El siglo XX presentó un cambio radical respecto a las influencias clásicas del Renacimiento del siglo XIX, no sólo artísticamente sino política y socialmente.

La Primera y Segunda Guerras Mundiales marcaron un clima depresivo, la Crisis Europea y el Gran Crash sacudieron a la sociedad en su esencia. La revolución industrial siguió con el surgimiento de nuevas ideas, teorías, símbolos y técnicas. Dio forma a muchos movimientos artísticos que hoy conocemos: el expresionismo y el expresionismo abstracto, el cubismo, el fauvismo, el dadaísmo, el surrealismo y el arte pop, entre otros. Echemos un vistazo a las obras de arte que definieron el siglo XX.

Scott Tyler, Dread, 1989

En 1989, Scott Tyler era sólo un estudiante de secundaria en el Instituto de Arte de Chicago. Allí presentó su primera obra de arte titulada ¿Cuál es la forma adecuada de mostrar la bandera estadounidense? La bandera de EE.UU. se exponía tumbada en el suelo. Estaba colocada de forma estratégica para que los clientes que quisieran leer el manual colgado tuvieran que pisar la bandera.

Se detuvo a varios visitantes por indignación y, por supuesto, al propio artista. Estaba violando la Enmienda de Profanación de la Bandera. Incluso el presidente Bush criticó la obra de arte por considerarla vergonzosa, al igual que muchos otros. Sin embargo, hubo opiniones de todo tipo. Con esta obra, Scott Tyler quería demostrar la debilidad de un importante derecho humano: La libertad de expresión.

Andy Warhol, Latas de sopa Campbell, 1962

¿Quién no recuerda estas famosas latas de sopa Campbell? Andy Warhol, quizá uno de los artistas más destacados y extravagantes del siglo XX. Era un comprador compulsivo y un acaparador. Su adicción podría haber sido el inicio del Pop Art, un movimiento artístico colorista y provocador que surgió a mediados y finales de los años 50.

¿Quién pensaba que una simple lata de sopa podía ser una obra de arte? Sólo Andy Warhol podía llevar a cabo una hazaña tan audaz. Él mismo comió esta sopa a diario durante 20 años y luego la incorporó a la historia del arte. ¿Era tan simple como eso? De hecho, los críticos se volvieron locos. ¿Cómo podía un artista reducir un campo institucionalizado como el arte a una simple visita al supermercado? Sin embargo, el Pop Art fue más allá de estos objetos ordinarios e incluyó los temas de la cultura de masas, aquellos que se alineaban con la realidad de la sociedad de consumo.

Robert Rauschenberg, Erased De Kooning, 1953

Sí, esta es una obra de arte, y fue realizada por el artista estadounidense Robert Rauschenberg. Era el año 1953 y el artista estadounidense de origen holandés De Kooning era una leyenda. Era uno de los más grandes pintores del movimiento del expresionismo abstracto de la época, su nombre generaba tanto confianza como temor. Un día, Robert Rauschenberg le pidió a De Kooning uno de sus cuadros De Kooning no se sintió muy entusiasmado al principio, pero luego aceptó y le regaló una de sus obras más importantes.

Al cabo de unos meses, Robert Rauschenberg borró el cuadro y lo llamó suyo, Erased De Kooning. Sí, estaba en blanco. Pero, ¿era arte? Como dijo Picasso, «Todo acto de creación es primero un acto de destrucción». Los críticos estaban confundidos, obviamente. La intención de Rauschenberg era atacar el expresionismo abstracto y dar valor artístico a la destrucción de una de sus obras. La obra se encuentra ahora en el Museo de Arte Moderno de San Francisco.

Pablo Picasso, Les Demoiselles d’Avignon, 1907

Imagínate en 1907 mirando las cinco figuras femeninas desnudas retratadas en este cuadro. Contrasta con la época de las mujeres redondas y sensuales. Picasso nos muestra, en dos dimensiones, cinco prostitutas desnudas de un burdel de Barcelona. Una idea que no fue bien recibida durante su exposición en París.

Con su geometrización de la forma, este cuadro se convirtió en el origen del movimiento cubista. Tras la exposición, la obra quedó olvidada en el estudio de Picasso durante años. Más tarde fue expuesta a principios de los años 20 por Jacques Doucet (un famoso coleccionista de arte francés). Actualmente, se puede ver Les Demoiselles d’Avignon en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Richard Serra, Arco inclinado, 1981

Richard Serra es un reconocido escultor estadounidense y el creador de una de las obras más controvertidas del siglo XX: Arco inclinado. Esta enorme escultura se instaló en 1982 en la Foley Federal Plaza de Nueva York. Su tamaño exagerado: un muro de acero corten de 3 metros de alto por 4 metros de largo dividía la plaza en dos partes. La obra se construyó dentro de la estructura del lugar y fue concebida por Serra como una pieza crítica para «redefinir» la plaza, y no sólo como un objeto decorativo.

