« Art for art’s sake » est la traduction anglaise habituelle d’un slogan français, « l’art pour l’art' », inventé au début du XIXe siècle par le philosophe français Victor Cousin et devenu un slogan bohème au cours du XIXe siècle. Bien que Théophile Gautier (1811 – 1872) n’ait pas utilisé les mots exacts, la préface de son roman Mademoiselle de Maupin (1835) est le premier manifeste de l’idée que l’art a de la valeur en tant qu’art, que les poursuites artistiques sont leur propre justification et que l’art n’a pas besoin de justification morale et est même autorisé à être moralement subversif.

Le concept a été adopté par un certain nombre d’écrivains et d’artistes français, britanniques et américains, ainsi que par les partisans du mouvement esthétique comme Walter Pater. Il s’agissait d’un rejet du rôle habituel de l’art, depuis la Contre-Réforme du XVIe siècle, au service de l’État ou de la religion officielle, et du moralisme de l’ère victorienne. Il a ouvert la voie à la liberté d’expression artistique dans le mouvement impressionniste et l’art moderne. Le slogan a continué à être brandi pour défier ceux, dont John Ruskin et les plus récents défenseurs communistes du réalisme socialiste, qui pensaient que la valeur de l’art résidait dans le fait de servir un quelconque objectif moral ou didactique. Le concept de « l’art pour l’art » continue d’être important dans les discussions contemporaines sur la censure, et sur la nature et la signification de l’art.

L’art pour l’art

Le concept selon lequel l’art n’a pas besoin de justification, qu’il n’a pas besoin de servir de but, et que la beauté des beaux-arts est une raison suffisante pour les poursuivre a été adopté par de nombreux auteurs français de premier plan et en Angleterre par Walter Pater, Oscar Wilde, Samuel Taylor Coleridge et Arthur Symons. Le terme apparaît dans les œuvres du peintre et critique d’art français Benjamin-Constant. Edgar Allan Poe (1809 – 1849), dans son essai « Le principe poétique », a soutenu que :

Nous nous sommes mis en tête que d’écrire un poème simplement pour le plaisir du poème et de reconnaître que tel a été notre dessein, serait nous avouer radicalement dépourvus de la vraie dignité et de la vraie force poétiques :-mais le simple fait est que si nous nous permettions de regarder dans notre propre âme, nous y découvririons immédiatement que, sous le soleil, il n’existe ni ne peut exister aucune œuvre plus profondément digne, plus suprêmement noble, que ce poème même, ce poème en soi, ce poème qui est un poème et rien de plus, ce poème écrit uniquement pour le plaisir du poème.

Le peintre américain James McNeill Whistler (1834 – 1903), qui avait une aversion pour le sentimentalisme en peinture, a commenté que,

L’art devrait être indépendant de tout bavardage – devrait se tenir seul et faire appel au sens artistique de l’œil ou de l’oreille, sans le confondre avec des émotions qui lui sont totalement étrangères, comme la dévotion, la pitié, l’amour, le patriotisme et autres. (cité dans Smithsonian Magazine (avr. 2006) : 29)

Mouvement esthétique anglais

Le slogan « l’art pour l’amour de l’art » est associé dans l’histoire de l’art et des lettres anglaises au donateur d’Oxford Walter Pater et à ses partisans du Mouvement esthétique, qui était consciemment en rébellion contre le moralisme victorien. Il est apparu pour la première fois en anglais dans deux ouvrages publiés simultanément en 1868 : La critique de Pater sur la poésie de William Morris dans la Westminster Review et William Blake d’Algernon Charles Swinburne. Une forme modifiée de la critique de Pater apparaît dans ses Studies in the History of the Renaissance (1873), l’un des textes les plus influents du mouvement esthétique. Dans ses essais, Pater déclarait que la vie devait être vécue intensément, en suivant un idéal de beauté.

Les artistes et les écrivains du mouvement Esthétique affirmaient qu’il n’y avait aucun lien entre l’art et la moralité, et avaient tendance à soutenir que les arts devaient procurer un plaisir sensuel raffiné, plutôt que de transmettre des messages moraux ou sentimentaux. Ils n’acceptaient pas la conception utilitaire de l’art de John Ruskin et Matthew Arnold, qui voyaient dans l’art quelque chose de moral ou d’utile. Ils pensaient que l’art ne devait être que beau, et ont développé le culte de la beauté. La vie devait copier l’art, et la nature était considérée comme grossière et dépourvue de design lorsqu’elle était comparée à l’art. Les principales caractéristiques de ce mouvement étaient la suggestion plutôt que la déclaration, la sensualité, l’utilisation extensive de symboles et les effets synesthésiques (correspondance entre les mots, les couleurs et la musique).

Le concept de « l’art pour l’art » a joué un rôle majeur dans le seul roman d’Oscar Wilde, Le tableau de Dorian Gray.

L’art et la révolution industrielle

Le concept de « l’art pour l’art » était une construction sociale européenne et était en grande partie un produit de la révolution industrielle. Dans de nombreuses cultures, la fabrication d’images artistiques était une pratique religieuse. Dans l’Europe médiévale, l’art servait principalement à orner les églises et les palais jusqu’à ce que l’émergence d’une classe moyenne crée une demande d’art décoratif, d’illustrations, de portraits, de paysages et de peintures qui documentent l’apparence des objets. La révolution industrielle a entraîné des changements drastiques qui ont créé de graves problèmes sociaux, comme la concentration d’un grand nombre de personnes dans des bidonvilles urbains, ce qui a amené les gens à remettre en question les valeurs traditionnelles et à rejeter le romantisme.

