Klassinen ennakkotapausEdit

Antiikin kreikkalaisen teatterin traagiset koomiset naamiot, jotka on esitetty Hadrianuksen huvilan mosaiikissa.

Klassiselta aikakaudelta peräisin olevalle tragikomedialle ei ole olemassa mitään ytimekästä muodollista määritelmää. Vaikuttaa siltä, että kreikkalaisella filosofilla Aristoteleella oli mielessään jotakuinkin termin renessanssin ajan merkitys (eli vakava toiminta, jolla on onnellinen loppu), kun hän Poetiikassaan käsittelee tragediaa, jolla on kaksoisloppu. Tässä mielessä useita kreikkalaisia ja roomalaisia näytelmiä, esimerkiksi Alkeistista, voidaan kutsua tragikomedioiksi, vaikkei niillä olekaan mitään täsmällisiä piirteitä juonen ulkopuolella. Itse sana on peräisin roomalaiselta koomikolta Plautukselta, joka keksi termin hieman huvittuneena Amphitryon-näytelmänsä prologissa. Hahmo Merkurius, joka aistii epäkohdan, joka aiheutuu siitä, että komediaan sisällytetään sekä kuninkaita että jumalia palvelijoiden rinnalle, julistaa, että näytelmän olisi parempi olla ”tragikomedia”:

Minä teen siitä sekoituksen: olkoon se tragikomedia. Minusta ei olisi sopivaa tehdä siitä johdonmukaisesti komediaa, kun siinä on kuninkaita ja jumalia. Mitä mieltä sinä olet? Koska myös orjalla on näytelmässä osansa, teen siitä tragikomedian…-Plautus, Amphitryon

Renessanssin herätyksetEdit

ItaliaEdit

Plautuksen kommentti vaikutti luultavasti kohtuuttomasti renessanssin ajan esteettiseen teoriaan, joka oli pitkälti muuttanut Aristoteleen draamakommentit jäykäksi teoriaksi. ”Sääntömiehille” (termi on Giordano Brunon) edellä mainittujen kaltaiset ”sekalaiset” teokset, Orlando Furioson kaltaiset uudemmat ”romanssit” ja jopa Odysseia olivat parhaimmillaan arvoituksia, pahimmillaan virheitä. Kaksi hahmoa auttoi nostamaan tragikomedian säännöllisen genren asemaan, jolla tarkoitetaan genreä, jolla on omat jäykät sääntönsä. Giovanni Battista Giraldi Cinthio väitti 1500-luvun puolivälissä, että tragedia, jolla on koominen loppu (tragedia de lieto fin), sopi parhaiten nykyaikaan, ja tuotti omia esimerkkejä tällaisista näytelmistä. Vielä tärkeämpi oli Giovanni Battista Guarini. Guarinin vuonna 1590 julkaisema Il Pastor Fido herätti kiivaan kriittisen keskustelun, jossa Guarinin tarmokas geneerisen innovaation puolustus lopulta vei voiton. Guarinin tragikomedia tarjosi moduloitua toimintaa, joka ei koskaan ajautunut liian pitkälle komediaan tai tragediaan, maneerisia hahmoja ja pastoraalisen ympäristön. Kaikista kolmesta tuli mannermaisen tragikomedian peruspilareita vuosisadaksi ja pidemmäksi aikaa.

EnglantiEdit

Englannissa, jossa käytäntö oli teoriaa edellä, tilanne oli aivan toinen. Kuudennellatoista vuosisadalla ”tragikomedia” tarkoitti syntyperäistä romanttista näytelmää, joka rikkoi ajan, paikan ja toiminnan yhtenäisyyttä, sekoitti kevytmielisesti korkea- ja matalasyntyisiä hahmoja ja esitti fantastisia tekoja. Näitä piirteitä Philip Sidney pahoitteli valituksessaan 1580-luvun ”mungrell Tragy-comedie” -näytelmästä, josta Shakespearen Polonius on kuuluisa todiste: ”Maailman parhaat näyttelijät joko tragediassa, komediassa, historiassa, pastoraalissa, pastoraalikomediassa, historiallis-pastoraalissa, traagis-historiallisessa, traagis-komediallis-historiallis-pastoraalissa, kohtauksessa, joka on yksilöitävissä, tai runossa, joka on rajoittamaton”: Seneca ei voi olla liian raskas eikä Plautus liian kevyt. Kirjoituksen lain ja vapauden kannalta nämä ovat ainoat miehet.” Joitakin tämän romanttisen impulssin piirteitä on jäljellä myös kehittyneempien näytelmäkirjailijoiden teoksissa: Shakespearen viimeisiä näytelmiä, joita voi hyvinkin kutsua tragikomedioiksi, on usein kutsuttu romansseiksi.

