Klassisk præcedensRediger

Tragisk Komiske masker fra det antikke græske teater, repræsenteret på mosaikken i Hadrians Villa.

Der findes ingen kortfattet formel definition af tragikomedie fra den klassiske tidsalder. Det ser ud til, at den græske filosof Aristoteles havde noget i retning af renæssancens betydning af begrebet (dvs. en alvorlig handling med en lykkelig slutning) i tankerne, da han i Poetik diskuterer tragedie med en dobbelt slutning. I denne henseende kan en række græske og romerske skuespil, f.eks. Alcestis, betegnes som tragikomedier, selv om de ikke har nogen bestemte kendetegn ud over handlingen. Selve ordet stammer fra den romerske komiske dramatiker Plautus, som opfandt udtrykket lidt spøgefuldt i prologen til sit skuespil Amphitryon. Karakteren Merkur, der fornemmer det uhensigtsmæssige i at inkludere både konger og guder sammen med tjenere i en komedie, erklærer, at stykket hellere måtte være en “tragikomedie”:

Jeg vil gøre det til en blanding: lad det være en tragikomedie. Jeg tror ikke, at det ville være passende at gøre det konsekvent til en komedie, når der er konger og guder med i det. Hvad mener du? Da en slave også har en rolle i stykket, vil jeg gøre det til en tragikomedie…-Plautus, Amphitryon

Renæssancens genoplivningerRediger

ItalienRediger

Plautus’ kommentar havde en nok så overdreven indflydelse på renæssancens æstetiske teori, som i høj grad havde omdannet Aristoteles’ kommentarer om dramaet til en rigid teori. For “regelmagerne” (udtrykket er Giordano Bruno’s) var “blandede” værker som de ovenfor nævnte, nyere “romancer” som Orlando Furioso og selv Odysseen i bedste fald gåder, i værste fald fejltagelser. To personer var med til at ophøje tragikomedien til en regulær genre, dvs. en genre med sit eget sæt strenge regler. Giovanni Battista Giraldi Cinthio argumenterede i midten af det 16. århundrede både for, at tragedien med en komisk slutning (tragedia de lieto fin) var mest passende for den moderne tid, og han fremstillede sine egne eksempler på sådanne stykker. Endnu vigtigere var Giovanni Battista Guarini. Guarini’s Il Pastor Fido, der blev udgivet i 1590, fremkaldte en heftig kritisk debat, hvor Guarini’s livlige forsvar for den generiske nyskabelse i sidste ende sejrede. Guarini’s tragikomedie bød på en moduleret handling, der aldrig for langt afveg hverken til komedie eller tragedie, manierede karakterer og en pastoral ramme. Alle tre blev grundelementer i den kontinentale tragikomedie i mere end et århundrede.

EnglandRediger

I England, hvor praksis gik forud for teorien, var situationen en helt anden. I det 16. århundrede betød “tragikomedie” den indfødte slags romantiske skuespil, der krænkede tidens, stedets og handlingens enhed, som letfærdigt blandede højt- og lavtfødte karakterer, og som præsenterede fantastiske handlinger. Det var disse træk, som Philip Sidney beklagede i sin klage over “mungrell Tragy-comedie” fra 1580’erne, og som Shakespeares Polonius er et berømt vidnesbyrd om: “De bedste skuespillere i verden, enten til tragedie, komedie, historie, pastoral, pastoral-komisk, historisk-pastoral, tragisk-historisk, tragisk-komisk-historisk-pastoral, scene individualiserbar, eller digt ubegrænset: Seneca kan ikke være for tung, og Plautus kan ikke være for let. For skriftens lov og friheden er disse de eneste mænd.” Nogle aspekter af denne romantiske impuls er stadig til stede selv i mere sofistikerede dramatikeres værker: Shakespeares sidste skuespil, som godt kan kaldes tragikomedier, er ofte blevet kaldt romancer.

