Das 20. Jahrhundert stellte eine radikale Abkehr von den klassischen Einflüssen der Renaissance des 19. Jahrhunderts dar, nicht nur in künstlerischer, sondern auch in politischer und sozialer Hinsicht.

Der Erste und der Zweite Weltkrieg prägten ein deprimierendes Klima, die europäische Krise und der große Crash erschütterten die Gesellschaft in ihrem Kern. Es folgte die industrielle Revolution, die neue Ideen, Theorien, Symbole und Techniken hervorbrachte. Sie prägte viele künstlerische Bewegungen, die wir heute kennen – Expressionismus und Abstrakter Expressionismus, Kubismus, Fauvismus, Dadaismus, Surrealismus und Pop Art, um nur einige zu nennen. Werfen wir einen Blick auf die Kunstwerke, die das 20. Jahrhundert geprägt haben.

Scott Tyler, Dread, 1989

Im Jahr 1989 war Scott Tyler noch ein Highschool-Schüler am Art Institute of Chicago. Dort präsentierte er sein erstes Kunstwerk mit dem Titel „What is the appropriate way to display the American flag?“. Die US-Flagge wurde flach auf dem Boden liegend präsentiert. Sie war strategisch so platziert, dass Besucher, die die hängende Anleitung lesen wollten, auf die Flagge treten mussten.

Sehr viele Besucher wurden wegen Empörung verhaftet und natürlich auch der Künstler selbst. Er verstieß gegen das Flaggenschändungsgesetz (Flag Desecration Amendment). Sogar Präsident Bush kritisierte das Kunstwerk als beschämend, wie viele andere auch. Es gab jedoch Meinungen aller Art. Scott Tyler wollte mit diesem Werk die Schwäche eines wichtigen Menschenrechts aufzeigen: Die Freiheit der Meinungsäußerung.

Andy Warhol, Campbell’s Soup Cans, 1962

Wer erinnert sich nicht an diese berühmten Dosen von Campbell’s Suppe? Andy Warhol, vielleicht einer der prominentesten Künstler und extravagantesten Figuren des 20. Jahrhunderts. Er war ein zwanghafter Käufer und Sammler. Diese Sucht könnte der Beginn der Pop Art gewesen sein, einer farbenfrohen und provokativen Kunstrichtung, die Mitte bis Ende der 1950er Jahre aufkam.

Wer hätte gedacht, dass eine einfache Suppendose ein Kunstwerk sein könnte? Nur Andy Warhol konnte ein solch kühnes Kunststück vollbringen. Er selbst hat diese Suppe 20 Jahre lang täglich gegessen und sie dann in die Kunstgeschichte aufgenommen. War das so einfach? In der Tat, die Kritiker drehten durch. Wie konnte ein Künstler einen institutionalisierten Bereich wie die Kunst auf einen einfachen Besuch im Supermarkt reduzieren? Doch die Pop Art ging über diese gewöhnlichen Gegenstände hinaus und bezog die Themen der Massenkultur mit ein, die mit der Realität der Konsumgesellschaft übereinstimmten.

Robert Rauschenberg, Erased De Kooning, 1953

Ja, dies ist ein Kunstwerk, und es wurde von dem amerikanischen Künstler Robert Rauschenberg geschaffen. Es war das Jahr 1953 und der niederländisch-amerikanische Künstler De Kooning war eine Legende. Er war einer der größten Maler des Abstrakten Expressionismus jener Zeit, sein Name weckte sowohl Vertrauen als auch Angst. Eines Tages bat Robert Rauschenberg De Kooning um eines seiner Bilder. De Kooning war zunächst nicht sehr begeistert, willigte dann aber ein und schenkte ihm eines seiner wichtigsten Werke.

