Precedente clásicoEditar

Máscaras cómicas trágicas del teatro griego antiguo representadas en el mosaico de la Villa Adriana.

No existe una definición formal concisa de tragicomedia de la época clásica. Parece que el filósofo griego Aristóteles tenía en mente algo parecido al significado renacentista del término (es decir, una acción seria con final feliz) cuando, en la Poética, habla de la tragedia con doble final. En este sentido, varias obras griegas y romanas, por ejemplo Alcestis, pueden llamarse tragicomedias, aunque sin ningún atributo definido fuera de la trama. La palabra en sí tiene su origen en el dramaturgo cómico romano Plauto, que acuñó el término de forma un tanto jocosa en el prólogo de su obra Amphitryon. El personaje Mercurio, intuyendo lo indecoroso de la inclusión de reyes y dioses junto a siervos en una comedia, declara que es mejor que la obra sea una «tragicomoedia»:

Haré una mezcla: que sea una tragicomedia. No creo que sea apropiado hacerla consecuentemente una comedia, cuando hay reyes y dioses en ella. ¿Qué te parece? Puesto que un esclavo también tiene un papel en la obra, haré que sea una tragicomedia…-Plauto, Anfitrión

Renacimiento revividoEditar

ItaliaEditar

El comentario de Plauto tuvo un impacto posiblemente excesivo en la teoría estética del Renacimiento, que había transformado en gran medida los comentarios de Aristóteles sobre el drama en una teoría rígida. Para los «creadores de reglas» (el término es de Giordano Bruno), las obras «mixtas» como las mencionadas anteriormente, los «romances» más recientes como Orlando Furioso, e incluso La Odisea eran, en el mejor de los casos, rompecabezas; en el peor, errores. Dos figuras contribuyeron a elevar la tragicomedia a la categoría de género regular, es decir, con sus propias reglas rígidas. Giovanni Battista Giraldi Cinthio, a mediados del siglo XVI, defendió que la tragedia con final cómico (tragedia de lieto fin) era la más apropiada para los tiempos modernos y produjo sus propios ejemplos de este tipo de obras. Más importante aún fue Giovanni Battista Guarini. La obra de Guarini Il Pastor Fido, publicada en 1590, provocó un intenso debate crítico en el que la enérgica defensa de Guarini de la innovación genérica acabó imponiéndose. La tragicomedia de Guarini ofrecía una acción modulada que nunca se desviaba demasiado hacia la comedia o la tragedia, personajes amanerados y un escenario pastoral. Las tres cosas se convirtieron en elementos básicos de la tragicomedia continental durante un siglo y más.

InglaterraEditar

En Inglaterra, donde la práctica iba por delante de la teoría, la situación era muy diferente. En el siglo XVI, «tragicomedia» significaba el tipo nativo de obra romántica que violaba las unidades de tiempo, lugar y acción, que mezclaba con ligereza personajes de alta y baja cuna, y que presentaba acciones fantásticas. Estas eran las características que Philip Sidney deploraba en su queja contra la «mungrell Tragy-comedie» de la década de 1580, y de la que el Polonio de Shakespeare ofrece un famoso testimonio: «Los mejores actores del mundo, ya sea para la tragedia, la comedia, la historia, la pastoral, la pastoral-cómica, la histórico-pastoral, la trágico-histórica, la trágico-cómico-histórica-pastoral, la escena individualizable, o el poema ilimitado: Séneca no puede ser demasiado pesado, ni Plauto demasiado ligero. Para la ley de la escritura y la libertad, estos son los únicos hombres». Algunos aspectos de este impulso romántico permanecen incluso en la obra de dramaturgos más sofisticados: Las últimas obras de Shakespeare, que bien podrían llamarse tragicomedias, han sido a menudo calificadas de romances.

A principios del periodo Estuardo, algunos dramaturgos ingleses habían absorbido las lecciones de la controversia Guarini. La Pastora Fiel de John Fletcher, una adaptación de la obra de Guarini, se produjo en 1608. En la edición impresa, Fletcher ofrecía una interesante definición del término, que vale la pena citar extensamente: «Una tragicomedia no se denomina así en lo que respecta a la alegría y la muerte, sino en lo que respecta a que quiere muertes, lo cual es suficiente para que no sea una tragedia, pero trae algo de neerlandés, lo cual es suficiente para que no sea una comedia». La definición de Fletcher se centra principalmente en los acontecimientos: el género de una obra se determina por el hecho de que en ella mueran o no personas, y de forma secundaria por lo cerca que esté la acción de una muerte. Pero, como demostró Eugene Waith, la tragicomedia que Fletcher desarrolló en la década siguiente también tenía rasgos estilísticos unificadores: revelaciones súbitas e inesperadas, tramas extravagantes, lugares distantes y un enfoque persistente en una retórica elaborada y artificial.

Algunos de los contemporáneos de Fletcher, especialmente Philip Massinger y James Shirley, escribieron tragicomedias populares. Richard Brome también ensayó la forma, pero con menos éxito. Y muchos de sus escritores contemporáneos, desde John Ford hasta Lodowick Carlell y Sir Aston Cockayne, hicieron intentos en el género.

La tragicomedia siguió siendo bastante popular hasta el cierre de los teatros en 1642, y las obras de Fletcher fueron populares también en la Restauración. Los viejos estilos se dejaron de lado cuando los gustos cambiaron en el siglo XVIII; la «tragedia con final feliz» acabó convirtiéndose en melodrama, forma en la que todavía florece.

Landgartha (1640) de Henry Burnell, la primera obra de un dramaturgo irlandés que se representó en un teatro irlandés, fue descrita explícitamente por su autor como una tragicomedia. La reacción de la crítica a la obra fue universalmente hostil, en parte parece que porque el final no era ni feliz ni infeliz. Burnell, en su introducción a la edición impresa de la obra, atacó a sus críticos por su ignorancia, señalando que, como deberían saber perfectamente, muchas obras no son ni tragedia ni comedia, sino «algo intermedio».

Desarrollos posterioresEditar

La crítica que se desarrolló después del Renacimiento hizo hincapié en los aspectos temáticos y formales de la tragicomedia, más que en la trama. Gotthold Ephraim Lessing la definió como una mezcla de emociones en la que «la seriedad estimula la risa, y el dolor el placer». La afinidad de la tragicomedia con la sátira y la comedia «oscura» han sugerido un impulso tragicómico en el teatro moderno con Luigi Pirandello, que influyó en muchos dramaturgos como Samuel Beckett y Tom Stoppard. También puede verse en el drama absurdo. Friedrich Dürrenmatt, el dramaturgo suizo, sugirió que la tragicomedia era el género inevitable para el siglo XX; describe su obra La visita (1956) como una tragicomedia. La tragicomedia es un género común en el teatro británico posterior a la Segunda Guerra Mundial, con autores tan variados como Samuel Beckett, Tom Stoppard, John Arden, Alan Ayckbourn y Harold Pinter escribiendo en este género. La ficción posmoderna de Vladimir Nabokov, Pálido fuego, es una tragicomedia que se inspira en el drama isabelino

La tragicomedia posmoderna en Estados UnidosEditar

Los escritores estadounidenses de los movimientos metamodernista y posmoderno han recurrido a la tragicomedia y/o al humor negro. Un ejemplo notable de tragicomedia metamoderna es la obra magna de David Foster Wallace de 1996, Infinite Jest. Wallace escribe sobre los elementos cómicos de la vida en una casa de acogida (es decir, «algunas personas parecen realmente roedores»), un lugar impregnado de tragedia y sufrimiento humanos.