Les « Trésors de l’épave de l’Incroyable » de Damien Hirst au Palazzo Grassi

Toujours alimenté par une offense calculée, l’art de Damien Hirst s’est recroquevillé au fil des ans à mesure qu’il est devenu plus riche, plus puissant et plus largement ridiculisé. Il semble qu’il ait commencé à considérer son public non pas comme un ami à ennoblir mais comme un ennemi cupide et infantile à avilir – du moins, c’est ce que l’on retient de son extravagance empoisonnée donnant aux gens ce qu’ils veulent à Venise cette année.

Positionné comme une merveille d’imagination, où l’exécution et la fabrication de haute qualité de sa prémisse idiote the-legends-are-real est une grande attraction, il présente également un style très spécifique de « réalisme », tiré des genres fantastiques exagérés de satisfaction du désir de la bande dessinée et de la pornographie. Et il n’y a pas que les oodles de babioles en or, les personnages de dessins animés fossilisés et les affichages de haute technologie qui sentent la prostitution de base.

Il n’est pas suffisant pour Hirst de créer un ersatz de buste de Néfertiti-il doit aussi montrer ses seins. Et il ne suffit pas de raconter à nouveau l’histoire d’horreur de la prédation des vierges sacrifiées par le Minotaure – il doit montrer le monstre violant une belle femme nue (et hurlante).

Même la statue d’une femme morte posée sur une plate-forme de pierre n’a pas droit à la solennité du sujet. Au lieu de cela, la feuille de marbre qui recouvre le cadavre est montrée tirée vers le bas pour exposer ses seins, et drapée de manière à montrer ses organes génitaux de manière transparente. C’est flippant.

En cette ère de relativisme, certaines choses sont bonnes et d’autres sont vraiment mauvaises (dans les deux sens du terme), et c’est la pire chose que j’ai vue de toute l’année.

-Andrew Goldstein

Performance de Marta Minujín Paiement de la dette grecque à l’Allemagne avec des olives et de l’art (2017) à la documenta 14 à Athènes

L’artiste argentine Marta Minujín a certainement une carrière impressionnante derrière elle, mais sa pièce de performance taquine à la documenta 14 était une simplification excessive ignorante d’une question profondément compliquée. Son œuvre était la pièce maîtresse du foyer du Musée national d’art contemporain d’Athènes. On y trouvait une cuve carrée d’olives juteuses, la somme proposée par l’artiste pour le remboursement de la dette de la Grèce. C’était mauvais, mais ce n’était pas choquant.

Puis, cependant, est venue la performance. Dans la pièce, l’artiste punky glam (portant des lunettes de soleil réfléchissantes à l’intérieur) et un sosie d’Angela Merkel ont pivoté maladroitement sur des chaises de bureau, faisant le tour de la cuve à olives avant que le sosie de Merkel ne fasse un discours rapide et accepte d’effacer la dette de la Grèce. L’artiste et Merkel se sont serré la main maladroitement avant que Minujín ne lui donne une poignée d’olives à tenir.

C’était tout. La subversion et la transgression comique sont certainement les bienvenues dans cette débâcle, mais cette performance a raté la cible sur les deux. C’était beaucoup trop évident et sans aucune poésie.

-Kate Brown

La statue Fearless Girl (2017) de Kristen Visbal sur Wall Street

C’est une question difficile. Alors que les foules descendaient dans les rues à l’occasion de la Journée internationale des femmes le 8 mars, il y avait quelque chose d’indéniablement inspirant dans la sensation virale qu’était Fearless Girl, sa minuscule silhouette plantée dans le visage de Charging Bull, un symbole éclatant de la pire cupidité de Wall Street. Mais même dès le début, j’avais un petit noyau de doute.

