Von 1972 bis 1974 feierte eine Welle von hauptsächlich britischen Rockbands – genannt Glitter Rock – große Erfolge mit einem Sound, der eine radikale Abkehr von der Frieden/Liebe/Sandalen-Stimmung der jüngeren Vergangenheit bedeutete. Die neue Bewegung zelebrierte das Oberflächliche, ließ Androgynität cool aussehen und bedeutete eine völlige Abkehr von den ernsthafteren „Rettet die Welt“-Gefühlen der Hippie-Ära. Der Autor des Rolling Stone, David Fricke, beschrieb den Glitter Rock als „die Flutwelle von Popgitarren, wütender Pubertät und eleganter Anarchie“. Die männlichen Sänger trugen oft Zottelhaarschnitt, Eyeliner, Lippenstift, ausgefallene Kleidung und hochhackige Plateauschuhe mit Hingabe. Doch die Musik, die aus dieser Ära hervorging – David Bowie und Roxy Music schufen einige der größten klanglichen Vermächtnisse von Glitter -, sollte einen sicheren Platz in den Annalen der Rockgeschichte erhalten, und das Genre wurde als das innovativste Ereignis bezeichnet, das vor dem Punkrock durch die Popmusiklandschaft fegte.

„Glitter war urbane Panikmusik“, schrieb Jon Savage in Gadfly und beschrieb den deutlichen Unterschied zwischen Glitter Rock und Hippierock. „Statt Naturfasern gab es Crimplen, Glitzer, Pelz; statt LSD, Alkohol und Downer; statt Alben standen Singles im Mittelpunkt; statt Authentizität herrschte synthetische Plastizität; anstelle eines mürrischen, bärtigen Machismo gab es eine glückselige, trashige Androgynität.“ Der Sommer 1972 wird gewöhnlich als der Moment der Entstehung von Glitter bezeichnet, und London als der Ort dafür, aber die in den Charts erfolgreiche Version von Glitter – im Vereinigten Königreich Glam genannt – verdankte einer obskuren jungen amerikanischen Band, den New York Dolls, eine kleine Schuld. Die Dolls lebten in Greenwich Village und spielten ursprünglich Otis-Redding-Cover im so genannten „Oscar Wilde Room“ des Mercer Art Center, hatten lange Haare, trugen Plateauschuhe und viel Make-up. Ein Teil ihrer Inspiration stammte aus der Theaterszene von Greenwich Village in den späten 1960er Jahren – insbesondere aus den groben Machenschaften der Ridiculous Theater Company – und sie wurden zur nächsten angesagten Band, als Andy Warhol und sein Gefolge begannen, die Mercer-Shows zu besuchen.

Ein Management-Team hielt es für besser, die Dolls zuerst in London zu starten, und sie flogen hin und hatten sofort Erfolg. Sie wurden als Vorgruppe für Rod Stewart engagiert und waren die erste Gruppe in der Musikgeschichte, die mit einem großen Rockstar auf Tournee ging, ohne jemals ein Album oder auch nur eine Single produziert zu haben. Dann starb einer der Dolls, Billy Murcia, an einer Überdosis Quaalude, und die Band wurde in der Musikpresse eine Zeit lang hochgelobt. Im Dezember 1972 tauchten sie mit einem neuen Schlagzeuger wieder auf und wurden vom Mercury-Label unter Vertrag genommen, aber ihre Karriere ging nach nur zwei Alben zu Ende. Erschwerend kam hinzu, dass das amerikanische Publikum zu einer Zeit, als Homosexualität für viele ein neues und sehr kontroverses Thema war, annahm, die Band sei schwul.

Zurück in London herrschte jedoch eine ganz andere Stimmung. Glitter/Glam Rock war im Sommer 1972 ein großer Erfolg. Der Vorläufer kam im Frühjahr 1971 mit dem jungen und attraktiven Sänger Mark Bolan und seiner Band T. Rex. „Get It On (Bang the Gong)“ und nachfolgende Titel wie „20th Century Boy“ und „Diamond Meadows“ wurden zu Klassikern des Glitter. Wie die meisten popkulturellen Bewegungen entstand auch Glitter als Reaktion auf etwas anderes. In diesem Fall war es die Allgegenwärtigkeit des Hippies. Im Jahr 1972 wurde der Langhaar-Granola-Look sogar in die Werbung übernommen. Die Beatles waren verschwunden, und Bands wie Yes, Moody Blues, Fleetwood Mac und Led Zeppelin waren groß im Kommen, ebenso wie der Country-Rock; lange, düster anmutende Melodien waren en vogue. Glitter zelebrierte das Gekünstelte und Gepflegte, und es gab starke Elemente des Camps. Außerdem reichte der Anblick von geschminkten Männern immer noch aus, um die Menschen auf der Straße zum Stehen zu bringen und in der Mainstream-Presse regelmäßig für Aufregung zu sorgen. Homosexualität war in Großbritannien erst Ende der 1960er Jahre entkriminalisiert worden, und die Schwulenrechtsbewegung in den Vereinigten Staaten existierte erst seit dem Sommer 1969. Dem Durchschnittsmann oder der Durchschnittsfrau eines bestimmten Alters war es immer noch furchtbar unangenehm, überhaupt zuzugeben, dass es schwule Männer und Frauen gab, so tabuisiert war das Thema vor diesen Jahren. So fanden der Glitzerrock und seine Begleiterscheinungen – die seltsamen Plattencover, die hochauflösenden Rockposter, das Nachahmen des Aussehens des Lieblingssängers – großen Anklang bei der Teenager-Generation.