¿Le gustó a la gente? Ni un poco. Para los que trabajaban y vivían allí, el muro de acero bloqueaba el paso y lo consideraban abrumador y deprimente. De hecho, The New York Times lo describió como una de las obras de arte público más feas de la ciudad y algunos lo llamaron el Muro de Berlín de la Plaza Federal. Así que, después de muchas controversias (incluido uno de los juicios artísticos más famosos de la historia), la escultura se cortó en tres trozos y se retiró de la plaza en 1989. Ahora, se encuentra a salvo en un almacén de Maryland.

Balthus, La lección de guitarra, 1934

El controvertido pintor francés Balthasar Klossowski de Rola, conocido como Balthus, es sin duda uno de los grandes artistas del siglo XX. Un nostálgico amante de la Edad de la Inocencia, sin embargo, solitario y misterioso.

En este inquietante cuadro, que se asemeja a una «pietà», vemos a un profesor de guitarra con su joven alumno extendido sobre su regazo con la falda levantada y los genitales al descubierto. La profesora toca al alumno como si fuera un instrumento musical. Sus dedos rasgan las cuerdas invisibles de la guitarra dentro de sus muslos. El cuadro generó muchas discusiones. ¿Tenía Balthus malas intenciones? Este cuadro ha cambiado de manos muchas veces pero ahora pertenece, al armador griego, Stavros Niarchos.

Andrés Serrano, Piss Christ, 1987

Piensa en una fotografía de Cristo. Un crucifijo. Ahora imagina esta imagen introducida en un recipiente lleno de orina del artista. ¿Cómo se sentiría? El artista estadounidense Andrés Serrano creó esta obra de arte en 1987. La obra creó una gran controversia en la comunidad artística. Como cristiano, consideraba su obra una declaración religiosa, que muestra la ambigua relación entre lo sagrado y lo profano.

La sustancia que utilizó no fue elegida al azar. Tenía sus razones, pero aseguraba que nadie le había preguntado por qué. La sangre procedía de Cristo, pero también la orina del mismo modo, por lo que sigue habiendo un componente sagrado en la idea. El arte siempre debe provocar y despertar emociones, y la gente no debe permanecer indiferente ante él. De hecho, éste es un claro ejemplo.

Marcus Harvey, Myra, 1995

Es la mujer más malvada de Gran Bretaña. El mundo entero pudo verla en la exposición de la Royal Academy de Londres en 1997. Sensation, como se titulaba la exposición, era la colección de Charles Saatchi, presentaba obras de arte realizadas por jóvenes artistas. Una de ellas era un gran retrato de Myra, obra de Marcus Harvey. Una mujer que, en los años 60, junto a su novio, violó, torturó y asesinó a cinco adolescentes, de entre 10 y 17 años. Sus cadáveres fueron enterrados en un páramo cerca de Manchester. Sin duda, esta obra de arte provocó una gran indignación en el Reino Unido, y en el extranjero. En la exposición, el cuadro sufrió daños por parte del público y tuvo que ser protegido con una pantalla.

La historia que hay detrás de esta obra es espeluznante. El cuadro está borroso y pixelado, pero al examinarlo más de cerca, esos pixeles eran las huellas de las manos de un niño. Myra se consideraba un punto de dolor en la historia británica, por lo que la reacción negativa del público era comprensible. Sin embargo, ¿es lo horrible también digno de atención?

Chris Ofili, The Holy Virgin Mary, 1996

Este cuadro del artista británico Chris Ofili presenta a una Virgen María negra rodeada de un collage que parece de mariposas, pero son fotografías de genitales femeninos. Lo pintó utilizando estiércol de elefante y lo tituló The Holy Virgin Mary (La Santa Virgen María), que se expuso en el Museo de Brooklyn en 1999.

Era octubre de 1999 y el coleccionista inglés Charles Saatchi promovía una exposición en Nueva York para el movimiento de Jóvenes Artistas Británicos (YBAs). Entre otras obras de arte, el entonces alcalde de la ciudad, Rudy Giuliani, tuvo la oportunidad de inspeccionar esta obra. Naturalmente escandalizado, calificó el cuadro de enfermo y repugnante e intentó retirar la subvención anual al Museo de Brooklyn. Sin embargo, el museo se resistió y ganó el caso en los tribunales.

Marcel Duchamp, Fuente, 1917

Este es el urinario que Marcel Duchamp compró, garabateó un nombre falso ‘R. Mutt’ en el borde inferior, lo puso en una galería y lo llamó Fuente. Se considera la obra de arte más controvertida del siglo XX porque no era más que un objeto ordinario presentado como una prestigiosa obra de arte.

Envió su obra de arte al comité de investigación de la Sociedad de Artistas Independientes, en Nueva York… ¿Y adivina qué? No fue rechazado, pero el urinario fue excluido de la exposición. Sin duda, su obra de arte criticaba el sistema y las normas establecidas.