Je savais qu’Arturo Di Modica avait créé son taureau massif en bronze comme une œuvre d’art de guérilla, installée illégalement sous le couvert de la nuit en 1989, comme un symbole de la résilience de l’économie américaine, qui à l’époque se remettait encore du crash de 1987. Et au fur et à mesure que je lisais, il est devenu clair que Fearless Girl n’était pas un symbole d’autonomisation authentiquement feel-good, mais une campagne publicitaire calculée d’une société financière cherchant à promouvoir un fonds négocié en bourse se concentrant sur les entreprises avec « une plus grande diversité de genre ».

Di Modica a crié à la violation du droit d’auteur, et les deux sociétés qui ont commandé l’œuvre d’art, McCann et State Street Global Advisors, ont été démasquées pour n’avoir respectivement que 27 et 18 % de femmes à leur tête. Pour ajouter l’insulte à la blessure, des frères ivres de Wall Street ont été repérés en train de baiser à sec la statue, parce que les frères de Wall Street sont les pires.

Le glas a sonné en octobre, lorsque la véritable étendue du cynisme du coup de publicité a été révélée : La société mère de State Street a payé 5 millions de dollars pour régler un procès massif alléguant que ses employés féminins et noirs étaient moins bien payés que les hommes blancs à des postes comparables. Malheureusement, Fearless Girl a totalement perdu sa magie féministe, si elle l’a jamais eue pour commencer.

-Sarah Cascone

Hansel & Gretel » (2017) d’Ai Weiwei, Jacques Herzog et Pierre de Meuron au Park Avenue Armory

Dans une année où le 1984 de George Orwell semblait moins fictif que jamais, cette installation qui réfléchit à l’omniprésence de la surveillance ressemblait davantage à un générateur de selfie de type Dance Dance Revolution. La mission louable de l’artiste d’amener les spectateurs à considérer la façon dont la technologie est utilisée à des fins néfastes a été éclipsée par la stupidité de l’exercice.

-Caroline Goldstein

« Marc Quinn : Drawn from Life » (2017) au Sir John Soane’s Museum

Le dindon de l’année à Londres a été le nouveau corpus d’œuvres de Marc Quinn, « All About Love », installé partout dans le Sir John Soane’s Museum comme une éruption – de mars à septembre. La douzaine de sculptures créées à partir de moulages de l’artiste et de sa compagne, la danseuse Jenny Bastet, a donné à cette maison-musée du XIXe siècle l’allure d’un hôtel de l’amour. Le curling des orteils.

-Javier Pes

Le Black Paper (2017) de Teju Cole au BKLYN Studio at City Point pour Performa 17

Je tire toujours de l’arrière pour tout artiste non performant qui est sollicité par Performa pour s’essayer au médium. Mais Black Paper (2017) du photographe, écrivain et critique nigérian-américain Teju Cole, qui a tenté de se saisir des réactions viscérales à l’ascension de Donald Trump à la présidence, a offert une leçon d’objet sur les périls de s’aventurer, sans formation, dans des événements en direct.

Le public était assis en rond, centré sur l’artiste, qui faisait semblant de dormir, de sorte que les images qui défilaient sur les grands écrans entourant le public représentaient… un rêve. Nous avons vu une succession de unes du New York Times depuis le lendemain de l’élection de 2016, qui se superposaient progressivement dans une métaphore maladroite du temps qui passe (cela faisait un an depuis l’élection, presque jour pour jour, voyez-vous). La bande-son arythmique était un analogue manifeste de la détresse induite par Trump, et lorsque la propre voix du Donald a entonné à deux reprises le seul mot « musulmans », je n’ai pas pu échapper à la sensation d’être frappé sur la tête – une sensation qui a atteint son paroxysme lorsque les écrans sont devenus noirs, les haut-parleurs silencieux, et que l’artiste s’est « réveillé » avec un cri.

