Depuis les fanfares régimentaires qui défilaient avec et accompagnaient les soldats au combat pendant les guerres révolutionnaires et civiles, jusqu’aux spectacles de mi-temps des matchs de football télévisés d’aujourd’hui vus par des millions de personnes, la musique de marche pulsée rendue par des fanfares colorées fait partie du patrimoine américain depuis les premiers jours du pays. En effet, les fanfares, les défilés et la célèbre marche de Sousa, « The Stars and Stripes Forever », en sont venus à symboliser la liberté, la démocratie et les bons vieux États-Unis d’Amérique eux-mêmes.

Le mot « band » dérive du latin bandum qui signifie « bannière », mais aussi « compagnie » et « foule ». Dans l’usage populaire, « band » en est venu à désigner n’importe quel groupe d’instruments, de la cruche au rock, mais sa signification spécifique dérive de l’ensemble musical médiéval composé d’instruments plus bruyants, principalement des cuivres, des anches et des percussions, destinés à être joués à l’extérieur ; ceci par opposition à l' »orchestre » composé d’instruments plus doux, cordes et bois, jouant dans des cadres intérieurs.

Le New Grove Dictionary of American Music commente : « Comme dans d’autres domaines de la culture musicale, les coutumes et traditions européennes de la musique de fanfare ont été apportées en Amérique au XVIIe siècle par les colons. La caisse claire était un élément important et nécessaire de la vie coloniale. Elle servait non seulement à donner la cadence aux hommes en marche, mais aussi à transmettre des ordres, des avertissements et des signaux pour les activités militaires et civiles. Dans la mesure du possible, un fifre, une cornemuse ou un autre instrument était utilisé pour ajouter un intérêt mélodique. Ces instruments, appelés ‘musique de campagne’, étaient utilisés principalement à des fins fonctionnelles. » Les autres précurseurs de la fanfare moderne étaient les fanfares militaires/régionales, et les ensembles à vent qui interprétaient la musique de cour et de ménage du milieu du XVIIIe siècle dans toute l’Europe.

Au cours de plusieurs siècles, la fanfare s’est développée, passant d’un petit ensemble d’instruments à anche à son homologue moderne plus grand. Un intérêt pour la musique turque (ou janissaire) à la fin du XVIIIe siècle a ajouté des percussions exotiques à l’instrumentation de l’orchestre, dont seuls la grosse caisse et les cymbales (et parfois une timbale) survivent aujourd’hui. Au fur et à mesure que les instruments existants étaient perfectionnés et que de nouveaux instruments étaient inventés (comme les saxophones d’Adolph Sax au milieu du XIXe siècle), l’orchestre a fini par atteindre les ensembles grandioses de la fin du XIXe siècle. On pense que le premier orchestre entièrement composé de cuivres est le Boston Brass Band, dirigé par Edward Kendall en 1835. Les figures clés du développement de la fanfare moderne ont été Patrick S. Gilmore et John Philip Sousa, ce dernier étant surnommé le « roi de la marche » des États-Unis et le compositeur des marches les plus célèbres du pays et du monde. Sousa a pris la direction de l’United States Marine Band en 1890, et a formé son propre « Sousa’s Band », mondialement connu, en 1892.

Avec la montée du jazz dans les années 1920, l’intérêt du public pour les fanfares traditionnelles a pris fin. Mais la musique de fanfare, ainsi que des traditions de musique de campagne/militaristes telles que les gardes de couleur et la marche de précision/formation, sans oublier les majorettes et le tournoiement virtuose des bâtons, ont rapidement trouvé un foyer sur les campus américains. Les spectacles de mi-temps des matchs de football se sont transformés en spectacles élaborés dans lesquels les universités rivalisaient pour créer les présentations les plus inhabituelles, exotiques et fantastiques. Dans un hommage à la pornographie, la formation de l’université de Stanford a écrit « SMUT » en énormes lettres majuscules lors du Rose Bowl de 1972 ! Avec quelques touches modernes (comme des sousaphones légers en fibre de verre, et parfois des foules de « figurants » et peut-être même une « guest star » célèbre ajoutée pour la mi-temps), la fanfare s’est à nouveau assurée une place traditionnelle et apparemment permanente au sein des écoles et des universités américaines.

Les fanfares, les défilés, les marches entraînantes et leur symbolisme associé ont joué un rôle récurrent dans la signification des traditions, du patriotisme et des émotions exubérantes de l’Amérique dans de nombreux lieux de la culture sérieuse et populaire. Le compositeur Charles Ives a évoqué une fête bruyante dans sa Nouvelle-Angleterre natale en notant des tempi et des rythmes différents et superposés à jouer simultanément, pour créer l’effet de fanfares se croisant sur le vert du village, dans sa composition novatrice de 1914, Three Places in New England. D’autres compositeurs modernes, comme Ralph Vaughan Williams et Samuel Barber, ont composé des œuvres spécifiquement pour orchestre d’harmonie, et Frederick Fennell et l’Eastman Symphonic Wind Ensemble ont popularisé la musique d’orchestre d’harmonie avec leur enregistrement haute fidélité Mercury « Living Presence » dans les années 1950. En 1952, Clifton Web joue le rôle de Sousa dans Stars and Stripes Forever, un film avec l’une des intrigues secondaires hollywoodiennes les plus improbables qui soient : l’histoire de l’invention du sousaphone, un énorme instrument d’orchestre ressemblant à un tuba et portant le nom du maestro.

La comédie musicale de George Gershwin de la fin des années 1920, Strike Up The Band, a été remaniée en comédie musicale Mickey Rooney/Judy Garland en 1940, mais à part la fougueuse chanson titre, peu d’autres éléments de l’original satirique de Broadway se sont retrouvés dans la version à l’écran. Dans le Broadway des années 1950, le succès de Meredith Willson, The Music Man, racontait l’histoire d’un escroc sympathique qui vendait frauduleusement des instruments de musique dans le Midwest en convainquant les petites villes que ce dont elles avaient vraiment besoin pour garder leurs jeunes garçons sains, c’était d’une fanfare. L’imagerie hyperbolique de la chanson à succès « Seventy-Six Trombones », le slogan musical de l’escroc, a été littéralisée dans le final de la version cinématographique de 1962. Les défilés en tant que symbole de tout ce qui est excitant et significatif dans la vie, et même de la progression fataliste de la vie elle-même, sont un motif de plusieurs autres chansons de Broadway : Don’t Rain On My Parade  » de Funny Girl,  » I’m A Brass Band  » de Sweet Charity et  » Before The Parade Passes By  » de Hello, Dolly ! Dans le film de 1969 de Hello, Dolly ! il a fallu une fanfare pour accomplir ce que de nombreux critiques de cinéma avaient auparavant jugé impossible : dans l’un des derniers numéros de production les plus spectaculaires jamais mis en scène pour une comédie musicale de studio à Hollywood, une fanfare puissamment élargie, convergeant vers une version backlot de la 14e rue de New York, a même réussi à devancer Barbra Streisand !

-Ross Care

Lecture complémentaire:

Hitchcock, H. Wiley, et Stanley Sadie, éditeurs. The New Grove Dictionary of American Music. Londres, Macmillian Press Ltd, New York, Grove’s Dictionaries of Music, Inc, 1986

Scuro, Vincent. Présenter la fanfare. New York, Dodd, Mead & Company. 1974.