Im Jahr 1972 wurden mehrere entscheidende Alben veröffentlicht, die eine neue Ära des Rock einläuteten. Roxy Music, die damals von Bryan Ferry geleitet wurden und zu denen auch Brian Eno gehörte, werden als die ideologische Vorhut der Bewegung bezeichnet. Ihr selbstbetiteltes Debütalbum und die Single „Virginia Plan“ wurden im Sommer 1972 mit großem Erfolg veröffentlicht. Sehr rockige Gitarrenakkorde und wummernde Drums verschmolzen mit Ferrys bogenförmigen, fast poetischen Texten und machten Roxy zur vielleicht beständigsten aller Glitter-Bands, die bei den Kritikern praktisch nie in Ungnade fiel. Diese Eno-Periode wird gewöhnlich als ihr Höhepunkt bezeichnet; sie lösten sich nach der Veröffentlichung von Country Life im Jahr 1974 auf und nachfolgende Reformationen erreichten nie wirklich den anfänglichen Vorsprung.

David Bowie und seine Ziggy Stardust-Persönlichkeit sind ebenfalls untrennbar mit Glitter Rock verbunden. Sein massiver Erfolg mit androgynen Outfits und spacigen Lamé-Bodys war die Mainstream-Rock-Manifestation der gesamten Glam-Bewegung. Sein 1972 erschienenes Album The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars gilt als eine der wichtigsten Veröffentlichungen dieses Genres. Darüber hinaus produzierte Bowie in kurzer Zeit eine Reihe bedeutender Alben, die für die Glam-Rock-Diskografie ebenfalls von entscheidender Bedeutung waren: All the Young Dudes“ von Mott the Hoople, „Transformer“ von Lou Reed und „Raw Power“ von Iggy Pop and the Stooges, die alle im Jahr 1972 veröffentlicht wurden. Im selben Jahr erklärte Bowie in einem Interview mit der britischen Musikzeitschrift Melody Maker, dass er schwul sei (später änderte er dies in „bisexuell“), was für großes Aufsehen sorgte. Er war der erste Popstar, der ein solches Geständnis ablegte.

Weitere musikalische Ereignisse im Sommer 1972 machten Glam/Glitter zu einer kommerziell tragfähigen Bewegung. Gary Glitter, ein in Vergessenheit geratener englischer Sänger aus den 1950er und 1960er Jahren, hatte mit den kazoo-ähnlichen Gitarren und dem Ein-Wort-Text („Hey!“) in „Rock and Roll (Part II)“ einen Riesenerfolg. Die Single, die in England ein Riesenerfolg war und in den Vereinigten Staaten die Top Ten erreichte, ging in den 1990er Jahren als unverzichtbarer Sportstadien-Rocker in die Geschichte ein. „Sofort nostalgisch, aber wie nichts anderes auf der Welt, schnitt ‚Rock and Roll‘ durch alles, was in diesem englischen Sommer war, durch den T. Rex und David Bowie, durch Slades patentierten Stomp und Sweet’s kandierten Pop“, schrieb Dave Thompson in Goldmine, „und obwohl er nicht ganz auf Platz 1 landete, hielt er sich so lange in den Charts, dass es keinen anderen Song auf der Welt gibt, der den Moment so gut einfängt.“

Einige andere Tracks stehen für den Glitter-Rock-Moment, wie der Kult-Favorit „Baby’s on Fire“ von einem Brian Eno-Soloprojekt. Andere britische Bands stiegen schnell auf den Glam-Rock auf, sobald dessen Geldmacherei-Potenzial etabliert war, produzierten aber Musik mit weit weniger Elan und künstlerischer Ausdauer als Bowie, Roxy oder T. Rex. Slade und Sweet waren zwei dieser Acts und wurden zu den Begründern der Glam-Metal-Bewegung der 1980er Jahre; auch Queen stammten aus dieser Ära und überraschten viele, indem sie den Glitter-Rock weit über sein angekündigtes Ende hinaus erfolgreich weiterführten. Der Glitzerrock markierte auch einen Wendepunkt in der Popmusik: Vor 1972 hatten der amerikanische und der britische Musikgeschmack mehr oder weniger übereingestimmt. Dennoch konnte sich Glam in den Vereinigten Staaten nicht so durchsetzen wie in Großbritannien, und der Schock-Rock-Proto-Goth Alice Cooper war der einzige wirkliche einheimische kommerzielle Erfolg.

