drawn from Life“ (2017) im Sir John Soane’s Museum

Der Truthahn des Jahres in London war Marc Quinns neues Gesamtwerk „All About Love“, das von März bis September im gesamten Sir John Soane’s Museum wie ein Ausschlag installiert war. Das Dutzend Skulpturen, die aus Abgüssen des Künstlers und seiner Freundin, der Tänzerin Jenny Bastet, entstanden sind, gaben dem Museum aus dem 19. Jahrhundert das Aussehen und die Atmosphäre eines Liebeshotels. Zehentrenner.

-Javier Pes

Teju Cole’s Black Paper (2017) im BKLYN Studio at City Point für Performa 17

Ich freue mich immer über jeden Nicht-Performance-Künstler, der von Performa ausgewählt wird, um sich an dem Medium zu versuchen. Aber Black Paper (2017) des nigerianisch-amerikanischen Fotografen, Schriftstellers und Kritikers Teju Cole, der versuchte, sich mit den viszeralen Reaktionen auf Donald Trumps Aufstieg zum Präsidenten auseinanderzusetzen, bot ein Lehrstück über die Gefahren, sich ungeübt an Live-Events heranzuwagen.

Das Publikum saß in der Runde, zentriert auf den Künstler, der so tat, als schliefe er, so dass die Bilder, die sich auf den großen Bildschirmen um das Publikum herum abspielten, einen… Traum darstellten. Wir sahen eine Abfolge von Titelseiten der New York Times seit dem Tag nach der Wahl 2016, die sich allmählich übereinander legten – eine plumpe Metapher für das Vergehen der Zeit (es war fast auf den Tag genau ein Jahr seit der Wahl vergangen). Der arrhythmische Soundtrack war ein offenkundiges Analogon für die von Trump ausgelöste Verzweiflung, und als The Donalds eigene Stimme zweimal das einsame Wort „Muslime“ intonierte, konnte ich mich des Gefühls nicht erwehren, dass mir ein Schlag auf den Kopf versetzt wurde – ein Gefühl, das seinen Höhepunkt erreichte, als die Bildschirme schwarz wurden, die Lautsprecher verstummten und der Künstler mit einem Schrei „erwachte“.

-Brian Boucher

Yayoi Kusamas Guidepost to the New World (2016) Installation bei der Armory Show 2017

Ich denke, wir sind uns alle einig, dass die Qualität eines Kunstwerks nicht proportional zu der Zeit ist, die der Künstler für seine Herstellung gebraucht hat. Aber ich denke auch, dass es fair ist zu sagen, dass Kunst zumindest eine gewisse Zeit brauchen sollte, um zu entstehen. Das war bei Kusamas Beitrag zur diesjährigen Armory Show, einem großen, gepunkteten Spielplatz, nicht der Fall.

„Kusama skizzierte etwas auf einer Serviette, faxte es rüber, und wir sagten: ‚Großartig!'“, erklärte der ehemalige Direktor der Armory Show, Ben Genocchio, gegenüber ARTnews. Das Ergebnis ist ein Werk, das symbolisch für eine zunehmend beliebte Art von messefreundlichen, massenproduzierten Arbeiten steht. Wie Zuckerwatte hat es keinen Nährwert und bietet keine dauerhafte Befriedigung – aber es sieht auf Instagram wirklich gut aus.

-Julia Halperin

Rebecca Goyette und Brian Andrew Whiteleys Golden Showers: Sex Hex at Volta NY

Kunst über Trump, wie der Mann selbst, neigt dazu, Subtilität und Substanz zu vermissen. Aber dieses knallige, ekelhafte Video, das mit Cheetos und Senf (so viel Senf!) seine angebliche Nacht in einem russischen Hotelzimmer nachstellt, in der er von Prostituierten angepinkelt wurde, hebt die Geschmacklosigkeit auf ein neues Niveau. Nachdem ich das gesehen hatte, wollte ich duschen – mit Wasser.

-Taylor Dafoe

Olafur Eliasson’s Green Light: An Artistic Workshop (2017) auf der 57. Biennale von Venedig

Der Künstler, der Kurator und alle anderen, die daran beteiligt waren, diesen Workshop in die Giardini zu bringen, wurden sicherlich von guten Absichten geleitet: das Atelier des Künstlers arbeitete mit Nichtregierungsorganisationen zusammen, die Migranten und Asylsuchenden aus konfliktreichen Ländern dabei helfen, sich in Europa zu akklimatisieren und eine sinnvolle Beschäftigung und soziale Kontakte zu finden, während sie sich in der rechtlichen Schwebe befinden. Als Gegenleistung für ihre Arbeit beim Bau der berühmten modularen Lampen des dänisch-isländischen Künstlers erhielten die Teilnehmer Mahlzeiten, Rechtsberatung und Sprachunterricht – eine zweifellos bewundernswerte Initiative. (Asylbewerbern ist es nicht gestattet, einer Erwerbstätigkeit nachzugehen.) Doch die Durchführung des Workshops innerhalb des Ausstellungsraums machte ihn zwangsläufig zu einem Spektakel. Die einzelnen Teilnehmer verwandelten sich in eine homogene Gruppe anonymer „Anderer“, die irgendwie das Image eines Kunststars als Weltverbesserer aufpolierten.

-Hili Perlson

Claudia Fontes‘ The Horse Problem (2017) auf der 57. Biennale von Venedig

Sehen Sie, ich weiß, dass es bei dieser Skulpturengruppe, die einen wichtigen Platz auf der Biennale einnimmt, am Ende des Arsenale, um sehr ernste Themen geht. Es geht um nationale Identität. Es geht um Kunstgeschichte (sie basiert auf einem Gemälde, The Return of the Indian Raid). Laut Katalogessay geht es um das Pferd als „Protagonist kapitalistischer und kolonialer Erzählungen über die Ausbeutung des Natürlichen und seine Umgestaltung in eine Ressource“

Aber nichts davon liest sich, und es ist riesig, und es ist albern. Es sieht aus, als würde Damien Hirst auf Lisa Frank treffen, oder, wie ich Anfang des Jahres sagte, als hätte Fearless Girl etwas Ayahuasca genommen.

-Ben Davis

Ich gebe zu, das ist ein bisschen geschummelt, aber ein Künstler, den ich in diesem Jahr sehr gut kennenlernen durfte, hat mich auf eine Idee gebracht, in die ich mich verliebt habe: nämlich, dass es so etwas wie „schlechte Kunst“ nicht gibt. Es gibt nur Kunst und Täuschung. Und wenn man bedenkt, mit wie viel Wahn die meisten von uns im Jahr 2017 zu tun hatten, fühle ich mich nicht gerade gezwungen, den Dezember zu schließen, indem ich einen Scheinwerfer auf noch mehr Hysterie schwenke.

-Tim Schneider

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