Précédent classiqueEdit

Masques comiques tragiques du théâtre grec antique représentés dans la mosaïque de la Villa d’Hadrien.

Il n’existe pas de définition formelle concise de la tragicomédie à l’âge classique. Il semble que le philosophe grec Aristote avait à l’esprit quelque chose qui ressemble à la signification du terme à la Renaissance (c’est-à-dire une action sérieuse avec une fin heureuse) lorsque, dans la Poétique, il parle de la tragédie avec une double fin. À cet égard, un certain nombre de pièces grecques et romaines, par exemple Alceste, peuvent être qualifiées de tragicomédies, bien qu’elles n’aient pas d’attributs précis en dehors de l’intrigue. Le terme lui-même trouve son origine chez le dramaturge comique romain Plaute, qui l’a inventé de manière quelque peu facétieuse dans le prologue de sa pièce Amphitryon. Le personnage de Mercure, sentant l’indécence de l’inclusion de rois et de dieux aux côtés de serviteurs dans une comédie, déclare que la pièce ferait mieux d’être une « tragicomédie » :

Je vais en faire un mélange : que ce soit une tragicomédie. Je ne crois pas qu’il soit convenable d’en faire constamment une comédie, quand il y a des rois et des dieux dedans. Et toi, qu’en penses-tu ? Puisqu’un esclave a aussi un rôle dans la pièce, j’en ferai une tragicomédie…-Plaute, Amphitryon

Revivals de la RenaissanceEdit

ItalieEdit

Le commentaire de Plaute a eu un impact sans doute excessif sur la théorie esthétique de la Renaissance, qui avait largement transformé les commentaires d’Aristote sur le drame en une théorie rigide. Pour les « faiseurs de règles » (le terme est de Giordano Bruno), les œuvres « mixtes » telles que celles mentionnées ci-dessus, les « romances » plus récentes comme Orlando Furioso, et même L’Odyssée étaient au mieux des énigmes ; au pire, des erreurs. Deux personnages ont contribué à élever la tragicomédie au rang de genre régulier, c’est-à-dire doté de son propre ensemble de règles rigides. Giovanni Battista Giraldi Cinthio, au milieu du XVIe siècle, a soutenu que la tragédie avec une fin comique (tragedia de lieto fin) était la plus appropriée aux temps modernes et a produit ses propres exemples de pièces de ce genre. Giovanni Battista Guarini est encore plus important. Le Pastor Fido de Guarini, publié en 1590, a provoqué un vif débat critique dans lequel la défense fougueuse de l’innovation générique de Guarini a fini par l’emporter. La tragicomédie de Guarini offre une action modulée qui ne dérive jamais trop vers la comédie ou la tragédie, des personnages maniérés et un cadre pastoral. Ces trois éléments sont devenus des éléments de base de la tragicomédie continentale pendant un siècle et plus.

AngleterreEdit

En Angleterre, où la pratique devançait la théorie, la situation était bien différente. Au XVIe siècle, le terme « tragicomédie » désignait la sorte indigène de pièce romantique qui violait les unités de temps, de lieu et d’action, qui mélangeait avec désinvolture des personnages de haute et de basse naissance, et qui présentait des actions fantastiques. Ce sont ces caractéristiques que Philip Sidney déplore dans sa plainte contre la « mungrell Tragy-comedie » des années 1580, et dont le Polonius de Shakespeare offre un témoignage célèbre :  » Les meilleurs acteurs du monde, que ce soit pour la tragédie, la comédie, l’histoire, la pastorale, la pastorale-comédie, l’histoire-pastorale, la tragédie-histoire, la tragédie-comédie-histoire-pastorale, scène individuable, ou poème illimité : Sénèque ne peut être trop lourd, ni Plaute trop léger. Pour la loi de l’écriture et la liberté, ce sont les seuls hommes ». Certains aspects de cet élan romantique subsistent même dans l’œuvre de dramaturges plus sophistiqués : Les dernières pièces de Shakespeare, qui pourraient bien être qualifiées de tragicomédies, ont souvent été appelées romances.