Stuart-kauden alkuun mennessä jotkut englantilaiset näytelmäkirjailijat olivat omaksuneet Guarini-kiistan opetukset. John Fletcherin The Faithful Shepherdess, joka oli sovitus Guarinin näytelmästä, esitettiin vuonna 1608. Painetussa painoksessa Fletcher tarjosi termille mielenkiintoisen määritelmän, jota kannattaa lainata pitkään: ”Tragikomediaa ei kutsuta niin ilon ja tappamisen suhteen, vaan sen suhteen, että se kaipaa kuolemia, mikä riittää tekemään siitä ei-tragedian, mutta tuo kuitenkin jonkin verran neere sitä, mikä riittää tekemään siitä ei-komedian.” Fletcherin määritelmässä keskitytään ensisijaisesti tapahtumiin: näytelmän genre määräytyy sen mukaan, kuoleeko siinä ihmisiä vai ei, ja toissijaisesti sen mukaan, kuinka lähellä kuolemaa toiminta on. Mutta kuten Eugene Waith osoitti, Fletcherin seuraavalla vuosikymmenellä kehittämässä tragikomediassa oli myös yhdistäviä tyylillisiä piirteitä: äkillisiä ja odottamattomia paljastuksia, outoja juonenkäänteitä, kaukaisia tapahtumapaikkoja ja sitkeää keskittymistä taidokkaaseen, keinotekoiseen retoriikkaan.

Jotkut Fletcherin aikalaiset, erityisesti Philip Massinger ja James Shirley, kirjoittivat populaareja tragikomedioita. Myös Richard Brome kokeili tätä muotoa, mutta huonommalla menestyksellä. Ja monet heidän aikalaiskirjailijansa John Fordista Lodowick Carlelliin ja Sir Aston Cockayneen tekivät kokeiluja lajityypissä.

Tragikomedia säilyi melko suosittuna aina teatterien sulkemiseen asti vuonna 1642, ja Fletcherin teokset olivat suosittuja myös restauraation aikana. Vanhat tyylit hylättiin, kun maku muuttui 1700-luvulla; ”tragedia onnellisella lopulla” kehittyi lopulta melodraamaksi, jonka muodossa se kukoistaa edelleen.

Henry Burnellin Landgartha (1640), ensimmäinen irlantilaisen näytelmäkirjailijan näytelmä, joka esitettiin irlantilaisessa teatterissa, oli kirjoittajansa mukaan nimenomaan tragikomedia. Kriitikot suhtautuivat näytelmään yleisesti vihamielisesti, osittain ilmeisesti siksi, että loppu ei ollut onnellinen eikä onneton. Burnell hyökkäsi näytelmän painetun painoksen johdannossaan kriitikoidensa kimppuun heidän tietämättömyydestään ja huomautti, että kuten heidän pitäisi aivan hyvin tietää, monet näytelmät eivät ole tragediaa eivätkä komediaa, vaan ”jotain siltä väliltä”.

Myöhempää kehitystä Muokkaa

Renessanssin jälkeen kehkeytyneessä kritiikissä painotettiin pikemminkin tragikomedian temaattisia ja formaalisia näkökohtia kuin juonta. Gotthold Ephraim Lessing määritteli sen tunteiden sekoitukseksi, jossa ”vakavuus herättää naurua ja tuska nautintoa”. Tragikomiikan sukulaisuus satiiriin ja ”synkkään” komediaan on viitannut tragikomiikan impulssiin modernissa teatterissa Luigi Pirandellon myötä, joka vaikutti moniin näytelmäkirjailijoihin, kuten Samuel Beckettiin ja Tom Stoppardiin. Se voidaan nähdä myös absurdistisessa draamassa. Sveitsiläinen dramaturgi Friedrich Dürrenmatt ehdotti, että tragikomedia olisi 1900-luvun väistämätön genre; hän kuvailee näytelmäänsä The Visit (1956) tragikomediaksi. Tragikomedia on yleinen tyylilaji toisen maailmansodan jälkeisessä brittiläisessä teatterissa, ja niinkin erilaiset kirjailijat kuin Samuel Beckett, Tom Stoppard, John Arden, Alan Ayckbourn ja Harold Pinter ovat kirjoittaneet tässä tyylilajissa. Vladimir Nabokovin postmoderni kaunokirjallisuus Kalpea tuli on Elisabetilaista draamaa esittelevä tragikomedia

Postmoderni tragikomedia YhdysvalloissaEdit

Metamodernistiseen ja postmodernistiseen liikkeeseen kuuluvat yhdysvaltalaiset kirjailijat ovat käyttäneet tragikomediaa ja/tai hirttohuumoria. Merkittävä esimerkki metamodernistisesta tragikomediasta on David Foster Wallacen vuonna 1996 ilmestynyt pääteos Infinite Jest. Wallace kirjoittaa komediallisista elementeistä, jotka liittyvät asumiseen puolitutkassa (eli ”jotkut ihmiset todella näyttävät jyrsijöiltä”), joka on täynnä inhimillistä tragediaa ja kärsimystä.