Nach einigen Monaten radierte Robert Rauschenberg das Bild aus und nannte es sein eigenes, Erased De Kooning. Ja, es war leer. Aber war es Kunst? Wie Picasso bekanntlich sagte: „Jeder Akt der Schöpfung ist zunächst ein Akt der Zerstörung. Die Kritiker waren offensichtlich verwirrt. Rauschenbergs Absicht war es, den abstrakten Expressionismus anzugreifen und der Zerstörung eines seiner Kunstwerke einen künstlerischen Wert zu verleihen. Das Kunstwerk befindet sich heute im Museum of Modern Art in San Francisco.

Pablo Picasso, Les Demoiselles d’Avignon, 1907

Stellen Sie sich vor, dass Sie 1907 die fünf nackten weiblichen Figuren in diesem Gemälde betrachten. Es steht im Gegensatz zu der Ära der runden und sinnlichen Frauen. Picasso zeigt uns fünf nackte Prostituierte in zwei Dimensionen aus einem Bordell in Barcelona. Eine Idee, die bei seiner Ausstellung in Paris nicht gut ankam.

Mit seiner Geometrisierung der Formen wurde dieses Gemälde zum Ursprung der kubistischen Bewegung. Nach der Ausstellung geriet das Werk in Picassos Atelier für Jahre in Vergessenheit. Später wurde es in den frühen 1920er Jahren von Jacques Doucet (einem berühmten französischen Kunstsammler) ausgestellt. Derzeit kann man Les Demoiselles d’Avignon im Museum of Modern Art in New York sehen.

Richard Serra, Tilted Arc, 1981

Richard Serra ist ein renommierter amerikanischer Bildhauer und der Schöpfer eines der umstrittensten Werke des 20: Tilted Arc. Diese massive Skulptur wurde 1982 auf dem Foley Federal Plaza in New York aufgestellt. Ihre übertriebene Größe: eine Wand aus Cortenstahl, 12 Fuß hoch und 120 Fuß lang, teilte den Platz in zwei Teile. Das Kunstwerk fügte sich in die Struktur des Platzes ein und wurde von Serra als kritisches Stück zur „Neudefinition“ des Platzes und nicht nur als dekoratives Objekt konzipiert.

Hat es den Leuten gefallen? Nicht im Geringsten. Für diejenigen, die dort arbeiteten und lebten, versperrte die Stahlwand den Weg und sie empfanden sie als überwältigend und deprimierend. Die New York Times bezeichnete sie sogar als eines der hässlichsten öffentlichen Kunstwerke der Stadt, und manche nannten sie die Berliner Mauer der Federal Plaza. Nach zahlreichen Kontroversen (darunter einer der berühmtesten Kunstprozesse der Geschichte) wurde die Skulptur in drei Teile zerlegt und 1989 vom Platz entfernt. Jetzt ist sie sicher in einem Lagerraum in Maryland untergebracht.

Balthus, Die Gitarrenstunde, 1934

Der umstrittene französische Maler Balthasar Klossowski de Rola, bekannt als Balthus, ist sicherlich einer der größten Künstler des 20. Ein nostalgischer Liebhaber des Zeitalters der Unschuld, aber einsam und geheimnisvoll.

In diesem verstörenden Gemälde, das einer Pietà ähnelt, sehen wir eine Gitarrenlehrerin mit ihrer jungen Schülerin auf dem Schoß, mit hochgezogenem Rock und entblößten Genitalien. Die Lehrerin spielt auf der Schülerin wie auf einem Musikinstrument. Ihre Finger zupfen die unsichtbaren Gitarrensaiten in ihren Schenkeln. Das Gemälde hat viele Diskussionen ausgelöst. Hatte Balthus schlechte Absichten? Das Gemälde hat viele Male den Besitzer gewechselt, gehört aber jetzt dem griechischen Reeder Stavros Niarchos.

Andres Serrano, Piss Christ, 1987

Denken Sie an ein Foto von Christus. Ein Kruzifix. Nun stellen Sie sich dieses Bild in einem Behälter mit dem Urin des Künstlers vor. Wie würden Sie sich fühlen? Der amerikanische Künstler Andres Serrano schuf dieses Kunstwerk im Jahr 1987. Das Werk löste in der Kunstwelt eine heftige Kontroverse aus. Als Christ betrachtete er sein Werk als religiöses Statement, das die zweideutige Beziehung zwischen dem Heiligen und dem Profanen zeigt.