Au début de la période Stuart, certains dramaturges anglais avaient absorbé les leçons de la controverse Guarini. The Faithful Shepherdess de John Fletcher, une adaptation de la pièce de Guarini, a été produite en 1608. Dans l’édition imprimée, Fletcher propose une définition intéressante du terme, qui mérite d’être citée longuement : « Une tragi-comédie n’est pas appelée ainsi en ce qui concerne la gaieté et la mort, mais en ce qu’elle veut des morts, ce qui est suffisant pour qu’elle ne soit pas une tragédie, mais en apporte d’autres, ce qui est suffisant pour qu’elle ne soit pas une comédie. » La définition de Fletcher se concentre principalement sur les événements : le genre d’une pièce est déterminé par le fait que des personnes y meurent ou non, et de manière secondaire par la proximité de l’action avec une mort. Mais, comme l’a montré Eugene Waith, la tragicomédie que Fletcher a développée au cours de la décennie suivante présentait également des caractéristiques stylistiques unificatrices : des révélations soudaines et inattendues, des intrigues outrées, des lieux éloignés et un accent persistant sur une rhétorique élaborée et artificielle.

Certains des contemporains de Fletcher, notamment Philip Massinger et James Shirley, ont écrit des tragicomédies populaires. Richard Brome s’est également essayé à cette forme, mais avec moins de succès. Et beaucoup de leurs écrivains contemporains, allant de John Ford à Lodowick Carlell en passant par Sir Aston Cockayne, ont fait des tentatives dans le genre.

La tragicomédie est restée assez populaire jusqu’à la fermeture des théâtres en 1642, et les œuvres de Fletcher étaient également populaires sous la Restauration. Les anciens styles ont été mis de côté lorsque les goûts ont changé au XVIIIe siècle ; la « tragédie avec une fin heureuse » s’est finalement transformée en mélodrame, forme sous laquelle elle fleurit encore.

Landgartha (1640) de Henry Burnell, la première pièce d’un dramaturge irlandais à être jouée dans un théâtre irlandais, a été explicitement décrite par son auteur comme une tragicomédie. La réaction critique à la pièce a été universellement hostile, en partie, semble-t-il, parce que la fin n’était ni heureuse ni malheureuse. Dans son introduction à l’édition imprimée de la pièce, Burnell a attaqué ses critiques pour leur ignorance, soulignant que, comme ils devraient le savoir parfaitement, de nombreuses pièces ne sont ni une tragédie ni une comédie, mais « quelque chose entre les deux ».

Développements ultérieursEdit

La critique qui s’est développée après la Renaissance a souligné les aspects thématiques et formels de la tragicomédie, plutôt que l’intrigue. Gotthold Ephraim Lessing la définit comme un mélange d’émotions dans lequel « le sérieux stimule le rire, et la douleur le plaisir. » L’affinité de la tragi-comédie avec la satire et la comédie « noire » a suggéré une impulsion tragicomique dans le théâtre moderne avec Luigi Pirandello qui a influencé de nombreux dramaturges dont Samuel Beckett et Tom Stoppard. On peut également l’observer dans le drame absurde. Friedrich Dürrenmatt, le dramaturge suisse, a suggéré que la tragi-comédie était le genre inévitable du vingtième siècle ; il décrit sa pièce The Visit (1956) comme une tragi-comédie. La tragicomédie est un genre courant dans le théâtre britannique de l’après-guerre, avec des auteurs aussi variés que Samuel Beckett, Tom Stoppard, John Arden, Alan Ayckbourn et Harold Pinter. La fiction postmoderne Pale Fire de Vladimir Nabokov est une tragicomédie préoccupée par le drame élisabéthain

Tragicomédie postmoderne aux États-UnisEdit

Les écrivains américains des mouvements métamoderniste et postmoderniste ont fait usage de la tragicomédie et/ou de l’humour potache. Un exemple notable de tragicomédie métamoderniste est l’opus magnum de 1996 de David Foster Wallace, Infinite Jest. Wallace écrit sur les éléments comiques de la vie dans une maison de transition (c’est-à-dire que  » certaines personnes ressemblent vraiment à des rongeurs), un lieu imprégné de tragédie humaine et de souffrance.