Alors que les peintres académiques du XIXe siècle se sentaient obligés d’améliorer la société en présentant des images qui reflétaient des valeurs morales conservatrices, des exemples de comportements vertueux et des sentiments chrétiens, les modernistes exigeaient la liberté de choisir leur sujet et leur style de peinture. Ils critiquaient les institutions politiques et religieuses qui, selon eux, restreignaient la liberté individuelle. De plus en plus, les artistes cherchent à s’affranchir non seulement des règles de l’art académique, mais aussi des exigences du public, et affirment que l’art ne doit pas être produit pour le bien du public mais pour son propre bien. Le concept de « l’art pour l’art » était également un défi aux valeurs conservatrices de la classe moyenne, qui exigeaient toujours que l’art ait un sens ou un but, comme instruire, moraliser ou ravir le spectateur. Ces modernistes progressistes ont adopté une attitude antagoniste envers la société et ont été caractérisés comme l’avant-garde, ceux qui se tenaient à l’avant-garde d’un nouvel âge de l’art et de la culture.

Post-modernisme et art pour l’amour de l’art

La Première Guerre mondiale a signifié un échec de la tradition et a également démontré que le progrès scientifique et technologique ne créerait pas automatiquement un monde meilleur. Un nouveau mouvement culturel, le dadaïsme, a vu le jour à Zürich, en Suisse, pendant la Première Guerre mondiale et a atteint son apogée de 1916 à 1920. Les dadaïstes déclaraient que l’art moderniste avait également échoué, et rejetaient toutes les normes artistiques dominantes par le biais d’œuvres culturelles anti-art. Le mouvement dadaïste comprenait des rassemblements publics, des manifestations et la publication de journaux artistiques et littéraires, et a influencé des styles et des mouvements artistiques ultérieurs tels que le surréalisme, le Pop Art et Fluxus.

Le concept de « l’art pour l’art » reste important dans les discussions contemporaines sur la censure et la nature et la signification de l’art. L’art fait de plus en plus partie de la vie publique, sous la forme de publicité et de médias imprimés et cinématographiques accessibles à tous les membres de la société. L’animation par ordinateur, les logiciels d’arts graphiques et d’autres nouvelles technologies permettent la production d’un art qui, bien que toujours original, est produit mécaniquement plutôt que manuellement par l’artiste. L’art de la performance implique la participation et la contribution d’un public et échappe au contrôle d’un artiste individuel. Ces développements ont déclenché des débats sur la définition et les exigences de « l’art », et le rôle de l’artiste dans la société.

Le mécénat artistique est de plus en plus entre les mains d’institutions gouvernementales ou civiques qui ont une obligation envers la société qu’elles servent, et qui sont contrôlées par des fonctionnaires et des politiciens qui ne sont pas nécessairement capables d’apprécier l’art eux-mêmes, ou qui peuvent être conservateurs. Cela soulève la question de savoir si le gouvernement a le « droit » d’imposer des restrictions à l’expression artistique ou de faire respecter des valeurs morales spécifiques. Si la liberté artistique nécessite une indépendance économique, est-elle un privilège des riches ?

La version latine du slogan, « ars gratia artis », est utilisée comme slogan par la Metro-Goldwyn-Mayer et apparaît dans l’ovale autour de la tête rugissante de Léo le Lion dans leur logo de cinéma.

Voir aussi

• Théorie critique
• Walter Benjamin

Notes

• Bell-Villada, Gene H. 1996. L’art pour l’art &la vie littéraire : comment la politique et les marchés ont contribué à façonner l’idéologie &la culture de l’esthétisme, 1790-1990. Lincoln : University of Nebraska Press. ISBN 0803212607
• Brookner, Anita. 2000. Le romantisme et ses mécontentements. New York : Farrar, Straus et Giroux. ISBN 0374251592
• Ellmann, Richard. 1969. Oscar Wilde ; une collection d’essais critiques. Englewood Cliffs, NJ : Prentice-Hall. ISBN 0139594787
• Pater, Walter, et Donald L. Hill. 1980. La Renaissance : études sur l’art et la poésie : le texte de 1893. Berkeley : University of California Press. ISBN 0520033256
• Prideaux, Tom. 1970. Le monde de Whistler, 1834-1903. New York : Time-Life Books.
• Prettejohn, Elizabeth. 1999. Après les préraphaélites : art et esthétisme dans l’Angleterre victorienne. New Brunswick, NJ : Rutgers University Press. ISBN 0813527503
• Prettejohn, Elizabeth. 2007. L’art pour l’amour de l’art : l’esthétisme dans la peinture victorienne. New Haven : Yale University Press. ISBN 9780300135497
• Seiler, R. M. 1980. Walter Pater, l’héritage critique. Londres : Routledge & Kegan Paul. ISBN 0710003803

Lien externe

Tous les liens récupérés le 15 avril 2016.

• Entrées de l’Encyclopédie Internet de la philosophie:
  • Critique éthique de l’art.
  • Art et épistémologie.

Sources générales de la philosophie

• Encyclopédie de la philosophie de Stanford.
• L’encyclopédie Internet de la philosophie.
• Projet Paideia en ligne.
• Projet Gutenberg.