Le 20e siècle a présenté un changement radical par rapport aux influences classiques de la Renaissance du 19e siècle, non seulement sur le plan artistique mais aussi sur le plan politique et social.

La première et la deuxième guerre mondiale ont marqué un climat déprimant, la crise européenne et le grand krach ont choqué la société en son cœur. La révolution industrielle a suivi avec un essor de nouvelles idées, théories, symboles et techniques. Elle a façonné de nombreux mouvements artistiques que nous connaissons aujourd’hui – l’expressionnisme et l’expressionnisme abstrait, le cubisme, le fauvisme, le dadaïsme, le surréalisme et le pop art, entre autres. Jetons un coup d’œil aux œuvres d’art qui ont défini le 20e siècle.

Scott Tyler, Dread, 1989

En 1989, Scott Tyler n’était qu’un lycéen à l’Institut d’art de Chicago. Là, il a présenté sa première œuvre d’art intitulée quelle est la manière appropriée d’afficher le drapeau américain ? Le drapeau américain était exposé à plat sur le sol. Il était placé de manière stratégique de sorte que les clients voulant lire le manuel suspendu devaient marcher sur le drapeau.

Plusieurs visiteurs ont été arrêtés pour outrage et, bien sûr, l’artiste lui-même. Il violait l’amendement sur la profanation du drapeau. Même le président Bush a critiqué l’œuvre d’art comme étant honteuse, comme beaucoup d’autres. Cependant, il y avait des opinions de toutes sortes. Avec cette oeuvre, Scott Tyler voulait démontrer la faiblesse d’un droit humain important : La liberté d’expression.

Andy Warhol, Campbell’s Soup Cans, 1962

Qui ne se souvient pas de ces célèbres boîtes de soupe Campbell’s ? Andy Warhol, peut-être l’un des artistes les plus en vue et l’une des figures les plus extravagantes du 20e siècle. Il était un acheteur compulsif et un thésauriseur. Cette addiction pourrait avoir été le début du Pop Art, un mouvement artistique coloré et provocateur qui a émergé au milieu et à la fin des années 1950.

Qui a pensé qu’une simple boîte de soupe pouvait être une œuvre d’art ? Seul Andy Warhol pouvait réaliser un exploit aussi audacieux. Il a lui-même mangé cette soupe quotidiennement pendant 20 ans, avant de l’intégrer à l’histoire de l’art. C’était si simple que ça ? En fait, les critiques sont devenus fous. Comment un artiste pouvait-il réduire un domaine institutionnalisé comme l’art à une simple visite au supermarché ? Cependant, le Pop Art allait au-delà de ces objets ordinaires et incluait les thèmes de la culture de masse, ceux qui s’alignaient sur la réalité de la société de consommation.

Robert Rauschenberg, Erased De Kooning, 1953

Oui, c’est une œuvre d’art, et elle a été réalisée par l’artiste américain Robert Rauschenberg. C’était l’année 1953 et l’artiste américano-néerlandais De Kooning était une légende. Il était l’un des plus grands peintres du mouvement de l’expressionnisme abstrait de l’époque, son nom suscitait à la fois confiance et crainte. Un jour, Robert Rauschenberg a demandé à De Kooning d’avoir une de ses peintures De Kooning ne s’est pas senti très enthousiaste au début, puis il a accepté et lui a donné une de ses œuvres les plus importantes.

Après quelques mois, Robert Rauschenberg a effacé la peinture et l’a appelée la sienne, Erased De Kooning. Oui, c’était un tableau vierge. Mais, était-ce de l’art ? Comme Picasso l’a dit, « Tout acte de création est d’abord un acte de destruction ». Les critiques étaient confus, évidemment. L’intention de Rauschenberg était d’attaquer l’expressionnisme abstrait et de donner une valeur artistique à la destruction d’une de ses œuvres. L’œuvre d’art est maintenant conservée au Musée d’art moderne de San Francisco.

Pablo Picasso, Les Demoiselles d’Avignon, 1907

Imaginez-vous en 1907 en train de regarder les cinq figures féminines nues représentées dans ce tableau. C’est un contraste avec l’époque des femmes rondes et sensuelles. Picasso nous montre, cinq prostituées nues, en deux dimensions, provenant d’une maison close de Barcelone. Une idée qui n’a pas été bien accueillie lors de son exposition à Paris.

Avec sa géométrisation des formes, ce tableau est devenu l’origine du mouvement cubiste. Après l’exposition, l’œuvre a été oubliée dans l’atelier de Picasso pendant des années. Elle a ensuite été exposée au début des années 1920 par Jacques Doucet (un célèbre collectionneur d’art français). Actuellement, vous pouvez voir Les Demoiselles d’Avignon au Musée d’art moderne de New York.

Richard Serra, Tilted Arc, 1981

Richard Serra est un sculpteur américain renommé et le créateur de l’une des œuvres les plus controversées du 20ème siècle : Tilted Arc. Cette sculpture massive a été installée en 1982 au Foley Federal Plaza à New York. Sa taille exagérée : un mur d’acier Corten, de 12 pieds de haut sur 120 pieds de long, divisait la place en deux parties. L’œuvre d’art a été construite dans la structure du site et elle a été conçue par Serra comme une pièce critique pour « redéfinir » la place, et pas seulement comme un objet décoratif.