1974 hatten sich die New York Dolls nach weiteren Drogenproblemen aufgelöst, die Stooges lösten sich auf, Bowie brachte ein Album mit alten Coversongs heraus, und Elton John – vielleicht die kommerziellste und international erfolgreichste Manifestation des Glitter Rock – war ein Riesenerfolg. Das Cross-Dressing-Camp des Glitzerrocks wurde erfolgreich in einem Bühnenstück umgesetzt, der Rocky Horror Picture Show, die fast von ihrem Debüt im Jahr 1975 an zum Kultfilm wurde. Das letzte Aufatmen des echten Glam in den Vereinigten Staaten kam mit dem Top-Ten-Hit „Ballroom Blitz“ von Sweet im Sommer 1975.

In jenem Sommer befand sich der Punk in England bereits im Anfangsstadium und sollte im folgenden Jahr voll durchschlagen. Gekennzeichnet durch Vulgarität, zerlumpte Kleidung und fast unhörbare, alles andere als melodische Musik, war Punk, wenig überraschend, eine reaktionäre Bewegung – gegen den satinierten, frisierten Look von Glitter mit seinen elektrischen Klavieren und Wildean Sentiments. Etwas mehr als ein Jahrzehnt später gehörten die Skurrilität und die alternative Sexualität des Glitzerrocks zu den Standardklischees der Popmusik, die am erfolgreichsten von Boy George, Prince und sogar Madonna verkörpert wurden. Velvet Goldmine, ein Film von Todd Haynes aus dem Jahr 1998, lehnte sich in seinem Titel an einen Bowie-Song aus dieser Zeit an und wurde als Zeichen für die Wiederbelebung des Glitter-Rocks gefeiert. Der Film spielt im London der frühen 1970er Jahre und erzählt die Rock-’n‘-Roll-Liebesgeschichte eines bisexuellen Rockstars in Space-Age-Kleidung und seines weitaus punkigeren amerikanischen Freundes, der eindeutig für Iggy Pop steht. Zahlreiche Koryphäen der alternativen Musik haben am Soundtrack von Velvet Goldmine mitgewirkt, und der Filmemacher Todd Haynes erinnerte sich in Interviews daran, wie sehr die Musik und die Bilder aus der Glitter-Rock-Ära seine Jugendjahre beeinflusst haben. „Es war ein Moment, in dem es sogar für Heteros cool war, bisexuell zu sein“, sagte der Cutter des Films, Jim Lyons, gegenüber Amy Taubin in der Village Voice. „Es gibt eine klare Nostalgie für diese Zeit, in der wir glaubten, dass wir eine bessere und bessere Gesellschaft haben würden und dass der Feminismus siegen würde und Homosexualität vollständig akzeptiert werden würde.“

-Carol Brennan

Weiteres Lesen:

Fricke, David. „Weird Scenes from the Velvet Goldmine.“ Rolling Stone, November 26, 1998, 64-67.

Goldman, Albert. „Rock Goes Holl-Ly-Wooood!“ Sound Bites. New York, Random House, 1992.

Klawans, Stuart. „All that Glitters.“ Nation. November 30, 1998, 32-34.

Lim, Dennis. „The Music Choice Artifacts and Inspired Counterfeits“. Village Voice. November 3, 1998, 50.

McCormick, Moira. „International ‚Velvet‘ Mines Glam’s Riches.“ Billboard. 3. Oktober 1998, 22.

McNeil, Legs, und Gillian McCain, Please Kill Me: The Uncensored Oral History of Punk. New York, Penguin, 1997.

Savage, Jon. „Divine Decadence: Memories of Glam.“ Gadfly. Oktober 1998.

Stambler, Irwin. „David Johansen.“ The Encyclopedia of Pop, Rock & Soul. New York, St. Martin’s, 1989, 339-41.

Taubin, Amy. „All that Glitters.“ Village Voice. November 18, 1997, 64-66.

Thompson, Dave. „Gary Glitter.“ Goldmine, July 4, 1997, 20-30.