Die von ihm verwendete Substanz wurde nicht zufällig ausgewählt. Er hatte seine Gründe, aber er behauptete, niemand habe ihn jemals nach dem Grund gefragt. Das Blut stammte von Christus, aber ebenso der Urin, so dass die Idee immer noch eine heilige Komponente enthält. Kunst sollte immer provozieren und Emotionen wecken, und die Menschen sollten ihr gegenüber nicht gleichgültig bleiben. Dies ist in der Tat ein klares Beispiel.

Marcus Harvey, Myra, 1995

Sie ist die böseste Frau in Großbritannien. Die ganze Welt konnte sie 1997 in der Ausstellung in der Royal Academy in London sehen. Sensation, so der Titel der Ausstellung, war die Sammlung von Charles Saatchi, sie präsentierte Kunstwerke von jungen Künstlern. Eines davon war ein großes Porträt von Myra, von Marcus Harvey. Eine Frau, die in den 1960er Jahren zusammen mit ihrem Freund fünf Teenager im Alter von 10 bis 17 Jahren vergewaltigte, folterte und ermordete. Ihre Leichen wurden in einem Moor bei Manchester verscharrt. Zweifellos hat dieses Kunstwerk im Vereinigten Königreich und im Ausland große Empörung ausgelöst. Bei der Ausstellung wurde das Gemälde durch das Publikum beschädigt und musste mit einem Paravent geschützt werden.

Die Geschichte, die hinter diesem Werk steckt, ist erschreckend. Das Gemälde ist unscharf und verpixelt, aber bei näherer Betrachtung waren diese Pixel die Handabdrücke eines Kindes. Myra wurde als ein Schmerzpunkt in der britischen Geschichte angesehen, daher war die negative Reaktion der Öffentlichkeit verständlich. Doch ist das Schreckliche auch der Aufmerksamkeit würdig?

Chris Ofili, Die Heilige Jungfrau Maria, 1996

Dieses Gemälde des britischen Künstlers Chris Ofili zeigt eine schwarze Jungfrau Maria, die von einer Collage umgeben ist, die an Schmetterlinge erinnert, bei denen es sich jedoch um Fotos von weiblichen Genitalien handelt. Er malte es mit Elefantenmist und nannte es „The Holy Virgin Mary“ (Die heilige Jungfrau Maria), das 1999 im Brooklyn Museum ausgestellt wurde.

Es war im Oktober 1999 und der englische Sammler Charles Saatchi förderte eine Ausstellung in New York für die Bewegung der Young British Artists (YBAs). Neben anderen Kunstwerken hatte der damalige Bürgermeister der Stadt, Rudy Giuliani, die Gelegenheit, dieses Werk zu besichtigen. Natürlich war er schockiert, bezeichnete das Gemälde als krank und ekelhaft und versuchte, dem Brooklyn Museum den jährlichen Zuschuss zu entziehen. Das Museum wehrte sich jedoch und gewann den Fall vor Gericht.

Marcel Duchamp, Fountain, 1917

Dies ist das Urinal, das Marcel Duchamp kaufte, einen falschen Namen ‚R. Mutt‘ auf den unteren Rand kritzelte, es in einer Galerie aufstellte und es Fountain nannte. Es gilt als das umstrittenste Kunstwerk des 20. Jahrhunderts, weil es sich um einen gewöhnlichen Gegenstand handelte, der als prestigeträchtiges Kunstwerk präsentiert wurde.

Er schickte sein Kunstwerk an das Prüfungskomitee der Society of Independent Artists in New York… Und raten Sie mal? Er wurde nicht abgelehnt, aber das Pissoir wurde von der Ausstellung ausgeschlossen. Zweifellos kritisierte sein Kunstwerk das System und die etablierten Standards.