-Brian Boucher

L’installation Guidepost to the New World (2016) de Yayoi Kusama à l’Armory Show 2017

Je pense que nous pouvons tous convenir que la qualité d’une œuvre d’art n’est pas proportionnelle au temps qu’il a fallu à l’artiste pour la réaliser. Mais je pense aussi qu’il est juste de dire que l’art devrait prendre au moins un certain temps pour être conçu. Ce n’était pas le cas de la contribution de Kusama à l’Armory Show de cette année, un grand terrain de jeu à pois.

« Kusama a esquissé quelque chose sur une serviette de table, l’a faxé, et nous avons dit : « Super ! », a déclaré l’ancien directeur de l’Armory Show, Ben Genocchio, à ARTnews. Le résultat est une œuvre symbolique d’un type de plus en plus populaire d’œuvres produites en série et adaptées aux foires d’art. Comme la barbe à papa, elle est dépourvue de valeur nutritive et ne procure aucune satisfaction durable – mais elle a l’air vraiment bien sur Instagram.

-Julia Halperin

Les Golden Showers de Rebecca Goyette et Brian Andrew Whiteley : Sex Hex à Volta NY

L’art sur Trump, comme l’homme lui-même, a tendance à manquer de subtilité et de substance. Mais cette vidéo éhontée et dégoûtante recréant avec des Cheetos et de la moutarde (tant de moutarde !) sa prétendue nuit dans une chambre d’hôtel russe à se faire pisser dessus par des prostituées porte l’insipidité à un nouveau niveau. Après l’avoir regardé, j’avais envie d’une douche – avec de l’eau.

-Taylor Dafoe

La lumière verte d’Olafur Eliasson : An Artistic Workshop (2017) à la 57e Biennale de Venise

L’artiste, le commissaire et toutes les personnes impliquées dans la mise en place de cet atelier aux Giardini étaient sûrement guidés par de bonnes intentions : le studio de l’artiste a collaboré avec des ONG aidant les migrants et les demandeurs d’asile de pays déchirés par des conflits à s’acclimater en Europe et à trouver une occupation significative et des contacts sociaux alors qu’ils traînent dans les limbes juridiques. En échange de leur travail de construction des célèbres lampes modulaires de l’artiste danois-islandais, les participants recevaient des repas, des conseils juridiques et des cours de langue – une initiative admirable, sans aucun doute. (Les demandeurs d’asile ne sont pas autorisés à exercer une activité rémunérée). Mais la tenue de l’atelier à l’intérieur de l’espace d’exposition l’a nécessairement transformé en spectacle. Les participants individuels se sont transformés en un groupe homogène d' »autres » anonymes qui, d’une manière ou d’une autre, ont fini par polir l’image de bienfaiteur d’une star de l’art.

-Hili Perlson

Le problème du cheval (2017) de Claudia Fontes à la 57e Biennale de Venise

Écoutez, je sais que ce groupe sculptural, qui a occupé une place majeure à la Biennale, au bout de l’Arsenale, est censé aborder des thèmes très sérieux. Il s’agit de l’identité nationale. Il s’agit d’histoire de l’art (il est basé sur une peinture, Le retour du raid indien). D’après l’essai du catalogue, il s’agit du cheval en tant que « protagoniste des récits capitalistes et coloniaux de l’extraction du naturel et de sa reconfiguration en une ressource ». On dirait que Damien Hirst rencontre Lisa Frank, ou, comme je l’ai dit plus tôt dans l’année, que Fearless Girl a fait de l’ayahuasca.

-Ben Davis

J’admets que c’est un peu une tricherie, mais un artiste que j’ai eu le privilège de très bien connaître cette année m’a fait découvrir une idée dont je suis tombé amoureux : à savoir qu’il n’existe pas de « mauvais art ». Il n’y a que l’art et l’illusion. Et étant donné la quantité d’illusions auxquelles la plupart d’entre nous ont dû faire face en 2017, je ne me sens pas exactement obligé de clôturer le mois de décembre en balançant un projecteur sur plus d’hystérie.

-Tim Schneider

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