I den tidlige Stuart-periode havde nogle engelske dramatikere taget læren af Guarini-kontroversen til sig. John Fletchers The Faithful Shepherdess, en bearbejdning af Guarini’s stykke, blev opført i 1608. I den trykte udgave gav Fletcher en interessant definition af begrebet, som det er værd at citere udførligt: “En tragi-komedie kaldes ikke sådan med hensyn til morskab og drab, men med hensyn til, at den ønsker dødsfald, hvilket er nok til at gøre den ikke til en tragedie, men bringer alligevel nogle nye med sig, hvilket er nok til at gøre den ikke til en komedie.” Fletchers definition fokuserer primært på begivenheder: et skuespils genre bestemmes af, om der dør mennesker i det, og sekundært af, hvor tæt handlingen kommer på et dødsfald. Men som Eugene Waith viste, havde den tragikomedie, som Fletcher udviklede i det næste årti, også ensartede stilistiske træk: pludselige og uventede afsløringer, outrerede plots, fjerne lokaliteter og et vedholdende fokus på udspekuleret, kunstig retorik.

Som nogle af Fletchers samtidige, især Philip Massinger og James Shirley, skrev populære tragikomedier. Richard Brome forsøgte sig også med denne form, men med mindre succes. Og mange af deres samtidige forfattere, lige fra John Ford til Lodowick Carlell til Sir Aston Cockayne, gjorde forsøg i genren.

Tragikomedier forblev ret populære frem til lukningen af teatrene i 1642, og Fletchers værker var også populære under Restaurationen. De gamle stilarter blev kastet til side, da smagen ændrede sig i det attende århundrede; “tragedien med en lykkelig slutning” udviklede sig til sidst til melodramaet, i hvilken form den stadig blomstrer.

Landgartha (1640) af Henry Burnell, det første stykke af en irsk dramatiker, der blev opført på et irsk teater, blev af forfatteren udtrykkeligt beskrevet som en tragikomedie. Kritikkens reaktion på stykket var generelt fjendtlig, til dels ser det ud til, at det skyldtes, at slutningen hverken var lykkelig eller ulykkelig. Burnell angreb i sin indledning til den trykte udgave af stykket sine kritikere for deres uvidenhed og påpegede, at som de udmærket burde vide, er mange stykker hverken tragedie eller komedie, men “noget midt imellem”.

Senere udviklingRediger

Den kritik, der udviklede sig efter renæssancen, lagde vægt på de tematiske og formelle aspekter af tragikomedien, snarere end på handlingen. Gotthold Ephraim Lessing definerede den som en blanding af følelser, hvor “alvor stimulerer latter, og smerte glæde”. Tragikomediens affinitet med satire og “mørk” komedie har antydet en tragikomisk impuls i det moderne teater med Luigi Pirandello, der påvirkede mange dramatikere, herunder Samuel Beckett og Tom Stoppard. Den kan også ses i absurdistisk dramatik. Friedrich Dürrenmatt, den schweiziske dramatiker, foreslog, at tragikomedien var den uundgåelige genre for det 20. århundrede; han beskriver sit skuespil Besøget (1956) som en tragikomedie. Tragikomedie er en udbredt genre i det britiske teater efter Anden Verdenskrig, og så forskellige forfattere som Samuel Beckett, Tom Stoppard, John Arden, Alan Ayckbourn og Harold Pinter har skrevet i denne genre. Vladimir Nabokovs postmoderne fiktion Pale Fire er en tragikomedie, der er optaget af det elisabethanske drama

Postmoderne tragikomedie i USARediger

Amerikanske forfattere fra den metamodernistiske og postmodernistiske bevægelse har gjort brug af tragikomedie og/eller galgenhumor. Et bemærkelsesværdigt eksempel på en metamodernistisk tragikomedie er David Foster Wallaces magnum opus fra 1996, Infinite Jest. Wallace skriver om de komiske elementer ved at bo i et halvhjem (dvs. “nogle mennesker ligner virkelig gnavere”), et sted gennemsyret af menneskelig tragedie og lidelse.