Les gens ont-ils aimé ? Pas du tout. Pour ceux qui travaillaient et vivaient là, le mur d’acier bloquait le chemin et ils le considéraient comme écrasant et déprimant. En effet, le New York Times l’a décrit comme l’une des œuvres d’art public les plus laides de la ville et certains l’ont appelé le mur de Berlin de la Federal Plaza. Ainsi, après de nombreuses controverses (dont l’un des procès artistiques les plus célèbres de l’histoire), la sculpture a été coupée en trois morceaux et retirée de la place en 1989. Maintenant, elle est stockée en toute sécurité dans un espace de stockage dans le Maryland.

Balthus, La leçon de guitare, 1934

Le peintre français controversé Balthasar Klossowski de Rola, dit Balthus, est certainement l’un des plus grands artistes du XXe siècle. Amoureux nostalgique du siècle de l’innocence, il est cependant solitaire et mystérieux.

Dans ce tableau inquiétant, ressemblant à une « pietà », on voit un professeur de guitare avec son jeune élève étalé sur ses genoux, la jupe relevée et les parties génitales exposées. Le professeur joue de son élève comme d’un instrument de musique. Ses doigts frottent les cordes invisibles de la guitare à l’intérieur de ses cuisses. Le tableau a suscité de nombreuses discussions. Balthus avait-il de mauvaises intentions ? Cette peinture a changé de mains plusieurs fois mais appartient maintenant, à l’armateur grec, Stavros Niarchos.

Andres Serrano, Piss Christ, 1987

Pensez à une photographie du Christ. Un crucifix. Imaginez maintenant cette image insérée dans un récipient rempli de l’urine de l’artiste. Que ressentiriez-vous ? L’artiste américain Andres Serrano a créé cette œuvre d’art en 1987. L’œuvre a créé une telle controverse dans la communauté artistique. En tant que chrétien, il a considéré son œuvre comme une déclaration religieuse, qui montre la relation ambiguë entre le sacré et le profane.

La substance qu’il a utilisée n’a pas été choisie au hasard. Il avait ses raisons, mais il a affirmé que personne ne lui a jamais demandé pourquoi. Le sang venait du Christ, mais aussi l’urine de la même manière, il y a donc toujours une composante sacrée dans l’idée. L’art devrait toujours provoquer et susciter des émotions, et les gens ne devraient pas y rester indifférents. En effet, ceci est un exemple clair.

Marcus Harvey, Myra, 1995

C’est la femme la plus maléfique de Grande-Bretagne. Le monde entier a pu la voir lors de l’exposition organisée à la Royal Academy de Londres en 1997. Sensation, comme l’exposition était intitulée, était la collection de Charles Saatchi, elle présentait des œuvres d’art réalisées par de jeunes artistes. L’une d’entre elles était un grand portrait de Myra, par Marcus Harvey. Une femme qui, dans les années 1960, aux côtés de son petit ami, a violé, torturé et assassiné cinq adolescents, âgés de 10 à 17 ans. Leurs cadavres ont été enterrés dans une lande près de Manchester. Sans aucun doute, cette œuvre d’art a provoqué une grande indignation au Royaume-Uni, et à l’étranger. Lors de l’exposition, la peinture a subi des dommages de la part du public et elle a dû être protégée par un écran.

L’histoire derrière cette œuvre était horrifiante. La peinture est floue et pixellisée, mais en y regardant de plus près, ces pixels étaient des empreintes de mains d’un enfant. Myra était considérée comme un point douloureux de l’histoire britannique, la réaction négative du public était donc compréhensible. Cependant, l’horrible est-il également digne d’attention ?

Chris Ofili, The Holy Virgin Mary, 1996

Cette peinture de l’artiste britannique Chris Ofili présente une Vierge Marie noire entourée d’un collage qui ressemble à des papillons, mais ce sont des photographies d’organes génitaux féminins. Il l’a peint en utilisant de la bouse d’éléphant, l’a intitulé The Holy Virgin Mary qui a été exposé au Brooklyn Museum en 1999.

C’était en octobre 1999 et le collectionneur anglais Charles Saatchi promouvait une exposition à New York pour le mouvement des Young British Artists (YBAs). Parmi d’autres œuvres d’art, le maire de la ville de l’époque, Rudy Giuliani, a eu l’occasion d’inspecter cette œuvre. Naturellement choqué, il a qualifié la peinture de malade et de dégoûtante et a tenté de retirer la subvention annuelle accordée au Brooklyn Museum. Cependant, le musée résista et gagna l’affaire en justice.

Marcel Duchamp, Fontaine, 1917

C’est l’urinoir que Marcel Duchamp a acheté, a griffonné un faux nom ‘R. Mutt’ sur le bord inférieur, l’a mis dans une galerie et l’a nommé Fontaine. Il est considéré comme l’œuvre d’art la plus controversée du 20ème siècle parce qu’il s’agissait juste d’un objet ordinaire présenté comme une œuvre d’art prestigieuse.

Il a envoyé son œuvre au comité de vérification de la Société des artistes indépendants, à New York… Et devinez quoi ? Il n’a pas été rejeté mais l’urinoir a été exclu de l’exposition. Sans aucun doute, son œuvre d’art critiquait le système et les normes établies.

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